La Flâneuse

Quizá sea momento de cambiar, de soltar, de mandar todo a la mierda y volver a empezar. Quizá sea el momento de sacarle un sol a esta tormenta, de reírse sin parar, de volar sin tropezar. Quizá sea el momento de encontrarnos, abrirnos los ojos y largarnos a soñar”. Eduardo Galeano

La fenêtre en face et d’visiter ton paradis
Foto tomada desde la Cité de l’architecture et du patrimoine
Léa Paci – Le coup de soleil

El término flâneur  procede del frances y significa ‘paseante’​ o ‘callejero’.​ La palabra flânerie (‘callejeo’, ‘vagabundeo’)​ se refiere a la actividad propia del flâneur: vagar por las calles, callejear sin rumbo, sin objetivo, abierto a todas las vicisitudes y las impresiones que le salen al paso.

Baudelaire caracterizó al flâneur como un «caballero que pasea por las calles de la ciudad»; no obstante, supo ver la importancia de éste a la hora de comprender, construir e interpretar la ciudad. El flâneur desempeñaba así un doble papel en la vida ciudadana, por un lado mezclándose con el gentío de la calle, y por otro manteniendo su condición de observador atento y cabal. Esta postura, de ser al mismo tiempo “parte de” algo y estar “aparte de” ese algo, entraña cuestiones sociológicas, antropológicas, literarias e históricas que tienen que ver con la relación entre el individuo y la población a la que pertenece.

La vocación del flâneur es la observación objetiva pero estéticamente armoniosa, lo que ha favorecido su adopción en el campo de la fotografía, especialmente en la fotografia callejera El fotógrafo de la calle aparece así como una extensión moderna del observador urbano descrito por Fournel a finales del XIX, antes de la llegada de la cámara portátil:

(Ce qu’on voit dans les rues de Paris, “Lo que uno ve en las calles de París”)

La aplicación más notable del flâneur a la fotografía urbana probablemente tenga su origen en el ensayo Sobre la fotografía (1977) de Susan Sontag. En él se explica que, gracias al desarrollo de las cámaras compactas en el siglo XX, la cámara fotográfica se ha convertido en la herramienta por excelencia del flâneur:

El fotógrafo representa una versión armada del paseante solitario que explora, que acecha, que cruza el infierno urbano, el caminante voyeurista que descubre la ciudad como un paisaje de extremos voluptuosos. Maestro en el gozo de observar, avezado en la empatía, el flâneur encuentra el mundo “pintoresco”

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El Retorno

Paris. Foto tomada en Septiembre2021
 Que Siempre sea Verano Israel Fernández y Pablo Alboran 

El eterno retorno: Coda

Coda (Canadá, 2019), sorprendente opera prima del antes sólo conocido como guionista quebequés  Claude Lalonde. Una película aguda e inteligente, narra el sinuoso retorno a los escenarios del maduro pianista inglés Henry Cole (el gran actor inglés shakespereano Patrick Stewart, en un papel inédito en su carrera cinematográfica), quien padece el alucinante pánico escénico que a tantos otros prestigiados artistas les ha provocado tener que enfrentarse al escrutinio público. Imposible dejar de pensar en la premiada cinta Claroscuro, de Scott Hicks, de 1996, en derredor del ––éste sí real–– australiano David Helfgott (revelación definitiva de Geoffrey Rush), niño prodigio cuya crisis emocional adulta se detonaría tras la presencia de un padre autoritario y de frente a las exigencias del Concierto para piano No. 3 de Rachmaninov.

Estructurado en flashbacks y contada por la musa salvadora (la bella y aquí profunda actriz norteamericana Katie Holmes), la famosa frase inicial de Nietzsche (“La vida sin música sería un error”, rescatándonos del mundanal ruido, parafraseando al inteligente musicólogo Alex Ross) contextualiza bien el sentido que Lalonde le quiere dar a este hermoso poema visual y sonoro donde el pianista Henry Cole en crisis y su liberadora musa Herren Morrison comparten con particular convicción ––y pasión, por supuesto­­–– la obra paradigmática de compositores del periodo romántico como Schubert, Schumann, Chopin y Liszt, claro, con el previo parteaguas beethoveniano en la cima. Por otra parte, Coda resulta ser uno de esos escasos largometrajes de ficción donde la música deja de ser mero pretexto para convertirse en personaje protagónico, en un constante agudo reflexionar sobre el hecho artístico, sobre las múltiples e inagotables funciones ––mejor sería hablar de su sentido intrínseco–– del arte y de la propia creación musical.

Entre otros méritos de este inusitado largometraje de Lalonde se resuelve conforme ahonda en las fuentes de una escuela que tuvo sus simientes en el propio sturm und drang alemán y sus epígonos filosóficos con Schopenhauer y el citado Nietzsche que supieron reinterpretar con agudo olfato moderno el mito clásico del “eterno retorno” (el ser humano se transforma en el “Übermensch” hasta cuando logra vivir sin miedos). La más que representativa imagen del pintor Caspar David Friedrich: “El caminante sobre el mar de nubes”, aparece aquí en la figura aleccionadora del mismo Beethoven, como símbolo de quien en compenetración con la belleza y la sabiduría de la naturaleza (Cole reencontrándose en los parajes suizos de Sils Maria de los que Herren le hablaba y donde Nietzsche se esclareció su teoría del Superhombre) encuentra la anhelada paz y el reconocimiento de sí mismo. Bellas imágenes (la plástica e impecable fotografía la firma Guy Dufaux) corre al ritmo de la propia música como hilo conductor, como motivo y razón de ser, en la medida en que le da sentido a sus vidas. El aquí esencial editor musical es Guy Pelletier, y el pianista que interpreta la obra de los genios inspiradores, el ucraciano-canadiense Serhiy Salov..

