Sonrisas

Foto tomada en Paris 2018 “Prohibido fijar carteles sin autorización
i started a joke canción de los Bee Gees versión faith no more

Los recordatorios de “sonreír” están por todas partes, desde los imanes que colocamos en la nevera hasta los anuncios publicitarios .

De hecho, consideramos que las personas que sonríen a menudo son más simpáticas, competentes, accesibles, amistosas y atractivas. Sin embargo, la sonrisa es una expresión mucho más compleja que no siempre refleja alegría y felicidad.

Un estudio  llevado a cabo en la Universidad Estatal de Michigan analizó el impacto de una sonrisa falsa en nuestro estado de ánimo a través del seguimiento de un grupo de 58 personas durante dos semanas. Descubrieron que mientras más sonrisas fingían, peor era su estado de ánimo al regresar a casa. Estas personas no solo se sentían más tristes, sino también más enfadadas e irritables.


El experimento que cambió para siempre nuestra manera de comprender la sonrisa. Corría el año 1924 cuando Carney Landis sometió a un grupo de personas, incluyendo a un niño de 13 años, a una serie de experiencias que jamás olvidarían. Este psicólogo de la Universidad de Minnesota quería saber si reaccionamos emocionalmente de la misma manera ante estímulos idénticos.

Para ello, dibujó líneas en los rostros de los participantes que le permitieron ver mejor sus expresiones faciales y tomó una serie de fotografías instantáneas mientras las personas se expusieron a lo largo de tres horas a experiencias de todo tipo, desde situaciones agradables y placenteras hasta descargas eléctricas e, incluso, les pidió que le cortaran la cabeza a una rata con un cuchillo de carnicero.

Sin duda, los métodos de Landis eran muy cuestionables, pero descubrió algo muy interesante: incluso durante los estímulos más violentos, la reacción más común no era llorar ni enfurecerse, sino sonreír. El investigador apuntó: “En lo que respecta a este experimento, no he encontrado más expresión que una sonrisa, la cual está presente en suficientes fotografías como para ser considerada típica en cualquier situación”. ¿Cómo es posible?

Existen 19 diferentes tipos de sonrisa, pero solo 6 indican felicidad, alegría, diversión o satisfacción. El resto es un reflejo de otras emociones y sentimientos, desde dolor e incomodidad hasta vergüenza, horror o profunda tristeza. Una sonrisa también puede indicar desprecio, ira o incredulidad.

La sonrisa de Duchenne Fue descubierta por el neurólogo francés Duchenne de Boulogne en el siglo XIX y se produce debido a una contracción de los músculos cigomático mayor y menor cerca de la boca, los cuales elevan las comisuras de los labios. No obstante, lo característico de esta sonrisa es que se acompaña de una contracción del músculo orbicular cerca de los ojos, que eleva las mejillas y causa esas típicas arrugas de felicidad alrededor de los ojos. Se afirma que es una sonrisa genuina, no fingida, porque la mayoría de las personas no son capaces de contraer voluntariamente el músculo orbicular, si bien en los últimos tiempos esta habilidad se ha puesto en tela de juicio.

La sonrisa falsa Es la típica sonrisa por cortesía en la que no participan los ojos. Es la que esbozamos para las fotos o cuando reímos de una broma que no nos hace gracia. Esta sonrisa se descubre porque las comisuras de la boca se elevan pero los ojos no siguen ese movimiento. Otras pistas que denotan su falsedad es que suele durar demasiado tiempo o aparece demasiado temprano, por lo que da la sensación de que es una sonrisa artificial fuera de tempo.

La sonrisa de miedo Es común en nuestros parientes más cercanos, los chimpancés, quienes sonríen de manera silenciosa para indicar sumisión, nerviosismo y miedo. De hecho, aunque no solemos asociar la sonrisa con el miedo, se ha apreciado que los bebés también sonríen cuando se sienten angustiados. De la misma forma, un experimento realizado en la Universidad de Yale descubrió que solemos sonreír más cuando estamos delante de personas que consideramos de un estatus superior.

La sonrisa atenuada Es particularmente difícil de comprender pero lo cierto es que la sonrisa genuina y feliz no siempre ha sido bien vista. En la Europa del siglo XVII expresar abiertamente las emociones se consideraba inadecuado y un proverbio ruso alerta de que “sonreír sin razón es un signo de estupidez”. En Japón, por ejemplo, se sonríe más con los ojos que con la boca. Por eso, la sonrisa amortiguada es un intento de controlar una sonrisa automática y feliz. En este caso, las mejillas se elevan pero apretamos los labios o presionamos las comisuras de la boca hacia abajo para intentar ocultar la sonrisa.

La sonrisa miserable Es una forma socialmente aceptable de mostrar nuestra tristeza o dolor. Se trata de una sonrisa ligeramente asimétrica que muestra una profunda tristeza en los ojos. Un estudio realizado en la Universidad de San Francisco analizó más de 4.800 fotografías de atletas que compitieron en los Juegos Olímpicos de Atenas y descubrió que los medallistas de plata que perdieron sus partidos finales solían mostrar estas sonrisas.

La sonrisa calificativa Suele ser la que más nos molesta. Es la sonrisa de la persona que sabe algo que no sabemos y que está a punto de darnos una mala noticia, como la recepcionista que nos informa que no hay cita hasta dentro de un año. Se trata de una sonrisa en la que se levanta ligeramente el labio inferior y suele acompañarse de una inclinación ligeramente hacia abajo de la cabeza. Esta sonrisa denota una mezcla de diferentes emociones y sentimientos que abarcan desde la alegría hasta la vergüenza.

La sonrisa de desprecio Es otra expresión difícil de digerir. Se trata de una mezcla de disgusto y resentimiento y es asombrosamente similar a una sonrisa de auténtica delicia, excepto por las esquinas de los labios, que parecen apretadas. La sonrisa de desprecio es más común en Asia, donde la etiqueta manda que las personas oculten sus sentimientos, por lo que tienden a sonreír mucho cuando están enojadas.

La sonrisa de alegría maliciosa Se produce cuando alguien se alegra por la desgracia de otro. Por razones obvias, hemos aprendido a ocultar esta emoción mejor de los demás, aunque no siempre es fácil esconderla. Lo más usual es plasmar una expresión de enojo en la parte superior de los labios que produce una sonrisa fija, casi espeluznante, la cual se ha convertido en un elemento básico de los personajes malvados en las películas de terror.

