Con Los Ojos Abiertos

“Si eres una mujer fuerte prepárate para la batalla: aprende a estar sola, a dormir en la más absoluta oscuridad sin miedo, a que nadie te tire sogas cuando ruja la tormenta, a nadar contra corriente.

Entrénate en los oficios de la reflexión y el intelecto. Lee, hazte el amor a ti misma, construye tu castillo, rodéalo de fosos profundos, pero hazle anchas puertas y ventanas. Es menester que cultives enormes amistades, que quienes te rodean y quieran, sepan lo que eres, que te hagas un círculo de hogueras y enciendas en el centro de tu habitación una estufa siempre ardiente donde se mantenga el hervor de tus sueños.

Si eres una mujer fuerte protégete con palabras y árboles e invoca la memoria de mujeres antiguas. Haz de saber que eres un campo magnético hacia el que viajarán aullando los clavos herrumbrados y el óxido mortal de todos los naufragios. Ampara, pero ampárate primero. Guarda las distancias. Constrúyete. Cuídate. Atesora tu poder. Defiéndelo. Hazlo por ti. Te lo pido en nombre de todas nosotras”. Gioconda Belli

Les yeux ouverts – Enzo Enzo 
Mural
La etapa pre-action painting.Jacckson Pollock1943
Universidad de IOWA .Estados Unidos

Acrílico oleo (605 x 247 )
Regalo de Peggy Guggenheim a la Universidad.

El artista moderno trabaja con el espacio y el tiempo, y expresa sus sentimientos en lugar de ilustrar.  Jackson Pollock

En la escena neoyorkina de los tempranos años 40, la figura de Peggy Guggenheim fue determinante para la visibilidad de las producciones vanguardistas del momento. Por recomendación de los ya consolidados Duchamp y Mondrian, ésta dará comienzo al mecenazgo determinante que impulsará la carrera artística de Jackson Pollock (1912– 1956).

Las dimensiones del lienzo que nos ocupa se deben a las características del primer lugar de exposición para el que se concibe: el muro de entrada de la casa de Peggy, quien realiza este encargo al joven artista y concreta los detalles para su realización. Consciente de la importancia que ello suponía, Pollock pondrá en este trabajo una carga de energía considerablemente elevada, tanto en el acto mismo de ejecución como en las reflexiones compositivas de la obra.

Se cree con certeza que, en la fecha señalada, Pollock ya conocía la fotografía de acción de finales del siglo XIX y principios del XX, por lo que esta técnica influye de manera evidente en Mural (1943). Además, conviene señalar que aún no había desarrollado el estilo de action painting que posteriormente le encumbraría como gran representante del expresionismo abstracto estadounidense.

Estudios recientes han determinado que la paleta de colores empleada para este cuadro oscila entre veinticinco y veintiséis tonos diferentes, aplicados en capas superpuestas de pintura con una pincelada ágil y volátil que cubre casi la totalidad del lienzo. Todo ello, se alterna con pequeños espacios vacíos de material pictórico donde la tela desnuda conforma las zonas de reposo.

Las formas trazadas parecen enlazarse entre sí de manera repetitiva e inquietante en un recorrido secuencial de la escena. El conjunto funciona como una abstracción del movimiento mismo, generada a través de la energía que canaliza el artista sobre la obra. Miguel Vega Manrique

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.

Esto da como resultado la proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio como resultado obras muy personales.

Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York en realidad) había sustituido a París como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el testigo de la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que liderara el arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal característica es la libertad.

Estaban fascinados por la soledad y el proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte, investigando, en búsquedas personales más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.

Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo. Este automatismo podría derivar del surrealismo que aún estaba vivo en esos años.

Miguel Calvo Santos

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Se Ha Hecho Lo Que Se Ha Podido

ME CAÍ DEL MUNDO Y NI SÉ POR DÓNDE SE ENTRA – Eduardo Galeano.

A Bigger Splash. David Hockney. Reino Unido 1967. Acrílico 242×243

En Estados Unidos, Hockney se obsesionó con crear cuadros de piscinas, entre ellos obras como “The Splash”, “A Little Splash” o este “A Bigger Splash”de 1967 .