Por Mario Saavedra

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Soñar despierto

Que en belleza camine. Que haya belleza delante de mí y belleza detrás y debajo y encima y que todo a mi alrededor sea belleza a lo largo de un camino de belleza que en belleza acabe.

Eduardo Galeano, en el libro “El cazador de historias”

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Wallace Collection – Daydream. Soñar despierto

Extraño caso de la gente que se divierte sin tomar alcohol

¿Divertirse sin beber alcohol es posible?.

Beber alcohol es una costumbre mundial que forma parte de las salidas de fiesta, tanto es así que todos se extrañan cuando alguien no bebe. Sin embargo, las personas también pueden divertirse sin necesidad de ingerir una sola gota de licor.

Las personas que no son afines al alcohol tienen sus razones. No obstante, a estos individuos los llenan de preguntas incómodas tales como ¿no te dejan beber?, ¿tuviste algún inconveniente en el pasado? o ¿no te agrada nuestra presencia?

Esto hace que las personas se lleguen a sentir interrogadas en muchos momentos y se tengan que estar inventando un montón de excusas. Debido a ello, a continuación te contamos una anécdota que te clarifica lo incomoda que es la presión social por no tomar alcohol.

La leyenda cuenta que existe una persona que va a las fiestas y no se toma una sola gota de cerveza, vino o cualquier bebida alcohólica. Ese individuo permanecía en los festejos hasta largas horas de la mañana bailando y riendo. Lo cual demuestra que simplemente algunos tienen gustos diferentes. Aún así, una gran multitud siempre acostumbraba a llamarlo abstemio y aburrido. Debido a esto, le hacían pasar por unos momentos específicos, los cuales posiblemente han experimentado todas las personas que van a las fiestas y no toman alcohol.

Recién iniciaba el evento, alguien veía a la persona sin ningún trago en su mano y comenzaba la característica retahíla: “¿No bebes? Pide al menos una cerveza. Pero ante la negativa seguía el cuestionamiento con un “¿y entonces cómo es que logras divertirte?”

En esos casos, ante tanta insistencia, a la persona le tocaba volver a decir que siempre había salido sin tener el hábito de beber. Además, también les recalcaba que se divertía con la música porque era un aficionado de salir a bailar o cantar.

Horas después seguían las preguntas, esta vez era el turno del “¿no bebes porque tuviste una mala experiencia? A lo cual la persona volvía a responder que no, que simplemente nunca se había interesado por beber. Así que, ante la infinita sorpresa, uno de los cuestionadores volvía a omitir todo y le decía que lo invitaría a un trago.

Ese era el momento más incómodo, pues era difícil atentar contra la cordialidad y rechazar la invitación. Debido a ello, a la persona no le quedaba más remedio que aprovechar cualquier descuido para levantarse del lugar y dejar la copa intacta en la barra.

Durante la madrugada ya estaban ebrios los preguntadores, así que comenzaban a pasar por alto que alguien no estaba bebiendo. Sin embargo, en algunos pequeños instantes se volvía a presentar uno de los cuestionamientos que faltaba: ¿Consumes droga para aguantar?

En esos casos al individuo le tocaba volver a explicar su situación y tratar de evadir dudas adicionales durante el resto de la noche.

Todas las personas en el mundo tienen distintos gustos y es importante aprender a respetarlos.

 Parte de un artículo de Nicolás Forero

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El cielo es siempre mas azul

Avogado6

Tres pasiones sencillas, pero irresistibles, han gobernado mi vida: el anhelo de amor, el deseo de conocimientos y una insoportable piedad hacia los sufrimientos de los hombres.” – Bertrand Russell

Ma il cielo è sempre più blu – Rino Gaetano 

Quien hizo un cuadro hermoso, Quien escribe en las paredes
Chi ha fatto un bel quadro, chi scrive sui muri

Acción Poética es un fenómeno mural-literario que comenzó en Monterrey, Nuevo León, México en 1996. Tiene como fundador al poeta mexicano Armando Alanís Pulido y consiste en pintar e intervenir en bardas de las ciudades con fragmentos de poesía.

El contenido  generalmente se emplea con versos de amor o frases optimistas, también con frases en alusión a la situación actual (aunque tienen por regla no tocar temas políticos ni religiosos); también hay frases de canciones y versos del propio Alanís. Son firmadas con el sello y formato de Acción Poética:

Las mejores frases de "Acción Poética" y una breve explicación de sus porqués 1
Se acercan tiempos difíciles, Amar es urgente

Las creaciones pueden ser apreciadas principalmente en algunos muros de Monterrey y su área metropolitana, pero desde hace algunos años la iniciativa ha traspasado fronteras y se puede observar este movimiento en más de setenta ciudades mexicanas así como en múltiples países de Latinoamérica y todo el mundo como en España,Angola e Italia.

Éste movimiento ha estado en constante crecimiento e incluso son los dueños de las casas y terrenos los que permiten que se decoren sus muros con estas frases que tanto contagian a la gente con sonrisas y felicidad.

Tiene quince años de existencia, Acción Poética está hoy presente en MéxicoArgentinaPerú,VenezuelaEspañaColombia y otros países de habla hispana.

improvisar-MUHIMU
Yo tampoco se como vivir … Estoy improvisando

Según un estudio realizado por psicólogos y expertos en literatura inglesa de la Universidad de Liverpool, la poesía estimula la mente y resulta más útil que cualquier ejemplar de superación para comprender la vida, pues su lectura afecta al hemisferio derecho del cerebro; en ese sitio se almacenan los recuerdos autobiográficos, por lo que ayuda a reflexionar sobre ellos y entenderlos desde otra perspectiva.

accion-poetica-MUHIMU
Si no tardas mucho, te espero toda la vida

Los realizadores del estudio advierten que el estímulo se mantiene durante un tiempo, incrementando la atención del individuo: La poesía aunque más breve, requiere mayor esfuerzo, no sólo de lectura, sino de entendimiento y respuesta, y no dudo que a partir de ella haya mayores y mejores consecuencias de aprendizaje, de descubrimiento de realidades personales y del entorno