Por supuesto, existen otros tipos de sonrisas, como la sonrisa sarcástica, que denota superioridad, ironía e incluso crueldad. También podemos encontrar la sonrisa de vergüenza o incomodidad; la sonrisa coqueta que se usa para flirtear, y la sonrisa soñolienta, esa que se nos dibuja en el rostro cuando nos acabamos de levantar y se caracteriza por ser extremadamente relajada. Muy parecida es la sonrisa del recuerdo, que esbozamos cuando recordamos algo con nostalgia.

Más triste es la sonrisa de soledad, esa que realizamos cuando nadie nos mira y estamos solos con nuestros problemas, miedos y preocupaciones. En el extremo opuesto hallamos la sonrisa de la victoria, que no solo denota alegría y felicidad sino también una gran satisfacción. Por supuesto, también está la sonrisa del amor, una sonrisa muy especial de complicidad; así como la sonrisa a los extraños, que no es una sonrisa falsa, pero tampoco llega a ser una sonrisa de total felicidad y alegría, aunque es sincera, comedida y cálida.

Muy interesante es la sonrisa de Sísifo, el héroe del absurdo en la mitología griega, la cual surge de las situaciones incongruentes y sin sentido, como cuando alguien intenta hacernos reír para animarnos y recurre al absurdo. Por último, podemos encontrar la sonrisa de coordinación, una de las que más usamos cuando conversamos con alguien para ratificar que le estamos escuchando y que estamos de acuerdo con su mensaje. No llega a ser una sonrisa de alegría pero tampoco es falsa, simplemente es una respuesta automática durante la conversación. ¿Cuál es la que más utilizas?

MUHIMU

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Al Otro lado del Teléfono

Los médicos desde cada consulta telefónica; Escuchamos al paciente…, se gestionan…, se analizan pruebas…, se hacen diagnósticos…, se renuevan tratamientos…, se reparten consejos…, se tramitan bajas laborales…, se consuela…, se citan para ver en consulta…., se aguantan reclamaciones …, Se soportan silencios y gritos… Y luego se vuelve a marcar otro número de teléfono….Y luego otro… Y otro… Y así cada día … La sensación de no llegar a todo, a pesar del esfuerzo, es lo que sentimos al otro lado del teléfono.

Telefonia. Jorge Drexler

Ya no lloro, pero escribo Ya no me enamoro, pero leo Ya no creo, pero sonrío. Y en esa ausencia tan inmensa. Sigo buscando la belleza. Leido en Internet

Árbol seco y vista lateral de la casa Lombard’ (1931)

Desde que en 1930 Hopper y Jo, su mujer, comenzaron a pasar los veranos en South Truro, una pequeña localidad de Cape Cod, las casas, los faros y los paisajes luminosos del lugar empezaron a aparecer de forma recurrente en sus obras.

‘Árbol seco y vista lateral de la casa Lombard’ (1931) es una de las muchas acuarelas que pintó durante su segundo verano allí. Se trata de la casa de su amigo Frank Lombard, un tipo de vivienda característica de la zona que también aparece en otra acuarela del mismo verano desde una perspectiva diferente. En este caso, vemos el edificio desde su fachada lateral, en sombra, con un árbol a la izquierda y una amplia superficie arenosa en primer plano. El tratamiento formal de la tierra amarillenta y la geometría de la casa confieren a la escena una cierta derivación hacia la abstracción; unas “simplificaciones” que el propio artista menciona haberse atrevido a realizar en sus «Notas sobre pintura», al referirse a obras como esta.

Pero lo que distingue esta acuarela de otras de temática similar es, sin duda, la silueta del árbol. Recortado sobre el luminoso cielo, sus ramas oscuras y retorcidas se contraponen al mástil blanco y recto del centro de la composición. Su imagen, tan poco apropiada para la época del año, da al ambiente un aire de desolación y muestra la habilidad de Hopper para introducir un contenido extraño en un tema aparentemente tan sencillo y cotidiano, añadiendo una nota de melancolía a la solitaria casa y al silencio del lugar.

#ArquitecturasPintadas#ThyssenParaTi

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Espera… solo un rato

Supertramp – The Logical Song 

Deja ir a la gente que no está lista para amarte….” Esto es lo más difícil que tendrás que hacer en tu vida, y también será lo más importante:

Deja de dar tu amor a los que no están dispuestos a amarte.

Deja de tener conversaciones difíciles con personas que no quieren cambiar.

Deja de aparecer para las personas que no tienen interés en tu presencia.

Deja de amar a las personas que no están listas para amarte. Cuanto más tiempo pasas tratando de hacerte amar de alguien que no es capaz , más tiempo pierdes privándote de la misma conexión…Cuanto sigues involucrado con personas que te utilizan como cojín, una opción de segundo plano, un terapeuta y un estratega a su sanación emocional…Más tiempo te alejas de la comunidad que deseas.

Si dejas de aparecer, te buscan menos

Si dejas de enviar mensajes, tu teléfono permanecerá oscuro durante días y semanas…

¿Eso no significa que arruinaste una relación? Significa que lo único que sostenía esta relación era la energía que solo tú y tú ponías para mantenerla No es amor. Esto es un apego. Lo más valioso e importante que tienes en tu vida es tu energía. Lo que das cada día es lo que se creará cada vez más en tu vida. A los que le darás tu tiempo y energía, definirán tu existencia. Haz de tu vida un refugio seguro, en el que solo se permiten personas ′′ compatibles ′′ contigo. No eres responsable de salvar a la gente. No eres responsable de convencerles de que deben ser rescatados. No es tu trabajo existir para la gente y darles tu vida, poco a poco, momento después del momento Decide que te mereces una amistad real, un compromiso verdadero y un amor completo con las personas saludables y prósperas. Luego espera… solo por un rato…Y mira lo mucho que empieza a cambiar todo…Sir Anthony Hopkins.

Eric Zener es un pintor fotorrealista autodidacta, que nació en Astoria (Oregón) en 1966. Sus pinturas más características se desarrollan en ambientes acuáticos, con personajes solitarios o en parejas, muchas veces semi-sumergidos o en trampolines. Paisajes de playa y piscina pintados al óleo tomando como base sus propias fotografías.

“Cómo desaparecer completamente / How To Disappear Completely“Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38″ x 48″, 2006 


“Mi trabajo refleja nuestro deseo colectivo de transformación en algo ideal. En mi exploración busco crear un sentido de santuario, a menudo utilizando figuras en el agua, durmiendo, viajes y naturaleza como metáfora de renovación y retorno. Creo que incluso en este estado efímero, estos lugares nos elevan liberándonos del peso de nuestro mundo. “Abundante muestra de su trabajo en su sitio web, y en su facebook.