En este cuadro-chapuzón no aparece ninguna figura humana. Suponemos que alguien se acaba de tirar al agua desde el trampolín por el líquido salpicando, pero quién sabe… Quizás es por eso la cierta inquietud que provoca el cuadro pese a la calma y tranquilidad de la escena.

El cuadro roza la abstracción. Los colores son totalmente planos y apenas deja algunas sombras y reflejos para insinuar la figuración. Hockney trabajó el acrílico con rodillo y pincel para conseguir esos acabados, dándole el protagonismo al agua elevándose, que recuerda inevitablemente, al expresionismo abstracto movimiento contra el que surgió el Pop.

El contraste entre la inmediatez del chapuzón y la quietud del resto de la escena es lo que buscaba el artista, que según dicen nació con sinestesia, viendo colores en respuesta a estímulos musicales.

Me gusta la gente que duda, la gente que escucha demasiado a su corazón.
J’aime les gens qui doutent, les gens qui trop écoutent leur cœur se balancer

Me gusta la gente que se dice y se contradice y sin denunciarse
J’aime les gens qui disent et qui se contredisent et sans se dénoncer

Me gusta la gente que tiembla, que a veces parecen incapaces para juzgar
J’aime les gens qui tremblent, que parfois ils ne semblent capables de juger

Me gusta la gente que pasa mitad en sus zapatos y mitad a su lado
J’aime les gens qui passent moitié dans leurs godasses et moitié à côté

Me gusta su cancioncita
J’aime leur petite chanson

Incluso si pasan por idiotas
Même s’ils passent pour des cons

Me gustan los que entran en pánico, los que no son lógicos, bueno, no “como debe ser”
J’aime ceux qui paniquent, ceux qui sont pas logiques, enfin, pas “comme il faut”

Los que con sus cadenas para que no nos moleste hacen ruido de campana
Ceux qui, avec leurs chaînes pour pas que ça nous gêne font un bruit de grelot

Los que no se avergonzarán de acabar siendo nada más que fracasos del corazón
Ceux qui n’auront pas honte de n’être au bout du compte que des ratés du cœur

Por no haber sabido decir “líbranos de lo peor y quédate con lo mejor”
Pour n’avoir pas su dire “délivrez-nous du pire et gardez le meilleur”

Me gusta su cancioncita
J’aime leur petite chanson

Incluso si pasan por idiotas
Même s’ils passent pour des cons

Me gusta la gente que no se atreve a adueñarse de las cosas, menos aún de la gente
J’aime les gens qui n’osent s’approprier les choses, encore moins les gens

Los que quieren ser, solo una ventana para los ojos de los niños
Ceux qui veulent bien n’être, qu’une simple fenêtre pour les yeux des enfants

Los que sin estandarte y daltónicos del alma ignoran los colores
Ceux qui sans oriflamme et daltoniens de l’âme ignorent les couleurs

Aquellos que son lo suficientemente perlados como para que la historia nunca les haga los honores
Ceux qui sont assez poires pour que jamais l’histoire leur rende les honneurs

Me gusta su cancioncita
J’aime leur petite chanson

Incluso si pasan por idiotas
Même s’ils passent pour des cons

Me gusta la gente que duda pero quisiera que los dejemos solos de vez en cuando
J’aime les gens qui doutent mais voudraient qu’on leur foute la paix de temps en temps

Y que nunca los maltratemos cuando caminen sus otoños en primavera
Et qu’on ne les malmène jamais quand ils promènent leurs automnes au printemps

Diles que el alma hace mejores llamas que todos estos traseros tristes
Qu’on leur dise que l’âme fait de plus belles flammes que tous ces tristes culs

Y que les agradezcamos que les digamos, les gritemos “¡gracias por vivir!”
Et qu’on les remercie qu’on leur dise, on leur crie “merci d’avoir vécu!