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Ya Verás

“Aprendí a no creerme todo lo que la gente dice. Mis únicas pasiones sin reservas han sido los libros y la música. Y, tal vez como lógica consecuencia de todo ello, me fui convirtiendo en una persona solitaria…”

– Haruki Murakami.

fotografía vista en Internet, no sé el autor. Lamentablemente
Vedrai Vedrai Luigi Tenco. Ya verás, ya verás
Verás que cambiará
Tal vez no sea mañana
pero un día cambiará
Ya verás, ya verás
No, no he terminado, ya sabes
no sé cómo y cuándo
pero verás que cambiará

Claude Monet fue un artista revolucionario en el universo artístico, lo demostró con su obra “Nenúfares”. Algunas curiosidades de esta mítica obra.

"Nenúfares": 5 curiosidades de las flores acuáticas de Claude Monet que no conocías

En el S.XIX, y más en específico, un 14 de noviembre de 1840, nacía un artista que inscribiría su nombre en la historia del arte universal por sus aportaciones al universo pictórico; hablamos de Claude Monet, un pintor francés dotado de un talento innato, quien supo crear un estilo diferente en cada uno de sus lienzos al óleo.

Pero, ¿Qué es lo que hizo que Monet se convirtiera en una figura tan influyente en el arte a nivel mundial? Pues sin duda, lo que le llevó a alcanzar su fama fueron sus aportaciones en el nacimiento del movimiento impresionista, y gracias a su obra Impresión, sol naciente; una obra en la que, tal y como su nombre indica, se proyectó por primera vez la “impresión” visual de un amanecer.

Este término “impresión” fue acuñado de manera, en principio, peyorativa por el crítico de arte y periodista, Louis Leroy, quien a partir de entonces, le otorgaría el honor de ser hoy uno de los creadores del impresionismo. Un movimiento que trata de plasmar instantes mediante juegos de luz y colores, sin estar del todo definidos, sino con el fin de dar esa impresión sobre cualquier tema o instante pintado.

Y si hay una obra de Claude Monet que abarca no solo un instante, sino más bien una serie de momentos que recorrerían hasta 30 de años de su vida, esta es la serie de Los Nenúfares. Una obra maestra que pintó en plein air o ‘al aire libre’, y que abarcó un total de 250 piezas que hacen alusión a distintas escenas de su jardín privado, y en concreto, a los cambios de luz y de color propios del paso de las estaciones de sus flores acuáticas o nenúfares.                                                         

De esta forma, las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que toda parte inconexa de lugar a un todo unitario, algo que después demostraría a nivel científico la psicología de la Gestalt, al resaltar que el uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante.

Nenúfares de Monet

Desde su hermoso jardín en Giverny, en París, esta composición de Monet está considerada como la más memorable. Ubicada en el Museo de la Orangerie, se trata de una obra que a día de hoy aún se celebra por romper con todo enfoque académico y por el uso experimental del color de la luz y, claro está, por su enorme belleza estética.

Pero, aparte de todo lo hermoso, del uso del pincel y demás técnicas propias del movimiento, Monet trabajó con minucia y como resultado, se desprendieron de su trabajo algunas curiosidades de las que os hablamos a continuación:

1. La obsesión de Monet por la superficie del agua

En todas las pinturas de los NenúfaresMonet se centra en la superficie del agua. El artista pretendía que las nubes blancas se reflejaran en el agua, por lo que el azul del cielo y el azul del agua en realidad son los mismo, y tan solo la presencia de los nenúfares ayuda a quien lo contempla a comprender que se trata de un reflejo.

2. Monet plantó los nenúfares antes de pintarlos

Monet organizó su propia casa Giverny como si fuera un cuadro gigante. Y, para ello, contrató a unos cuantos jardineros para plantar nenúfares, flores exóticas, sauces llorones, bambúes y sauces. Sembró el río y agregó pollos, patos y faisanes. De esta manera, y según introducía distintos elementos naturales, los pintaba y creaba su propio arte a la imagen y semejanza de su jardín.

3. Pionero en introducir los primeros toques post-impresionistas

La muerte de su esposa Alice en 1911 motivó cambios radicales en su enfoque, si de por sí ya solía hacer cuadros grandes, a partir de ese momento sus obras crecieron todavía más en tamaño. Cambió su paleta, y empezó a introducir manchas de color brillantes para sugerir las flores; un punto de color que inspiró a artistas contemporáneos postimpresionistas, como Paul Cézanne.

4. La influencia de su problema de cataratas en los lienzos

A los ochenta y dos años, Monet descubrió que tenía una catarata. No veía nada con el ojo derecho, y el otro también lo tenía afectado. Al parecer, no era grave, pero en 1923 le operaron hasta tres veces, algo que a Monet le causó ansiedad. Fruto del deterioro de su vista, en los lienzos se aprecian nenúfares rojos y amarillos muy brillantes en una paleta de colores reducida; sin embargo, la suma de los pocos colores, a través de la luz y la composición acabó dando lugar a un efecto final muy emotivo.

Nenúfares de Monet

5. Los Nenúfares abrieron el camino hacia la pintura abstracta

Monet trabajó en los Nenúfares durante la última etapa de su vida, y al morir, en 1926, ya contaba con una compresión del color y la luz bastante progresista. Si bien fue pionero en introducir toques post-impresionistas, también en sus últimos lienzos, se apreció la abstracción a través de la reducción de los elementos no esenciales.

Una obra que continúa siendo objeto de estudio por la infinidad de matices que aún se desprenden de sus obras. Tal y como se descubrió hace dos años y según recogió el New York Times, a través de un informe, hoy se aprecian nuevos nenúfares en una obra interminable en la que la idea principal era crear.