“Renunciando / Relinquishing“, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48″ x 38″, 2006


¿Puedes hablarnos un poquito sobre tu técnica de pintura y método? ¿Cómo se concretan esos grandes trabajos?Tomo fotos de modelos en el agua y las uso como referencia para mi dibujo. Normalmente hay muchos cambios luego, pero me dan un buen punto de partida. Entonces hago una pintura de base en escala de grises. Después comienzo a pintar desde los puntos más lejanos hasta el primer plano.


¿Por qué creas arte? ¿Es algo que siempre has querido hacer o sucedió accidentalmente? Supongo que un poco de ambas cosas. Siempre quise encontrar mi propia vía de escape en el arte, como espectador o como hacedor. Realmente me introduje en la pintura tras asistir a la universidad, mientras estaba buscando un camino en la vida. Tuve suerte pronto con esa validación que necesita un jóven artista para seguir adelante. Preguntas y respuestas parte de una entrevista realizada a Eric que traduzco libremente y se puede leer completa en inglés aquí.

“Capullo / Cocoon“, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66″ x 54″, 2011

.”Eric nació en Astoria, Oregon, en 1966. Al mirar a través de las pinturas submarinas del artista Eric Zener, empiezas a recordar de inmediato lo que se siente al estar sumergido en agua fresca y clara. Ese momento en el que las preocupaciones del mundo desaparecen y una sensación de calma se apodera de tu cuerpo. Zener llama a ese sentimiento compartido nuestra “búsqueda de refugio y paz bajo el caos de la vida”.

“Paisaje matinal / Morning Lanscape“, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16″ x 24″, 2009


“Mi trabajo refleja nuestro deseo colectivo de transformarnos en algo ideal. En mi exploración busco crear una sensación de santuario, a menudo usando la figura en el agua, los sueños, los viajes y la naturaleza como metáfora de renovación y repetición. Creo que incluso en este estado efímero, los lugares nos levanta, liberándonos del peso de nuestro mundo “

“Mujer cayendo dentro de un sueño / Woman Falling Into a Dream
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48” x 60”

“Reflejos / Reflections“, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54″ x 66″, 2011


¿Puedes hablar un poco sobre tu técnica y método de pintura? ¿Cómo surgen estos grandes trabajos? Tomo fotos de modelos en el agua y luego las uso como referencia para hacer mi dibujo. Por lo general, hay muchos cambios, pero me da un buen punto de partida. Luego pinto una pintura base en escala de gris / azul. Después de eso pinto desde el punto más lejano hasta el primer plano.


¿Por qué creas arte? ¿Es esto algo que siempre has querido hacer? ¿O sucedió accidentalmente? Supongo que un poco de ambos. Siempre he encontrado mi propio escape en el arte, tanto como espectador como como creador. Realmente me metí en la pintura después de asistir a la universidad mientras buscaba mi camino en la vida, supongo. Tuve suerte desde el principio con la validación que los artistas jóvenes necesitan para seguir adelante. Texto de aquí y un par de preguntas de una entrevista que puedes leer aquí. Puedes disfrutar del trabajo de Eric en su sitio web y en su Facebook.


Eric Zener en “El Hurgador” [Manos a la obra (XVI)], [Eric Zener (II, Pintura)]

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La Belleza en lo cotidiano

Un par de zapatos Paul Wright. Encontrar la belleza en lo cotidiano

Parece ser que todo sufrimiento tiene un límite. A partir del límite, o desaparece o se transforma, asume el color de la vida; acaso aún duele, pero ya el dolor es esperanza y vida. Así me ocurrió a mí con la soledad. Ahora no estoy menos solo que en mi peor época. Pero la soledad es un brebaje que ni me ha narcotizado ni puede ya dolerme; he bebido de esta copa lo bastante para haberme inmunizado contra su veneno. Pero en realidad no es veneno… lo fue, pero se ha transmutado. Veneno es todo aquello que no aceptamos, no amamos, no somos capaces de saborear con gratitud. Y todo lo que amamos, todo lo que nos sirve para extraer y sorber vida, es vida y es valor (1918-1919)Hermann Hesse.

La belleza de la sencillez en los actos cotidianos

A menudo, suele decirse que la vida es como una telaraña. Nuestras lineas se entremezclan en ángulos raros, tomamos caminos erróneos, nuestros esfuerzos no se corresponden con lo logrado y, al final, quedamos adheridos a estas realidades temiblemente complejas y desalentadoras.

¿Por qué nos cuesta tanto entonces deleitarnos con la sencillez de los actos cotidianos? ¿Por qué se nos complica tanto la vida? En cierto modo, tiene mucho que ver con lo que indicábamos hace un momento. El alma simple y la mirada humilde son dimensiones que no encajan demasiado bien en una sociedad que asocia lo complejo a lo eficaz, y en consecuencia, a la felicidad.

Nos venden ordenadores con muchos programas, móviles con infinitas aplicaciones, las tiendas nos ofrecen infinitos tipos de tratamiento para el cabello, y cada día nos recuerdan aquello de que es bueno tener muchos estudios, muchos títulos, muchos amigos… La complejidad se asocia a esa idea de dorada felicidad que en realidad, no siempre se cumple.

Algo que deberíamos tener muy en cuenta es que las cosas grandes ocurren cuando se hacen bien las pequeñas, y para ello, nada mejor que practicar el arte de la sencillez en nuestros actos cotidianos.

Avanzar en calma, siendo conscientes de lo que nos envuelve y haciendo uso del sentido común y la intuición son sin duda las mejores estrategias para deshacer cada nudo de nuestras complejidades vitales. Debemos confiar un poco más en nuestro instinto y ser receptivos a la voz del corazón. 

En ocasiones, dejamos ir gran parte de nuestra “cuota de vida” inmersos en esfuerzos infructuosos que nos separan por completo de aquello que de verdad deseamos. Así pues, recuerda que la complejidad no debe admirarse, debe evitarse, porque el arte de saber qué cosas debemos pasar por alto será el único camino que nos permitirá hallar aquello que de verdad merecemos.

A saber: el amor, la libertad, la integridad y la realización personal.

Parte de un artículo de Valeria Sabater

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Palabras

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Eric Zener “Como ser feliz” 2014

No te enamores de una mujer que lee, de una mujer que siente demasiado, de una mujer que escribe… No te enamores de una mujer culta, maga, delirante, loca. No te enamores de una mujer que piensa, que sabe lo que sabe y además sabe volar; una mujer segura de sí misma. No te enamores de una mujer que se ríe o llora haciendo el amor, que sabe convertir en espíritu su carne; y mucho menos de una que ame la poesía (esas son las más peligrosas), o que se quede media hora contemplando una pintura y no sepa vivir sin la música. No te enamores de una mujer a la que le interese la política y que sea rebelde y sienta un inmenso horror por las injusticias. Una que no le guste para nada ver televisión. Ni de una mujer que es bella sin importar las características de su cara y de su cuerpo. No te enamores de una mujer intensa, lúdica, lúcida e irreverente. No quieras enamorarte de una mujer así. Porque cuando te enamoras de una mujer como esa, se quede ella contigo o no, te ame ella o no, de ella, de una mujer así, JAMAS se regresa…””Martha Rivera Garrido , poeta Dominicana.