“Gracias por la ternura
Merci pour la tendresse

y peor para tu culo
Et tant pis pour vos fesses

Se ha hecho lo que se ha podido
Qui ont fait ce qu’elles ont pu

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El viernes en mi cabeza

Tango Gao (@tangosleepless)
The Easybeats – Friday On My Mind 

“Mis padres me enseñaron que a pesar de que se trata de una condición efímera, estar vivo es algo profundamente bello por lo cual cada uno de nosotros debe sentirse muy agradecido. Si viviéramos para siempre, no sería tan maravilloso”
Sasha Sagan

Una tarde de invierno, Sasha de apenas 6 años se acercó a Carl  le preguntó sobre sus padres. –”Papá, ¿Por qué no conozco a tus papás como a mis otros abuelos?”–”Porque murieron”

“Tú estás viva en este segundo. Eso es algo increíble”, “Si tenemos en cuenta el número casi infinito de posibilidades y caminos que conducen a nacer a una sola persona, debes estar agradecida de ser tú misma este preciso instante. Piensa en el enorme número de posibles universos alternativos en los que, por ejemplo, si tus tatara-tatara-abuelos no se hubieran encontrado tú nunca hubieras existido. Tienes el placer de vivir en un planeta en el que se ha evolucionado para respirar el aire, beber el agua y sentir el calor de la estrella más cercana. Estás conectada con todas las generaciones y los seres vivos de este mundo a través del ADN. También con el universo, porque cada célula de tu cuerpo fue creada en los corazones de las estrellas”.

Si tenemos en cuenta el número casi infinito de posibilidades y caminos que conducen a nacer a una sola persona, debes estar agradecida de ser tú misma este preciso instante…”


Carta de Carl Sagan a su hija Sasha.

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“Hay que seguir soñando”

Tenemos que obligar a la realidad a que responda a nuestros sueños, hay que seguir soñando hasta abolir la falsa frontera entre lo ilusorio y lo tangible, hasta realizarnos y descubrir que el paraíso estaba ahí, a la vuelta de todas las esquinas”. Julio Cortázar

Hier Encore, Charles Aznavour
Caillebotte

Los cepilladores de parquet (1875). Gustave Caillebotte.
Óleo sobre tela. 192 cm x 146 cm.
Musée d’Orsay. París.

Caillebotte es el impresionista distinto. Es “el menos impresionista” de todos. Sin embargo, también podemos decir (irónicamente) que es el más importante, ya que “les da de comer” a todos, cuando la situación económica apremia.

Caillebotte es rico por herencia y financia los gastos de sus compañeros durante mucho tiempo. A su vez, se convierte en el comprador de sus obras. Por ello, gracias a ese espíritu caritativo, termina reuniendo la colección impresionista más grande que alguien haya reunido (y como si fuera poco, podemos agregar cuadros de Cézanne y otros maestros hoy invaluables). Esa colección termina siendo la base de lo que hoy es el Musée d’Orsay de París (el más grande museo del impresionismo).

El estilo de Caillebotte suele ser más realista que el de sus amigos y compañeros. Si bien la preocupación principal es la luz, sus resultados son más “fotográficos”.

Sus obras resultan controvertidas para la época a causa de sus exageradas y profundas perspectivas.

En la segunda muestra del grupo presenta su obra Los cepilladores de parquet, donde unos obreros trabajan en un piso de madera. En esa época, se empieza a aceptar tímidamente la representación de los trabajadores, pero sólo los trabajadores del campo (a partir de los realistas Millet y Courbet), no se ven todavía representaciones de trabajadores urbanos realizando sus tareas. Caillebotte y este cuadro son considerados “vulgares” por los críticos.

No vende sus cuadros (se dedica a comprar, lo suyo no es vender), y debido a su rol de mecenas y a que pinta distinto que sus compañeros, el mundo se olvida de reconocerlo como un gran pintor hasta finales del siglo XX.

Por presiones de los academicistas, el estado francés rechaza inicialmente la colección que lega muere en 1894. Después de un par de años, la colección es aceptada pero sólo parcialmente y se integrará al Louvre más de tres décadas después. La mitad de los cuadros son rechazados con la excusa de “derivar de un arte malsano”.

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¿Qué soy? Un casi todo.