“Mi obra es la ilusión de una totalidad interminable”

– Claude Monet –

Escrito por Estefania Grijota Duran

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De Camino A Casa

“Mi deseo es vivir una vida en la que las emociones lleguen despacio, como las nubes en un día tranquilo. Ves cómo la nube se acerca, reparas en su belleza, la contemplas mientras pasa y la dejas ir. No te obsesionas con lo que has visto, no lamentas su desaparición. Te conformas con entender que nunca aparecerá una nube idéntica a esa, por muy hermosa, por única que sea. Y no lloras por haberla perdido”. “Delatora”, Joyce Carol Oates

EN TU CAMINO A CASA Llámame de camino a casa No importa el tiempo O cuando te sientas mal Solo quiero decir hola Cuéntame sobre un buen día O incluso solo para llorar Llámame de camino a casa Cuando es medianoche Y tu mente es un desastre, quiero huir cariño Se siente como el infierno porque nadie realmente entiende No, no estas solo Iré a cualquier lugar donde sople el viento Te acompañaré de regreso hasta que digas que las puertas se cerraron Llámame de camino a casa Si algo en la fiesta Te hizo pensar en mi Si no respiras con dificultad De tus ansiedades No importa si estás perdido Si estas sobrio Sí, siempre me agarraste del hombro Llámame de camino a casa Cuando es medianoche Y tu mente es un desastre, quiero huir cariño Se siente como el infierno porque nadie realmente entiende No, no estas solo Iré a cualquier lugar donde sople el viento Te acompañaré de regreso hasta que digas que las puertas se cerraron Llámame de camino a casa Hay una canción triste en la radio En un semáforo en rojo y no sabes si se siente bien Coge el teléfono y llámame de camino a casa Si no lo sabe, lo sabrá ahora Me pregunto si estás sano y salvo Si me necesitas estaré cerca Solo llámame de camino a casa Cuando es medianoche Y tu mente es un desastre, quiero huir cariño Se siente como el infierno porque nadie realmente entiende No, no estas solo Iré a cualquier lugar donde sople el viento Te acompañaré de regreso hasta que digas que las puertas se cerraron Llámame de camino a casa

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Chase II

La soledad, tanto si se disfruta como si se sufre, es un ente bello en muchas de sus formas; es bella cuando se vive, es bella cuando se siente, es bella si se reflexiona, es bella si se observa y, por supuesto, es bella si se plasma en un lienzo. Como si de un Hopper reinventado y adaptado a la actualidad se tratara, el pintor británico Nigel Van Wieck plasma en su cuadros figurativos a personas iluminadas por su ordenador portátil o sumergidas en sus pensamientos en el vagón de un metro; todo una serie de piezas inspiradas en la icónica figura del pintor neoyorkino. Nigel nació en Bexley, Reino Unido, en 1947 y estudió en Europa donde se empapó de la obra de los grandes maestros, sus estilos y su estética hasta que se decantó por su estilo al óleo en el que la soledad no es un personaje más, sino que es el principal.

Mi imagen de ‘Q Train’ se volvió viral, fue ese ‘rayo en una botella’. Originalmente, la imagen de la niña en ‘Q Train’ estaba en un entorno diferente, no en un tren. Era un pastel de dos chicas sentadas en un bar con un hombre de traje blanco. Era una imagen que nunca me satisfizo, la única figura que me gustó en la foto era la niña con la cabeza en la mano, así que borré todo en la foto menos ella. La hoja de papel estuvo clavada en mi pared durante tres meses con la figura de la niña flotando en el aire. Entonces, un día entré al estudio y pensé que si ella estaba sentada en un vagón del metro podría funcionar, al final del día había terminado ‘Q Train’.

Ven Mañana
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Las Pérdidas Y Las Emociones

Probablemente de todos nuestros sentimientos el único que no es verdaderamente nuestro es la esperanza. La esperanza le pertenece a la vida, es la vida misma defendiéndose”.-Julio Cortázar

El lugar donde van las cosas perdidas. versión de Jamie Cullum

No puedes mentirme, se que despiertas en la noche solo entre la oscuridad y la luz de la mañana
Buscando las cosas que solías tener, intenta mirar ese lugar donde van las cosas perdidas

¿Estarán en tus sueños o en tus recuerdos?
Si me preguntas dónde encontrar lo que tanto extrañas o todas esas cosas que tanto amas
Están esperando en ese lugar donde van las cosas perdidas

Todos los recuerdos que guardas no se irán por revivirlos, no temas
Todavía están a tu alrededor
Aunque ahora son parte del pasado, no quiere decir que no fueron reales o se hayan perdido sin dejar rastro nada se va para siempre sólo ha cambiado de lugar
Así que tal vez ahora el plato y mi mejor cuchara están jugando al escondite justo detrás de la luna esperando impacientes hasta que alguien los encuentre
Es como La primavera ahora escondida bajo la nieve del invierno oculta en ese lugar donde van las cosas perdidas

Es hora de cerrar los ojos para dejar entrar los sueños y cuando lo hagas estarás donde se encuentra todo aquello que se pierde
Tal vez sea en la luna o tal vez sea en algún lugar nuevo o tal vez todo aquello que perdiste siempre estuvo dentro de ti

Así que cuando necesitas un abrazo y una mirada amorosa, podrás sentirlo sin necesidad de verlo
Esa es la frase perfecta puedes verle sonriendo de una estrella que hace brillar
Confía siempre está ahí observando como creces hasta que sea tu turno de encontrarle en ese lugar
Donde van las cosas que se pierden

EMOCIONES

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Nº14 (1960). Mark Rothko.
Óleo sobre tela. 290,83 cm x 268,29 cm .
SFMOMA. San Francisco, Estados Unidos.

La color-field painting o «pintura de campos de color» es una corriente dentro de la Escuela de Nueva York.

Irving Sandler, crítico e historiador de arte propuso llamar pintura color-field a esta última alternativa del expresionismo abstracto, centrada en el color y sus posibilidades expresivas.