Só um beijo por Luísa Sobral e Salvador Sobral 

Hay un tipo de palabras que difícilmente se lleva el viento de nuestra memoria, aquellas que nos han dicho personas que apreciamos y que nos hicieron daño. Puede que entendamos que las dijeron en un momento de frustración y que después hayamos comprendido que no las sentían, pero no es tan fácil borrarlas de la memoria, no se las lleva el viento como puede llevarse la hoja que cae lentamente del árbol.

Estas palabras quedaron registradas dejando una profunda huella emocional y nuestra memoria no suele olvidar lo que provoca huellas profundas. Hay una excepción: que el hecho sobrepase nuestra capacidad de asimilación emocional y tape el recuerdo con una amnesia disociativa.

Sin embargo, incluso con este tipo de amnesia, la persona podría tener sentimientos de rechazo hacia la persona que la hirió, aunque no sepa explicar por qué. Muchas teorías afirman que el mejor aprendizaje es aquel en el que entran en juego las emociones. Hay palabras que suscitan una profunda emoción de tristeza o dolor

Las palabras que pronunciamos no son elementos inocuos lanzados al aire escritas con lápices de borrado fácil. Al contrario, son elementos que pueden no borrarse nunca.

Si supiéramos el valor real que posee cada palabra que pronunciamos, las mediríamos una a una. Como afirman algunos grandes sabios: “las palabras tienen más poder que las espadas”. Una espada puede cortar, pero una palabra puede romper un corazón.

Sergio De Dios González

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Navegando Sola

Te presento a la persona más insegura. … y el corazón más roto. A la que ama con locura. Y a veces, se esconde tras una armadura. Te presento a la persona que ríe a carcajadas y llora por horas. Que extraña estar con alguien, pero está bien a solas. Te presento a la persona que más siente. Esa que no encaja entre la gente por ser tan diferente. Que dice las cosas en la cara, pero a veces, se miente. Esa que vuela cayendo y gana perdiendo. Te la presento

Nicolas andreoli

Navega Sola Maite Martin

Tejiendo vidas contando cuadros

ConectaThyssen, Publicaciones Digitales Thyssen

La novela gráfica Tejiendo vidas contando cuadros, creada por el artista Aitor Saraiba, propone un recorrido muy especial por las colecciones del museo a partir de las biografías de diferentes personas.

La finalidad de esta publicación es la creación de un nuevo material de mediación en lectura fácil sobre el museo. Una novela atractiva para todos los públicos que deseamos genere una realidad, no ya de accesibilidad cognitiva, sino de inclusión.

“… La chica del cuadro le trajo una sensación de nostalgia y soledad. Pero de una soledad buscada y necesaria…·

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©VEGAP, Madrid

Desde su más temprana juventud el pintor Mijaíl Lariónov formó pareja artística con su mujer Natalia Goncharova, con quien mantendría una enriquecedora relación de inspiración mutua. Ambos supieron combinar las influencias internacionales con sus propias teorías artísticas. En los primeros años del siglo XX, Lariónov estudió en Moscú con el pintor Konstantín Korovin, cuya pintura se había impregnado de la estética impresionista, tan del gusto de la burguesía moscovita francófona. El propio Lariónov viajó a París en 1906, para ayudar a Diághilev en la representación rusa en el Salon d’Automne, y se convirtió en un entusiasta seguidor del postimpresionismo, a lo que se añadirá poco después la influencia del simbolismo y del primitivismo. Además, durante esos años Lariónov visitaba con frecuencia la residencia de Serguéi Shchukin, donde las obras maestras de Gauguin, Picasso y Matisse de su colección también le enseñarían nuevos caminos para su arte. Este Desnudo azul fue la respuesta de Lariónov a las pinturas polinesias de Gauguin de la colección Shchukin.

A pesar de estas influencias foráneas, el artista no perdería de vista las tradiciones culturales rusas. Comenzó a coleccionar, junto a Goncharova, iconos, esculturas en piedra, o lubok (grabados populares pintados a mano toscos y de bajo coste), que se convertirían en referentes básicos de su lenguaje pictórico. Hacia 1908, año en que teóricamente fue realizado este Desnudo azul, el primitivismo ya era un hecho en la pintura de Lariónov. Por otra parte, la especial luminosidad de esta pintura puede tener que ver, como ha planteado Jean-Claude Marcadé en un artículo sobre Lariónov, con la influencia de la luz meridional de Ucrania.

Paloma Alarcó

“Dara es una chica a la que le gusta escuchar el silencio. El silencio de una noche de verano. El silencio de la tranquilidad de un paseo bajo la luz de las estrellas. Las noches a veces son frías y eso a ella le gusta. Ella sola. tranquila. El silencio. su cuadro favorito “Fabrica a la luz de la luna” de Maximilien Luce”

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Maximilien Luce

En 1887 Pissarro puso en contacto a Luce con los neoimpresionistas Seurat, Signac y Cross. Luce no tardó en convertirse en acérrimo defensor del «nuevo» estilo que pretendía aplicar a la pintura los principios científicos del color y de la luz. Desde el primer momento, prácticamente todos los miembros del grupo tenían profundas convicciones políticas; el propio Luce era desde luego un ferviente anarquista al tiempo que un puntillista comprometido. Incluso tras la prematura muerte de Seurat, acaecida en 1891, cuando éste contaba treinta y un años de edad, Luce siguió practicando una adaptación del Puntillismo que Pissarro ya había desechado en 1889.

De todos los neoimpresionistas, Luce fue el que tuvo una relación más directa con el grupo belga de Les XX. Además de exponer con ellos en Bruselas, trabó profunda amistad con el poeta Émile Verhaeren y con el artista Theo van Rysselberghe. Fue en gran parte a instancias de éstos por lo que en 1895 -y de nuevo en 1897 y en 1898- Luce decidió visitar la zona de Charleroi, densamente industrializada. Existe un gran número de obras en las que el artista ha representado fundiciones, acerías, altos hornos y chimeneas de Charleroi y sus alrededores. Luce, anarquista activo y comprometido, sentía gran simpatía por los trabajadores belgas. En varios cuadros los representa trabajando en unas condiciones que parecerían las del purgatorio. Por el contrario, otras obras son casi presentaciones tipo «naturaleza muerta» de aquel paisaje industrializado, sin figuras. Y evidentemente, las escenas nocturnas -o a la luz de la luna- le permitían a Luce componer una sublimación dramática de aquellos edificios «abodegonados», explotando los descubrimientos neoimpresionistas de la luz y el color.