“Uno es los libros que ha leído, la pintura que ha visto, la música escuchada y olvidada, las calles recorridas. Uno es su niñez, su familia, unos cuantos amigos, algunos amores, bastantes fastidiosos. Uno es una suma mermada por infinitas restas.”- Sergio Pitol

Chaga de saudade Nova

¿Qué importa más: vivir o saber que se está viviendo? ¿Por qué hablas de cosas difíciles, por qué empujas cosas enormes en un momento simple? En el momento en el que intento hablar, no sólo no expreso lo que siento, sino que lo que siento se transforma lentamente en lo que digo.

Tengo varias caras.
Una es casi bonita, otra es casi fea.
¿Qué soy? Un casi todo.

Clarice Lispector.

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“A la ausencia no hay quien se acostumbre”

Recordándote Rafa.

Christophe – Les Marionnettes

Es cierto / rafael / no hay un río
del olvido / hay mar de la memoria /
ese que trae amor fatigas gloria
o un privilegio cándido y tardío

..

a la ausencia no hay quien se acostumbre /
otro sol no es tu sol / aunque te alumbre /
y la nostalgia es una pesadilla

sabemos que ahora vives…
mas seguimos echándote de menos
allá lejos y verde / en nuestra orilla

MARIO BENEDETTI

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lo Intento

Shahin Sepehri, émotions cinéma
Tombe la neige – Adamo

Viareggio, cerca de Pisa (Italia)
5 de abril de 1903

Habrá de perdonarme, querido y apreciado señor, que hasta hoy no haya recordado, agradecido, su carta del 24 de febrero. Durante todo este tiempo no me he sentido en forma, no exactamente enfermo, pero sí acosado por una debilidad de tipo gripal que me incapacitaba para todo. Finalmente, como este estado no quería cambiar de ningún modo, me vine a este mar del sur, cuya benignidad ya me ayudó en otra ocasión. Pero aún no estoy restablecido del todo; escribir se me hace pesado. Por lo mismo, debe aceptar estas pocas líneas como si, en realidad, fueran más.

Naturalmente, usted ha de saber que siempre me alegrará recibir carta suya y deberá ser también benévolo con la respuesta, que quizá le dejará a menudo con las manos vacías. Porque, en el fondo y precisamente en las cosas más profundas e importantes, estamos indeciblemente solos y, para que uno pueda aconsejar o ayudar a otro, tienen que ocurrir muchas cosas, muchas cosas han de producirse, toda una constelación de acontecimientos ha de suceder para que por una sola vez el consejo llegue a buen puerto.

Hoy quería decirle tan sólo esto:

Sobre la ironía: no se deje arrastrar por ella, especialmente en los momentos no creativos. En los creativos, intente utilizarla como un medio más para captar la vida. La ironía, utilizada con autenticidad, es también auténtica y usted no tiene por qué avergonzarse de ella. Y si se siente demasiado confiado en su compañía, tema esa creciente confianza y vuélvase entonces a objetos grandes y serios, ante los cuales usted se sentirá pequeño y débil.

Busque lo hondo de las cosas. Allí no desciende la ironía. Y si la lleva al límite de lo grandioso, compruebe si esa forma de comprensión surge de una necesidad de su ser. Porque, bajo la influencia de lo que es serio, le abandonará (cuando sea fortuita) o, de lo contrario (si pertenece verdaderamente a algo nacido en su interior), se fortalecerá como una herramienta muy firme que usted pondrá entre los medios con los que configurará su arte.

Lo segundo que quiero contarle hoy es esto:

De todos mis libros sólo algunos, más bien pocos, me son indispensables. Pero hay dos que siempre están entre mis cosas y que me acompañan vaya donde vaya. Los tengo aquí, al alcance de la mano: son la Biblia y los libros del gran poeta danés, Jens Peter Jacobsen. Me pregunto si usted conoce sus libros. Puede conseguirlos fácilmente, porque una parte de su obra ha aparecido en Reclams-Universal Bibliothek, muy bien traducida. Adquiera el tomo Seis Novelas de J. P. Jacobsen y su novela Niels Lyhne. Comience con el primer tomo de la primera novela que se llama Mogens. Acudirá a usted un mundo, la dicha, la riqueza, la incomprensible grandeza de todo un universo. Viva un tiempo en esos libros, aprenda de ellos todo lo que le parezca digno de ser aprendido, pero, sobre todo, ámelos. Este amor le será mil veces recompensado y, cuando su vida llegue a desarrollarse, estoy convencido de que este amor irá a través de la trama de su devenir como uno de los más importantes hilos conductores de sus experiencias, decepciones y alegrías.