Surgió igualmente en torno al año 1947. Crearon cuadros en los que dominaban amplias áreas de color, todas ellas de igual intensidad. No hay en sus obras contrastes de luz o de colores. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchas obras se trabajaba con un solo color con diferentes tonalidades. Son cuadros cercanos al neoplasticismo pero, a diferencia de él, las áreas de color son abiertas, y parecen seguir más allá de los bordes del cuadro.

Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Clyfford Still (19011980), Mark Rothko (19031970), Barnett Newman (1905-1970) y Enrico Accatino (1920-2007).

Mark Rothko

Con figuras biomorfas que pretendían expresar formas míticas comenzó la carrera artística de Rothko, a comienzos de los cuarenta Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas. Los contornos son borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y la violencia de los action painters.

Lo primero que hay que tener en cuenta antes de introducirse en la obra de Rothko si uno no la está viendo personalmente en un museo, es algo que no se puede apreciar en una publicación, en un texto: es el tamaño de las obras, que tienen un efecto decisivo en la experiencia del observador.

Los cuadros de Rothko son enormes, y muestran enormes campos de color que intentan transmitir las emociones más puras del artista. Como él mismo ha dicho: “lo único que me importa es expresar mis emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte”.

Los campos de color de Rothko tienen la característica de ser aplicados en varias capas de pintura superpuestas (veladuras) y quedan con sus perfiles borrosos, indefinidos, flotando sobre fondos de un solo color.

Detenerse ante un cuadro de Rothko es vivir la experiencia de sumergirse en esos colores y experimentar sensaciones que van más allá del impacto visual. Al menos ésa es la intención del artista.

En el expresionismo abstracto tenemos otra gran tendencia o estilo, que es el action painting (la pintura de acción), donde la pintura se arroja o se chorrea sobre la tela transmitiendo toda la angustia, desesperación y violencia de una época marcada por una guerra a escala mundial (entre ellos están Jackson Pollock o Willem de Kooning). La obra de Rothko, en cambio, moviliza emociones en en un plano espiritual, en un universo silencioso. Son lo que él considera “experiencias religiosas”.

Cuando descubres la filosofía con la que Mark Rothko definía sus cuadros quedas fascinado.  Este artista tenía un especial interés en los lienzos de gran formato y por la idea de la pintura como un algo que puede envolver al espectador. Ese halo de misterio, de grandeza enigmática que desea Rothko que penetre en tu interior a través de la abstracción, crees que no puedes llegar a experimentarlo…Pero cuando ves por primera vez un Rothko, te quitas todas las etiquetas y clasificaciones, historias y definiciones que sobre Rothko puedas tener a través de tus lecturas o conocimientos de Arte, para plantarte frente a uno de sus cuadros sin más…Y ¡no hace falta más!, lo sientes, sientes algo especial, espiritual…una especie de profundidad que también envolvía a Rothko, un artista atormentado que lamentablemente se suicidó en 1970 producto de sus depresiones. Pero cuando pasa el tiempo aún puedes recordar esa sensación.

Y es que el Arte con mayúsculas también se encuentra en la abstracción; una mancha, una raya, una mezcla de colores, puede ser Arte…o ¡¡no!!. Ahí estás tú para descubrirlo y sobretodo para sentirlo. El Arte abstracto como el Arte en general nos pertenece a todos, forma parte de nuestra propia esencia desde que hicimos como seres humanos racionales nuestras primeras obras de Arte durante el último periodo de la Prehistoria. Y es que el Arte no es propiedad de una minoría, de una élite, o de los intelectuales, el Arte es para todos, sólo necesita que nos acerquemos a él con ojos abiertos, sinceros y humildes; será entonces cuando se establecerá una relación entre ambos que ya nunca se perderá…

Lev Semionovich Vigotsky fue pionero en relacionar el Arte con la psicología. Para él el Arte era una herramienta de expresión social y emocional. En su obra “Psicología del Arte”, dice que lo fundamental en una obra de Arte es que genere emociones. Y en este sentido el Arte nos ayuda a enriquecernos como personas, como ciudadanos, a ser más libres, a ser más felices; de hecho muchas terapias contra la depresión u otras enfermedades mentales se basan en el Arteterapia, término utilizado por primera vez en 1942 por Adrian Hill.

El Arteterapia es una extensión de nuestra alma que permite expresar nuestros anhelos, frustraciones, preocupaciones o sueños sin necesidad de hablar. Es una forma de sacar al exterior todo lo que llevamos dentro y es una forma de sanar nuestro interior…

Sin duda el Arte en cualquiera de sus expresiones es una forma de sentir, de vivir y de experimentar emociones universales.
Imagen cortesía de revistaimprescindibles.com

Escrito por Sofia Alcausa Hidalgo

Clyfford Still

Clyfford Still fue otro de los artistas que en los años treinta, trabajó en la WPA. Su estilo fue haciéndose progresivamente más abstracto. Su estilo de madurez está dominado por cuadros de fondo negro, al que consideraba su «no-color preferido». Y, sobre él, aparecían unas líneas verticales de contorno irregular, como si fueran una especie de llamas, de colores vivos: amarillo, naranja o blanco

Nació en Grandin, Dakota del Norte, Estados Unidos, el 30 de noviembre de 1904.
Fue uno de los más destacados representantes del expresionismo abstracto americano. Sus comienzos en la pintura fueron autodidactas, en sus primeras obras pintó paisajes canadienses, país en en el que vivió a partir de los seis años de edad. Durante un corto espacio de tiempo asistió a la Art Students League de Nueva York, en el año 1925, y de 1933 a 1941 al al Washington State College, inicialmente como alumno, para más tarde convertirse en profesor.