Por ello, el cuadro que aquí comentamos, fechado en 1898, articula estos dos aspectos: por una parte el paisaje fabril sin personajes y por otra la exploración de la pincelada neoimpresionista que recoge los efectos del resplandor de la luna y el color.

Luce, que entre 1895 y 1898 produjo una numerosa serie de obras sobre temas de la industria en la zona de Charleroi, apenas volvió a tratarlos a partir de 1900.

Ronald Pickvance

“Ramona me contó que ella es una chica de mil colores. A veces es amarillo. otras es rojo y otras verde. Con unas personas es un color, con otras es otro. Dice que al cielo le sucede igual, que cuando pasan cosas buenas, el cielo es azul. Otras veces el cielo es gris. En ocasiones rosa. Hoy ella se siente azul. Pero no como el del cielo. Sino como el azul del cuadro”Expansión de la luz· de Gino Severini”

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©VEGAP, Madrid

La descomposición de las formas que introdujo el cubismo influyó tanto en el nuevo lenguaje abstracto de Robert Delaunay, basado en la luz y el color, como en la doctrina artística de exaltación de la velocidad del mundo moderno de los futuristas italianos. Severini, que llegó a la capital francesa en 1906, siguiendo los pasos de Boccioni, logró combinar las preocupaciones estéticas del orfismo y del futurismo y se convirtió en enlace esencial entre los artistas franceses e italianos. En su autobiografía, publicada en 1946, escribía: «Las ciudades hacia las que siento un cariño más profundo son Cortona y París: en la primera fue donde nací físicamente, en la segunda donde nací intelectual y espiritualmente». A pesar de que se consideraba miembro de los futuristas —firmó todos los sucesivos manifiestos y participó en todas las exposiciones del grupo—, en su obra se percibe una clara influencia del arte de los franceses Delaunay y Léger.

Expansión de la luz (Centrífuga y centrípeta) del Museo Thyssen-Bornemisza es además un buen ejemplo del divisionismo abstracto de Severini, que explota los efectos de la vibración luminosa de color. Daniela Fonti hace referencia a una carta escrita por Severini a Giuseppe Sprovieri desde Anzio, el 6 de febrero de 1914, donde menciona dos obras en las que compone las formas a través de la inmaterialidad de la luz — Espansione sferica della luce, centrípeta y Espansione sferica della luce, centrifuga—, enviadas a la Galleria Futurista para la exposición que iba a tener lugar ese mes. Fonti considera que alguna de ellas podría tratarse de la pintura del Museo Thyssen-Bornemisza, tanto por su estilo como por su formato. Ahora bien, el título original de la obra de la Colección, Expansion de la lumière (Centrifuge et centripède), inscrito por el propio artista en el reverso del lienzo, lleva a pensar a Christopher Green que más bien se trata de una síntesis posterior a la serie de pinturas tituladas Expansión esférica.

Construido exclusivamente con los tres colores primarios y sus complementarios, a través de una técnica divisionista derivada del neoimpresionismo de Seurat, que otorga una mayor luminosidad a la composición, este cuadro opone las diferentes velocidades de vibración en función a su lugar en el círculo cromático. Como manifiesta Nicole Tamburini, Severini hace uso de las teorías del color, de modo que «los colores próximos (amarillo y naranja) vibran rápidamente cuando se yuxtaponen y forman disonancia, mientras que los colores complementarios (amarillo y violeta) cuando se colocan juntos vibran lentamente y establecen consonancias». Por otra parte, la inclinación de Severini hacia el divisionismo está relacionada sin duda con la reedición en 1911 del tratado de Paul Signac D’Eugène Delacroix au Néo-impressionnisme (1899), que le permitió un conocimiento profundo de las teorías del color. Maurice Tuchman, por su parte, alude a la importancia del influjo del simbolismo y del espiritualismo en la estética futurista y considera que Severini «sin la influencia del espiritualismo nunca hubiera llegado [en Expansión de la luz] a la disolución de la materialidad». Asimismo, añade que la transparencia de los cuerpos, esencial en el futurismo, deriva de la influencia de la fotografía, pero también de las ideas del ocultismo sobre seres invisibles.

“Emilio lleva toda la vida buscando la perfección. El camino para llegar a conseguirla no es fácil. Piazza Navona, Roma de Gaspar Van Wittel,es el cuadro que le viene a la mente cuando piensa en la perfección”

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©Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Vanvitelli forma parte del grupo de pintores procedentes del norte de Europa que trabajaron en Roma a finales del siglo XVII y principios del XVIII. En esta vista de la Piazza Navona describe algunos de los proyectos arquitectónicos más destacados de la remodelación llevada a cabo por el papa Inocencio X. A la izquierda, las reconstrucciones del palacio de la familia Pamphili y de la iglesia de Sant’Agnese in Agone de Borromini, frente a la cual, y en el centro de la composición, se halla la fuente de Los cuatro ríos de Bernini. Vanvitelli con su pintura hizo una descripción de la ciudad moderna. Sus paisajes urbanos son fruto de parámetros racionales de la visión y de la construcción regular de la perspectiva, tal y como se aprecia en los numerosos dibujos preparatorios que se conservan.

EA

De los paisajistas holandeses y flamencos que trabajaron en Roma en distintas épocas de finales del siglo XVII y principios del XVIII, el más destacado es Caspar van Wittel. Su peculiar innovación consistió en consolidar la atención a la ciudad moderna en un tipo de paisaje que se conoce como veduta en lugar de centrarse, como habían hecho sus antecesores, en las ruinas de la Antigüedad clásica. El grabado ejerció un papel fundamental en esta evolución, en particular en lo que se refiere a la representación panorámica de los emplazamientos urbanos.