Si tengo que decir con quién experimento algo de la esencia del crear, de su profundidad y eternidad, sólo puedo dar dos nombres: el de Jacobsen, el gran, gran poeta, y el de Auguste Rodin, el escultor incomparable entre todos los artistas de hoy.

¡Y mucha suerte en su camino!

Suyo,

Rainer Maria Rilke. Carta a un joven poeta

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Cruce de caminos

Foto tomada en el faro de Cartagena
You Go To My Head – Billie Holiday

Todas las tardes salgo a pasear por unas calles por las que forzosamente has pasado o tendrás que pasar, pero nunca me encuentro contigo. Estás, pero no puedo verte. La rutina de un horario distinto o el laberinto de lo aleatorio, lo ha doblado todo. No es la misma ciudad, no son las mismas luces, ni el mismo silencio, porque si el tiempo no es el mismo tiempo , el espacio tampoco. Ni siquiera la casualidad, la prisa o la tardanza han podido saltar este abismo que nos hace transitar en caminos distintos por idéntico sitio ¿Cómo es posible que después de haber recorrido juntos aquella calle que parecía interminable, yo me empeñase en no seguirte a la izquierda y continuar hacia delante como si fuera mi rumbo? No querer cambiar la calle, me ha costado que nuestros caminos no hayan vuelto a cruzarse jamás.

Del libro de mi amigo Antonio Marín Pérez. “Mal De Altura”

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Diferente

Jacob Collier – All Night Long

Bien amigos míos, el momento ha llegado,
(es hora) de hacer mucho ruido y tener algo de diversión.
Deshacerse del trabajo que queda por hacer,
dejar que suene la música. Todo el mundo canta, todo el mundo baila,
sumérgete en un loco romance.
Vamos a estar de fiesta,
karamu, fiesta, para siempre (karamu: fiesta africana).
Ven y canta a coro,
vamos a estar de fiesta,
karamu, fiesta, para siempre.
Ven y canta a coro. Toda la noche -toda la noche-
Una vez que empieces,
no puedes sentarte,
ven, únete a la diversión,
es un tiovivo.
Todo el mundo espanta sus problemas bailando,
ven, únete a nuestra fiesta,
mira cómo tocamos. Oh sí, hoy vamos a hacer una fiesta,
toda la noche -toda la noche-
Toda la gente que conoces,
están tocando en la calle,
toda la noche.
Sí, dije que toda la gente que conoces
está tocando en la calle,
toda la noche.

La imagen puede contener: ‎texto que dice "‎El que tiene que ser diferente no es el 2021... ¡Es Usted! แแא‎"‎

En ‘Up in the air’, George Clooney recurre a una metáfora muy utilizada en psicología: la mochila de la vida. Esa en la que debes meter todas tus posesiones, materiales o no, para comprobar todo el peso que acarreas en tu espalda. Viene a decir, en resumidas cuentas, que a veces nos llenamos de cosas innecesarias, cosas que alguien nos dijo que debíamos tener pero que, en realidad, no sirven de nada.

Imaginen por un segundo que llevan una mochila. Quiero que la llenen con todas las cosas que hay en su vida. Empiecen con las cosas pequeñas, las cosas de los estantes, cajones… Luego las cosas más grandes. Ropa, electrodomésticos, lámpara, televisor de plasma… La mochila comienza a pesar. Sofá, coche, casa… Quiero que lo metan todo en la mochila. Ahora quiero que la llenen con gente. Empiecen por con conocidos casuales, amigos de amigos, gente de la oficina, y luego pasen lentamente a la gente a quienes confían sus más íntimos secretos, hermanos, hermanas, hijos, padres y finalmente esposo, esposa, novio o novia. Métanlos todos en la mochila. Sienten el peso de esta mochila. No se equivoquen, las relaciones son el mayor peso de su vida. Ahora intenten andar. Notarán como el peso nos impide andar deprisa. Mientras más lento nos movemos, más rápido morimos. No se equivoquen, moverse es vivir“.