En 1934 realizó una tesis sobre la obra de Paul Cezanne, sin embargo al poco tiempo abandonó cualquier influencia de la pintura europea, para ser uno de los primeros artistas norteamericanos en practicar la abstracción. Impartió clases en el Centro de Arte de Spokane durante la Gran Depresión y en la Universidad del Estado de Washington.

Sus obras más tempranas cargadas de detalles alegóricos clásicas, dieron paso a composiciones ejecutadas a base de grandes planos. Con este giro que se inició a finales de la década de 1930, se anticipó a los artistas de su generación, que en esa época, continuaban en el figurativismo surrealista.
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial se instaló en Nueva York.

Gracias a Mark Rothko, al que conoció y con el que entabló una gran amistad en 1943, contactó con Peggy Guggenheim, que un año más tarde realizó una muestra de su obra en su galería Art of This Century. En 1946 obtuvo un trabajo en la Escuela de Bella Artes de California, en San Francisco, pero volvió a Nueva York en 1950. En los años siguientes junto a otros expresionistas abstractos, expuso en la Betty Parsons Gallery, a la vez que su pintura se hacía más abstracta. Sustituyó los títulos por números para evitar cualquier interpretación, y su interés por la verticalidad anterior se hizo aún más evidente, y sus lienzos sus lienzos de gran formato, inundados por manchas de colores con contraste. Fue en este momento en el que comenzó a volverse muy crítico con el mundo del arte, aislándose cada vez más, incluso evitando exponer, incluso vender.
En 1961, se instaló en una granja de Maryland, donde pasó el resto de su vida.

En Denver, Colorado se encuentra el Museo Clyfford Still, que alberga el 95 por ciento de la producción total de la artista, lo que hace que su colección es la mayor e intacta de la obra de cualquier artista.

Web del Museo Clyfford Still : AQUÍ:

Artículo leido en Trianarts.com

Ad Reinhardt 1913–1967

91,4 CM

Adolph Friedrich Reinhardt, 24 de diciembre 1913. Fue un artista abstracto que comenzó su carrera al lado de los expresionistas abstractos, pero se fue alejando de ellos para encontrar su propio camino. En algún punto de los años 50 descubrió que reduciendo su paleta podía expresar más, podía quizás contar lo que no está pintado. Al final su arte se volvió monocromo, siendo por todo ello considerado padre de las dos corrientes más revolucionaria de esos años para el mundo del arte: el arte conceptual y el minimalismo.

También es muy conocida su faceta como teórico. En sus escritos defiende la abstracción y reflexiona sobre el sentido del arte y la función de los artistas. Una de sus máximas, «Arte como Arte» afirma que el arte no tiene sentido fuera de sí mismo y que la obra artística debe responder a la necesidad de una negación absoluta.

Ad Reinhardt nació en Buffalo (Nueva York), y estudió historia del arte en la Universidad de Columbia. Su carrera no dejó de evolucionar, siempre desde la abstracción. Primero con el grupo de los Artistas Abstractos Americanos y después como pionero de la pintura «hard-edge» o pintura del borde duro, que busca la economía de las formas y deja bien nítidos los contornos de los colores con un borde que lo singulariza de los demás.. Fue uno de los abanderados del arte abstracto, pero curiosamente destacó también como caricaturista y llaman la atención sus viñetas cómicas, que a menudo satirizan el mundo del arte.

(CC) Miguel Calvo Santos, 27-09-2016

Abstract Painting
Pintura abstracta No. 5. Óleo sobre tela, 1963

Un cuadro negro, absolutamente negro (el no-color). Del tamaño de un ser humano pero pintado y cepillado para eliminar cualquier rastro de pincelada. Uniforme, mate, plano a primera vista… pero en realidad formado de varios negros distintos; es casi imperceptible, pero creedme: los hay. Esta pintura abstracta es, en palabras de su autor, una pintura pura, no objetiva, atemporal, sin espacio, inmutable, sin relaciones, desinteresada: un objeto consciente de sí mismo, ideal, trascendente, consciente de nada más que del arte.

Este cuadro es, si lo pensamos, un no-cuadro. Sin forma, sin color, sin tema… Si fuera posible, ni bordes tendría. Eso roza lo filosófico, dando lugar a una paradoja: es un cuadro contemplativo, aunque no sabemos qué hay que contemplar… Una obra intencionadamente enigmática, pintada para resistir cualquier interpretación. Es, en definitiva, un cuadro abstracto. Hasta el título es abstracto.

Al ver esta pintura tan abstracta en 1963, muchos abandonaron indignados el Moma (algunos rompieron sus carnet de miembro en protesta), y lo cierto es que no se les puede culpar. ¿Qué interés, qué valor tiene un lienzo pintado completamente en negro? Si Reinhardt pretendía ser original, ese chiste ya lo había contado Malevich.

Lo que pretendía Reinhardt, era reducirlo y esquematizarlo todo al máximo, intentando de paso borrar de su trabajo cualquier contenido que no fuera arte en sí mismo. Desde luego, poco más se puede avanzar ya desde un punto de vista pictórico. Entramos ya en el terreno de lo conceptual y lo minimalista ambos hijos legítimos de Reinhardt. Artículo escrito por Fulwood Lampkin

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Sensaciones

Puede ser una imagen de comida y texto que dice "SENSACIONES MÁGICAS LA PIEL DE GALLINA QUE TE DALA MÚSICA PISAR EL PASTO DESCALLO TIRARSE A VERLAS ESTRELLAS EL SILENC1O TERMINARUN LIBRO LA SIESTA EN INVIERNO LAS CHARLAS LA MADRUGADA ESCUCHAREL RUIDO DE LA LUVIA EL AMOR. nubedeverano"
Sensaciones mágicas: La piel de gallina que se te pone con la música. Pisar la hierba descalzo. Echarse para ver las estrellas. El Silencio. Terminar un libro. La siesta en invierno. Las charlas de madrugada. Escuchar el sonido de la lluvia. El Amor

Nunca hubiera podido imaginar que una ausencia ocupara tanto espacio, mucho más que cualquier presencia. Y fui consciente de mi gran soledad. Y este conocimiento aumentaba la tristeza que ya había descubierto. Sólo que ahora era mucho mayor.