Tras recibir formación en el taller de Matthias Withoos en Amersfoort, Van Wittel fue a Roma; hay documentación de su estancia ya en 1675. Parece ser que sobre él influyó la obra del grabador flamenco Lievin Cruyl, que en 1667 publicó dos conjuntos de vistas romanas, que suponían un total de cincuenta planchas. Colaboró con el ingeniero hidráulico Cornelis Meyer, facilitando los modelos para tres grabados de plazas romanas que se incluyeron en una de las publicaciones de Meyer (1683 y 1685). Posteriormente, a partir de 1680, Van Wittel ejecutó varias vistas romanas al temple, en particular de plazas de la ciudad. Su primera obra conocida de la Piazza Navona es una témpera fechada en 1688 (colección de la familia Colonna, Roma). Además de centrarse en la ciudad moderna, Van Wittel representó sus vistas urbanas según los principios racionales de la visión y la construcción regular de la perspectiva. Podemos apreciar esto en varios dibujos preparatorios de grandes dimensiones que han llegado hasta nuestros días, que recalcan las ortogonales y un sistema reticular que garantiza la regularidad de la proporción y la recesión. Un dibujo preparatorio de este tipo de la Piazza Navona (pluma, tinta sepia y aguada gris), que incluye retícula y armazón de perspectiva, se conserva en la Biblioteca Nazionale de Roma. Desde luego Van Wittel no trabajaba de manera aislada. Un lienzo de Antoon Goubau, pintado en Amberes en 1680 (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Amberes) representa la Piazza Navona desde un punto de vista muy parecido al de la composición de Van Wittel. En un documento prácticamente contemporáneo, se menciona que al parecer Van Wittel había enviado dibujos de Roma al que había sido su maestro, Matthias Withoos, los cuales sin duda se habían divulgado ampliamente por los Países Bajos antes de que el propio artista los pasara a pinturas o grabados. Gommarus Wouters grabó la composición Piazza Navona de Van Wittel, que no se publicó en Roma hasta 1693.

El texto que acompaña el grabado de Wouters menciona la importancia para los especialistas en antigüedades de la plaza (que repite la forma del Circo Agonalis de Domiciano y se levanta en el emplazamiento que éste había ocupado) y de su remodelación por el papa Inocencio X Pamphili (m. 1655), que hizo de la plaza el centro de su mecenazgo artístico y, por lo tanto, la transformó. Al elegir este punto de vista, Van Wittel da especial importancia a los tres proyectos arquitectónicos más relevantes de Inocencio X: la reconstrucción del palacio de la familia Pamphilij realizada por Girolamo Rainaldi (el edificio de la izquierda), la reconstrucción de la iglesia de Sant’Agnese in Agone, que llevó a cabo Borromini (en el centro a la izquierda) y la fuente de Los cuatro ríos de Gianlorenzo Bernini que se ve en el centro, delante de la iglesia, coronada por un obelisco.

Es posible que el grabado de Wouters tuviera el efecto de dar publicidad al tema, fomentando el deseo de obtener versiones pintadas del mismo. El lienzo que aquí comentamos es, con mucho, el más conocido. Data de 1699, año en el que al parecer Van Wittel fue a Nápoles invitado por el virrey español, el duque de Medinaceli, y allí estuvo dos años. La inscripción «ROMA» delante de la fecha sugiere que lo pintó antes de su marcha. Posteriormente ejecutó dos versiones más pequeñas, fechadas una en 1715 (Colección Chinni, Roma) y otra en 1720 (colección particular, Milán).

Aunque la obra de los pintores holandeses y flamencos de vedute se fundamenta en su tradición paisajista y la de los artistas italianos contemporáneos y sus sucesores se basa profundamente en la práctica de los decorados teatrales, el hecho de que haya un lienzo de Canaletto que reproduce casi exactamente el grabado hecho por Wouters a partir de la composición de la Piazza Navona de Van Wittel (en la colección de Sir Arundell Neave, Bart., Wexford, Irlanda, la última vez que se supo de él) sugiere que el gran artista veneciano estudió y adaptó la obra de su antecesor holandés.

Ivan Gaskell

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Lugares Mágicos

A Kiss To Build a Dream On – Louis Armstrong 
El castillo de Matsumoto o castillo del cuervo negro. Prefectura Nagano. Octubre2019

Una llamada, una consulta en un hospital, una mirada, una carta certificada; ¡zas! la vida te vapulea en un segundo y te da un derechazo que te lleva directo y kO a una esquina del ring. 

Por Silvia García

Todo se para, pero bajo tus pies la tierra gira a una velocidad descontrolada, perdemos el equilibrio, dejamos de oir y nos instalamos en el dolor. En un dolor que no nos deja ver y que nos lleva de la mano a un agujero negro. Los agujeros negros son los restos fríos de antiguas estrellas, tan densas que ninguna partícula material, ni siquiera la luz, es capaz de escapar a su poderosa fuerza gravitatoria. Así es el dolor, implacable, un torrente emocional que se desborda como los ríos en época de lluvias. 

Pero la esfera azul no deja de girar, y el globo y sus habitantes tienen sus propios mecanismos de superviviencia. Los podemos llamar hogares, parches, placebos, bálsamos, curas. Escenas en las que caben rayos de sol, lugares mágicos en los que la vida, aunque sea por un eterno microsegundo, deja de doler.

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La música, los abrazos, el mar, la ducha, el sueño, los paseos, el cielo, las nubes, las puestas de sol, un viaje en tren, los libros, las canciones, ay, las canciones. Nos acurrucamos en nuestros otros, nos escondemos en las escenas viejas de películas en las que hemos soñado ser tantas veces, nos sumamos a una carcajada fuera de lugar, nos desintegramos en brazos que nos sostienen cuando estamos a punto de derrumbarnos, perseguimos atardeceres, dormimos para surcar otras realidades que nos duelan menos, lloramos bajo la ducha para vaciarnos, para disipar el miedo, para pegarle una patada en el culo al dolor. 

¡Hay tanta belleza incluso en la tristeza! Tenemos derecho a estar tristes, a asumir que el dolor también nos transforma, nos acerca a nuestra esencia, nos hace, incluso, perdonarnos a nosotros mismos. Aspiramos a vivir catarsis como nuevos puntos de partida. Pero también nos merecemos instalarnos en la esperanza y en la belleza que está ahí, en cada lágrima, en cada canción, en cada abrazo, en cada fotograma, en cada mirada y en cada puesta de sol.

–– Porque si decidiéramos irnos a algún lugar juntos me da miedo que un día, hoy no quizás, quizás, quizás mañana tampoco; pero un día de repente puede que empiece a llorar y llorar y llore tanto que nada ni nadie pueda pararme y que las lágrimas llenen la habitación y que me falte el aire y que te arrastre conmigo y que nos ahoguemos los dos.
–– Aprenderé a nadar Hannah.

La vida secreta de las palabras 

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“La Diferencia entre tu y yo”

Tiziano Ferro. La Differenza tra me e te

UNO SONRIE DE COMO ES, EL OTRO LLORA POR LO QUE NO ES

Pepe Vaquero Cano. Ilustrador

Hermann Hesse fue un escritor y pintor alemán, naturalizado suizo en mayo de 1924, muy prolífico y leído en todo el mundo. En los años setenta, cuando se cumplían cien años de su nacimiento, fue el europeo más leído en Estados Unidos y Japón y sus libros Se tradujeron a más de cuarenta idiomas. Con su obra El juego de los abalorios ganó el Premio Nobel de Literatura en 1946.

Las palabras de Hermann Hesse siempre significaron , una búsqueda incesante para llegar a ser uno mismo: “Quería tan solo intentar vivir aquello que tendía a brotar espontáneamente de mí, ¿por qué me iba a ser tan difícil?”.

La vida de cada hombre es un camino hacia sí mismo, el ensayo de un camino, el boceto de un sendero“.

Herman Hesse en “Demian” construye la vida emocional de un personaje y describe el camino hacia el descubrimiento de su verdadero ser. En la introducción al libro señala:

 “He sido un hombre que busca y lo soy aún, pero no busco ya en las estrellas ni en los libros: comienzo a escuchar las enseñanzas que mi sangre murmura en mí. Mi historia no es agradable, no es suave ni armoniosa como las historias inventadas; sabe a insensatez y a confusión, a locura y a sueño, como la vida de todos los hombres que no quieren mentirse más a sí mismos…

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Buscando El Camino De Los Sueños

Uno busca lleno de esperanzas el camino que los sueños prometieron a sus ansias.

Enrique Santos Discépolo

Uno busca lleno de esperanzas
el camino que los sueños
prometieron a sus ansias.


y en su afán de dar su amor,
sufre y se destroza hasta entender
que uno se ha quedao sin corazón…

Precio de castigo que uno entrega
por un beso que no llega
a un amor que lo engañó…
¡Vacío ya de amar y de llorar
tanta traición!

Si yo tuviera el corazón…
(El corazón que di…)

Si yo pudiera como ayer
querer sin presentir…

Si yo tuviera el corazón…
(El mismo que perdí…)


Nubes de verano. Emil (Emil Hansen)  Nolde
Emil (Emil Hansen) Nolde Nubes de verano, 1913

Expresionismo alemán

en la colección del barón Thyssen-Bornemisza

Exposición temporal. Del 27 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Esta exposición dedicada al Expresionismo alemán es la apertura de la celebración del centenario del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002), uno de los más acreditados coleccionistas del siglo XX. Cuando en mayo de 1961 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza adquirió una acuarela de Emil Nolde iniciaba un cambio de rumbo en el coleccionismo de la saga Thyssen. Si durante el periodo de entreguerras su padre, Heinrich Thyssen, había reunido una extraordinaria colección de maestros antiguos, entre los años setenta y noventa del pasado siglo él desarrolló una intensa actividad coleccionista de los principales movimientos artísticos del siglo XX, entre los que el expresionismo ocuparía un lugar primordial.

En 1993, el Estado español adquirió la mayor parte de la colección Thyssen y una significativa selección de obras del expresionismo alemán pasó a pertenecer al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, un arte hasta entonces inexistente en las colecciones españolas.  La exposición reúne por primera vez las obras de la colección permanente del museo con el conjunto de pinturas expresionistas que quedó en manos de su mujer, Carmen Thyssen-Bornemisza, y sus hijos.

Comisariada por Paloma Alarcó, la muestra cambia la habitual distribución cronológica del expresionismo en nuestras salas para ofrecer una visión renovada que se articula alrededor de tres conceptos: el proceso de creación de las pinturas, su éxito de público y crítica y, por último, la relación del barón con sus marchantes y los proyectos expositivos que organizó para difundir su colección en el contexto internacional.

Desde el nacimiento del grupo Die Brücke (El Puente) en 1905, las pinceladas expresivas y los colores antinaturales de pintores expresionistas como Ernst Ludwig KirchnerErich HeckelKarl Schmidt-RottluffEmil NoldeMax Pechstein u Otto Müller se convirtieron rápidamente en foco de interés del mundo del arte. ¿Motivo? Todos ellos compartían una misma forma de entender el arte que partía de la visión interior del artista y con la que buscaban un lenguaje pictórico que rompiera con el pasado. 

Así, a partir de las ideas de este movimiento pictórico recorremos los tres conceptos en los que se articula la muestra Expresionismo alemán; desde el proceso de creación de las pinturas, pasando por su éxito de público y crítica, hasta abordar, por último, la relación del barón Thyssen con sus marchantes y los proyectos expositivos que organizó para difundir su colección de pintura expresionista en el contexto internacional. 

Doris con cuello alto. Ernst Ludwig Kirchner

IMAGENErnst Ludwig KirchnerDoris con cuello alto, c. 1906Ver más

Paisaje de otoño en Oldenburg. Karl (Karl Schmidt) Schmidt-rottluff

IMAGENKarl (Karl Schmidt) Schmidt-rottluffPaisaje de otoño en Oldenburg, 1907Ver más

Casa en Dangast (La casa blanca). Erich Heckel

IMAGENErich HeckelCasa en Dangast (La casa blanca), 1908Ver más

Desnudo de rodillas ante un biombo rojo (reverso: Desnudo sentado con pierna doblada). Ernst Ludwig Kirchner

IMAGENErnst Ludwig KirchnerDesnudo de rodillas ante un biombo rojo (reverso: Desnudo sentado con pierna doblada), c. 1911-1912Ver más

Ante la cortina roja. Erich Heckel

IMAGENErich HeckelAnte la cortina roja, 1912Ver más

Las bañistas. Max Pechstein

IMAGENMax PechsteinLas bañistas, 1912Ver más

Nubes de verano. Emil (Emil Hansen)  Nolde

IMAGENEmil (Emil Hansen) Nolde Nubes de verano, 1913Ver más

Dos desnudos femeninos en un paisaje. Otto Müller

IMAGENOtto MüllerDos desnudos femeninos en un paisaje, c. 1922


DESCUBRE LA HISTORIA
DE UN ACTO DE REBELDÍA

Del 27 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Seducido por el espíritu de libertad y la ruptura con la tradición académica, Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza comienza la rebelión contra su padre y la reinvención de sí mismo, convirtiéndose en coleccionista de arte moderno con el expresionismo alemán como principal protagonista.

Nubes de verano - Nolde, Emil. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Emil Nolde pintó Nubes de verano en 1913, el mismo año en que partió hacia las lejanas islas del Pacífico Sur acompañando a la expedición antropológica de Kutz-Leber, que tenía como misión estudiar las gentes de Nueva Guinea. Durante el trayecto a través de Rusia, Siberia y Manchuria realizó numerosos apuntes y algunas pinturas.