Y no lloraba, pero me daba cuenta de que mi voz estaba húmeda, como empapada de las lágrimas que últimamente se resistían a brotar de mis ojos, que tal vez caían hacia adentro, sobre el montoncito de piedras que iba tapando, más y más cada día, el corazón.

Y entonces sentí un gran deseo de comunicar la paz o la felicidad, esa peligrosa palabra que no debe pronunciarse y que de pronto había llegado a mí. Pero sólo se me ocurrió apretarle la mano (a mi padre). Lo hice una sola vez, y casi al instante él me devolvió el apretón: y lo hizo dos veces. Los dos mirábamos hacia el cielo casi blanco, y con otro apretón de manos volví a decirle que le quería. Me respondió de la misma forma. Creo que nunca, ni antes ni después, he mantenido con nadie una conversación más íntima, más explícita. Ni tan bella.

Me senté en un rincón, esperando un trocito de silencio donde introducirme.

Inhabitado Ana Maria Matute

Joan Manuel Serrat – Aquellas pequeñas cosas.

Je Je ne parle pas francais Namika
Lf 8 20

Lee Friedlander Nueva York, 1963 Imagen de plata en gelatina 28 x 35,5 cm Cortesía del artista y de Fraenkel Gallery, San Francisco © Lee Friedlander, cortesía de Fraenkel Gallery, San Francisco

Como bien dicen su visión no se corresponde con el instante decisivo de Cartier Bresson, donde todo se desmoronaría después de hacer la foto. Lo que importa en la fotografía de Friedlander es el encuadre preciso. Esta es la seña de identidad del autor y lo que se debería estudiar en todas las escuelas.

Si en sus fotografías faltara algo de lo que vemos se caería como un castillo de naipes, como un arco cuando le quitas la clave. Es difícil llegar a este estado. Y seguro que muchos le acusaran de fotografiar el caos. Pero todo consiste en saber leer la fotografía.

La estética de Lee Friedlander, como la de otros fotógrafos americanos del corte de Garry Winogrand, Robert Frank o William Klein, felizmente recuperados próxima la década de los setenta, se ha asociado a la de los grandes músicos de jazz de los años cincuenta. Durante aquel periodo, hastiado del realismo de los cincuenta, las inquietudes fotográficas parecían almas gemelas de otras áreas de la plástica. Su generación veía a través del filtro de una aparente sobredosis de ingenuidad, casi la misma de la foto aficionada; parecían apretar el disparador sin la más mínima intencionalidad artística. Quisieron construir un relato análogo de las formas literarias con las que les tocó convivir. Tendencia recuperada, para la que despierta mayor interés los retratos de la trastienda que la espectacularidad de los instantes decisivos. Sólo que la aleatoriedad de Friedlander, como las de sus compañeros, sigue unas reglas, las de la geometría euclidiana, ajustando perspectivas y ordenando volúmenes para crear pasivamente una atmósfera. Como escribió Lemagny al respecto, a la precisa marquetería de Friedlander se le opone la anarquía de Winogrand. …Parte de un artículo de Fernando sanchez

Friedlander es un fotógrafo de la vida en los espejos, de los vagos espectros reflejados sobre los cristales de un escaparate y los objetos que celosamente guardan en sus vitrinas. Da igual que sobre éstos se desdibuje su propia sombra, porque el retrato así adquiere infinidad de lecturas (Wilmington, 1965; Wespoert, 1968 … ), igual que ocurre con el refotografiado de la pantalla de un televisor o la de un cine de verano. Su denominador común es el registro de referentes (ese segundo grado): monumentos (The american monument fue su proyecto estelar, realizado durante 10 años para el tricentenario de Estados Unidos), cuadros (Roma, 1964), vallas publicitarias, neones, retratos sobre aparadores domésticos, fotos de presidentes de Estados Unidos…Para él, “la cámara fotográfica no es simplemente un aparato para reflejar, y las fotografías no son exactamente el espejo; el espejo sobre la pared miente”. Parte de un artículo de Manolo Falces

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“Perdida entre dos lugares”

Ayer hubiera cumplido 95 años… “Una mujer nunca debe olvidar, que ella no necesita a nadie que no la necesite a ella” ️(Marilyn Monroe)

I am… I said – Neil Diamond 

A… Su buen sol la mayor parte del tiempo
Y la sensación es de tranquilidad
Las palmeras crecen y las rentas son bajas
Pero sabes que sigo pensando en
preparar mi camino de regreso

Bueno, nací y crecí en la ciudad de ..
Pero hoy en día estoy perdido entre dos orillas
M. está bien, pero no es mi casa
A está bien pero ya no es mía

Yo soy, dije
A nadie allí
Y nadie escucho en absoluto
Ni siquiera la silla
Yo soy, lloré
Yo soy, dije yo
Y estoy perdido, y ni siquiera puedo decir por qué
Dejándome solo todavía

¿Alguna vez leíste acerca de una rana que soñaba con ser rey?
Y luego se convirtió en uno
Bueno, excepto por los nombres y algunos otros cambios
Si hablas de mi, la historia es la misma

Pero tengo un vacío en el fondo
Y lo he intentado pero no me deja ir
Y no soy un hombre al que le guste jurar
Pero nunca me ha importado el sonido de estar solo

Yo soy, dije
A nadie allí
Y nadie escucho en absoluto
Ni siquiera la silla
Yo soy, lloré
Yo soy, dije yo
Y estoy perdido, y ni siquiera puedo decir por qué

Yo soy, dije
Yo soy, lloré
estoy

Almería. Arrecife de las Sirenas

El Libro de Los Abrazos. Eduardo Galeano.