Para Nolde, un artista que siempre vivió a orillas o cerca del Báltico, el mar fue siempre un sugerente motivo de inspiración. Su estado cambiante tenía para él un fuerte contenido simbólico y pintó el mar en múltiples ocasiones a lo largo de su carrera. Este paisaje marino, pintado con un grueso empaste de pinceladas vigorosas y un potente colorido, está protagonizado por unas amenazadoras nubes cuyo progresivo ennegrecimiento, que anuncia una intensa tormenta sobre un mar agitado, acrecienta la tensión de la obra. En un artículo publicado en 1922, el profesor Alfred Heuer escribía: «Hacia el borde superior de la pintura, que deviene más y más azul, empujando en todas direcciones, sin control hacia el infinito, abrazando todo el universo, produce un efecto que excede de lejos los límites del cuadro: sólo el mar, las nubes y el cielo; la inmensa soledad de los mares del norte… En comparación, qué prosaico parece Lieberman con sus paisajes marinos impresionistas. De qué forma tan diferente Böcklin trata de vivificar su mar por medio de criaturas legendarias, de las que Nolde no tiene necesidad. Sólo Doler, evocando con una mano divina las cimas montañosas de su Suiza nativa, participa del mismo espíritu de Nolde».

Nubes de verano pasó a las colecciones de la Kunsthalle de Kiel en 1921, hasta que fue confiscada por las autoridades nazis en 1937 y quedó en los almacenes del Schloss Niederschönhausen, junto a un numeroso grupo de obras tildadas de «degeneradas» hasta su venta por el Gobierno alemán. Entró en la colección Thyssen-Bornemisza en 1972.

A pesar de que la composición de Nubes rojas de Emil Nolde es muy similar a la de la mayoría de sus paisajes, en esta ocasión adquiere unas connotaciones simbólicas y nos permite verificar la maestría del artista para plasmar su estado de ánimo a través de la pintura. Por otra parte, la calidad de matices que logra Nolde aquí con la técnica de acuarela se ha puesto en ocasiones en relación con las aguadas del Lejano Oriente.

Como muchas de sus obras finales, esta acuarela de Nolde no está documentada y aunque no existen dudas sobre su autoría, no hay datos suficientes para poderla fechar. Peter Vergo afirma que se trata de un paisaje de Seebüll, en la Frisia del norte, el último lugar de residencia del pintor desde que había abandonado Utenwarf en 1927 y donde hoy se ubica la sede de la Stiftung Ada und Emil Nolde.

Esta obra fue comprada a la Sucesión del artista por el Dr. Max M. Stern, un afamado psiquiatra alemán emigrado a los Estados Unidos tras el advenimiento del régimen nazi, que a partir de los años cincuenta comenzó a coleccionar arte de todas las épocas, pero en especial del expresionismo alemán. En 1983 fue adquirida por el barón Thyssen a su viuda Liselotte Bendix Stern.

EL COLOR TRANSMITE EMOCIÓN
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“De aquellos tiempos lo único que conservo es mi nombre”.

Ni la misma casa, ni la misma ciudad, ni los mismos amores, ni las mismas costumbres, ni los mismos libros, ni los mismos amigos. De aquellos tiempos lo único que conservo es mi nombre”. “Ayer y hoy”, José Emilio Pacheco

Art Infinitus on Instagram: “Gabriele Münter - Flowers on a Blue-Black Background, c.1935-40 Gabriele Münter (Berlin, 19 February 1877 – 19 May 1962) was a German…”
Gabriele Münter – Flowers on a Blue-Black Background, c.1935-40

Gabrielle Münter (1877-1962) es una de las grandes pintoras del expresionismo. Y cuando pinta sus flores, podemos observar que su pincelada gruesa, casi rústica, de colores vibrantes, cargada de intensidad y que no se detiene en el detalle, no reproduce a la flor con su aspecto “real” sino de acuerdo a las sensaciones que le provoca, a su propia manera de “percibirla” . En la pintura expresionista, el artista deforma la realidad en función de expresar lo que siente. Por eso, las flores de Gabrielle Münter no son pétalos y colores, sino que son pétalos, colores y las emociones de la artista.

Desayuno de los pájaros (1934).

Gabrielle es conocida por participar en el grupo expresionista El jinete azul.

Su estilo tiende a la abstracción, a la simplificación, con colores fuertes, puros, en zonas bien demarcadas por un grueso contorno, herencia del cloisonismo postimpresionista (la técnica de “compartimentar” los colores inspirada en los vitrales medievales, que desarrollan Anquetin y Bernard, e imponen Gauguin y Van Gogh).

También es conocida por su vida sentimental, ya que durante unos años es la pareja de Kandinsky.

Pero por sobre todas las cosas, la historia del arte está en deuda con ella por salvar un importantísimo legado de “arte degenerado” (como nombran los nazis a todo lo que no entienden y, por supuesto, destruyen).

En 1937, los nazis clausuran una muestra donde Münter expone sus obras. Se inicia la persecución a los artistas de vanguardia. Lo que resulta curioso es que el ultranacionalismo nazi no sospecha que aquello que considera contrario al espíritu alemán (específicamente el Expresionismo), termina siendo hoy el reflejo del verdadero espíritu alemán, tan cargado de sentimiento.

Münter llega a poseer unos 80 cuadros y 300 dibujos del grupo El jinete azul (fundamentalmente de Kandinsky). Los esconde en el sótano de su casa, cuya entrada oculta, y la oculta tan bien que quienes van a confiscar las obras de arte no logran encontrar nada no sólo en una, sino en tres ocasiones.

Pero esa imagen de heroína de la historia del arte se agranda más aún cuando entendemos que, a pesar de sus dificultades económicas (debido a no poder trabajar por estar proscripta) y la terrible crisis general durante la guerra y la posguerra, Gabrielle no se deshace de ninguna de las obras que atesora en secreto, que ya en ese momento son valiosas. Y así resiste años, para terminar regalándole a la ciudad de Múnich y a la humanidad una de las mejores colecciones de arte expresionista de todo el mundo.

3 minutos de arte
Everyboy’s talking – Harry Nilsson 

Todo el mundo me habla,
yo no oigo una sola palabra de lo que dicen,
solo los ecos de mis pensamientos

La gente se para y mira,
yo no puedo ver sus caras,
solo las sombras de sus ojos.

Me voy a donde el sol sigue brillando,
cruzando la lluvia torrencial.
Me voy al lugar en el que mi ropa encaja con el tiempo.

Chocando con los vientos del noreste,
surcando las aguas sobre una brisa de verano,
y dando saltos sobre el océano como una piedra
.

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