Un hombre del pueblo de Neguá, en la costa de Colombia, pudo subir al alto cielo.

A la vuelta, contó. Dijo que había contemplado, desde allá arriba, la vida humana. Y dijo que somos un mar de fuegüitos.

– El mundo es eso -reveló-. Un montón de gente, un mar de fuegüitos.

Cada persona brilla con luz propia entre todas las demás.

No hay dos fuegos iguales. Hay fuegos grandes y fuegos chicos y fuegos de todos los colores. Hay gente de fuego sereno, que ni se entera del viento, y gente de fuego loco, que llena el aire de chispas. Algunos fuegos, fuegos bobos, no alumbran ni queman; pero otros arden la vida con tantas ganas que no se puede mirarlos sin parpadear, y quien se acerca, se enciende.

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“A Veces”

A veces encuentras en las páginas de un libro una vieja foto de la persona que amas y eso te da un tremendo escalofrío. A veces miras a quien te mira y quisieras tener el poder necesario para ordenar que en ese mismo instante se detuvieran todos los relojes del mundo
A veces sólo a veces gran amor.
José Agustín Goytisolo

Tango Gao
 I Can’t Remember Love. Anna Hauss

En 1938 la Universidad de Harvard (USA) comenzó una investigación llamada “Estudio sobre el desarrollo adulto”. Su principal objetivo era determinar qué es lo que realmente nos hace felices. La investigación se extiende hasta la actualidad y es uno de los más completos en su área.

Para realizar la investigación se pidió la colaboración de 700 jóvenes, inicialmente. Algunos de ellos eran personas que gozaban de una posición acomodada, mientras que otros pertenecían a clases pobres de Boston. Los investigadores acompañaron a estas personas a lo largo de sus vidas para evaluar cómo buscaban y eventualmente construían su felicidad.

“La dicha de la vida consiste en tener siempre algo que hacer, alguien a quien amar y alguna cosa que esperar”.-Thomas Chalmers-

Actualmente la investigación cuenta con más de 1.000 personas algunos de los cuales son hijos de la primera generación de voluntarios. El actual director del estudio es el psiquiatra Robert Waldinger, que también es maestro Zen.

Con base en las conclusiones extraídas en estos 76 años de estudio, el profesor Waldinger ofreció un pequeño esquema de lo que podría llamarse “una buena vida”. La investigación ha permitido establecer qué es lo que realmente nos hace felices  (o al menos la mayoría) y enseguida te contamos cuáles son algunos de esos hallazgos.

Una de las conclusiones más importantes del estudio sobre el desarrollo adulto es que las personas se sienten auténticamente felices cuando logran establecer relaciones humanas de calidad. “Lo que encontramos es que en el caso de las personas más satisfechas en sus relaciones, más conectadas a otros, su cuerpo y su cerebro se mantienen saludables por más tiempo”, dijo Waldinger.

Respecto a la pregunta  sobre qué es una relación de buena calidad, el académico señaló que es aquella en la cual te sientes confiado y puedes ser tú mismo. En otras palabras, no te sientes juzgado y tienes la convicción de que cuentas con la otra persona en prácticamente cualquier circunstancia. Este tipo de vínculo puede hacerse con la pareja, con la familia o con amigos y compañeros.

En varias ocasiones la investigación ha aplicado cuestionarios sobre el concepto de felicidad entre los participantes, e incluso entre personas que no forman parte del estudio. Les preguntan qué les haría felices. Un 80% de los consultados ha dicho que sería feliz si tuviera más dinero y un 50% aseguró que la fama le daría la dicha. Sin embargo, tras analizar los resultados después de que mejorara la condición económica o los éxitos sociales de estas personas se concluyó que la suposición que hacían a priori no se reflejaba en los resultados después de la mejora.

Todo parece indicar que el dinero y la fama actúan en nuestras mentes como una especie de cortina de humo. Se podría concluir que quienes piensan de ese modo no están admitiendo que lo que buscan en el fondo es aprobación, respeto y compañía. Sin darse cuenta asumen que dinero y a la fama serán vehículos para ganar más y mejores vínculos con los demás.

Esto quiere decir que inconscientemente creen que si tuvieran mayor dinero o fama, serían más valorados por los demás, lo cual es falso. Tanto la fama como el dinero sí atraen nuevos vínculos, pero en muchos casos se trata de nexos poco auténticos, no basados en la genuina valoración del otro. Muchos se acercan a los ricos y famosos por los beneficios que pueden obtener, pero no porque experimenten auténtico afecto por esas personas.

El estudio de Harvard ha encontrado la respuesta a la pregunta de cómo podemos ser felices y se trata de una respuesta relativamente sencilla y muy concreta. Pero esto lleva a una nueva pregunta: ¿por qué entonces hay tantas personas infelices? ¿No bastaría con que invirtieran más tiempo  y esfuerzo en sus relaciones para que pudieran vivir mejor? Ahí está realmente la clave del asunto.

Establecer relaciones de calidad no es tan sencillo. Y no lo es porque exige que para hacerlo hayamos desarrollado previamente un conjunto de valores y virtudes que no están simplemente ahí, servidas a la carta. Para construir vínculos valiosos necesitamos ser generosos, bondadosos, pacientes y cercanos en el trato.

En la vida, el asunto no es encontrar “personas especiales” con las que podamos establecer vínculos maravillosos. De lo que se trata más bien es de que nosotros mismos seamos maravillosos en nuestras relaciones. Esto es lo que constituye la base de un vínculo de calidad.

La conclusión fundamental de los 76 años que tiene el estudio de Harvard es muy simple: 

Todos buscamos, fundamentalmente, ser amados. Eso sería un sinónimo de ser felices. Sin embargo, muchas veces no se logra construir relaciones de amor genuino porque todavía nosotros no hemos desarrollado esa profunda capacidad de dar amor.

Edith Sánchez·

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