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Todos Tenemos Que Aprender Alguna Vez

Je vous souhaite des rêves à n’en plus finir.
Et l’envie furieuse d’en réaliser queques-uns.
Je vous souhaite d’aimer ce qu’il faut aimer,
et d’oublier ce qu’il faut oublier.
Je vous souhaite des passions.
Je vous souhaite des silences.
Je vous souhaite des chants d’oiseaux au réveil,
et des rires d’enfants.
Je vous souhaite de respecter les différences des autres parce que le mérite et la valeur de chacun sont souvent à découvrir
Je vous souhaite de résister à l’enlisement,
à l’indifférence
et aux vertus négatives de notre époque.
Je vous souhaite enfin de ne jamais renoncer à la recherche, à l’aventure, à la vie, à l’amour,
car la vie est une magnifique aventure et nul de raisonnable ne doit y renoncer sans livrer une rude bataille.
Je vous souhaite surtout d’être vous, fier de l’être et heureux,
car le bonheur est notre destin véritable. »

Beck.- Everybody´s gotta learn sometime

Te deseo sueños sin fin.
Y el deseo furioso de conseguir unos pocos.
Deseo que ames lo que debas amar
y que olvides lo que debas olvidar.
Te deseo pasiones.
Te deseo silencios.
Te deseo el canto de los pájaros cuando te despiertes
y la risa de los niños.
Deseo que respetes las diferencias de los demás porque muchas veces se descubre el mérito y el valor de cada uno
, quiero que resistas el estancamiento,
la indiferencia
y las virtudes negativas de nuestro tiempo.
Finalmente, deseo que nunca renuncies a la investigación, la aventura, la vida, el amor,
porque la vida es una aventura magnífica y ninguna persona razonable debería renunciar a ella sin librar una dura batalla.
Sobre todo deseo que seas tú mismo, orgulloso y feliz,
porque la felicidad es nuestro verdadero destino. “

(Jacques Brel)

La imagen puede contener: 1 persona, sentado
max Beckmann

El incisivo y personal estilo de Max Beckmann se volvió más suave a partir de mediados de la década de 1920, coincidiendo con el momento en que conoció y contrajo matrimonio con Matilde von Kaulbach, más conocida como Quappi. Los gruesos contornos negros, que en otro tiempo representaron con amargura la sociedad que le rodeaba, delimitan a partir de ese momento los rasgos de su joven y atractiva mujer, a la que retrató en numerosas ocasiones. Vestida a la moda y con un cigarrillo entre los dedos, Quappi se convierte aquí, gracias a la rápida técnica de Beckmann, en el prototipo de la mujer moderna, decidida y segura de sí misma. En una primera sesión, pintada en Frankfurt en 1932, el retrato quedó prácticamente terminado; pero dos años más tarde, durante la estancia de la pareja en Berlín, el pintor introdujo alguna modificación y, como se aprecia a simple vista, cambió la fecha que aparece junto a su firma. Por el testimonio de Stephan Lackner, primer propietario del retrato y buen amigo de Beckmann, sabemos que en la primera versión la sonrisa de Quappi era más amplia, tornándose después en una expresión más seria y comedida. En el intervalo transcurrido entre las dos sesiones, la vida de los Beckmann había sufrido una fuerte transformación. Los nazis habían obligado al pintor a abandonar su cargo de profesor de la academia de Frankfurt y la pareja vivía clandestinamente en Berlín, intentando pasar desapercibida. El 19 de julio de 1937, al día siguiente de la inauguración de la exposición de ‘Arte degenerado’ en la que se exponían varias obras suyas, los Beckmann decidieron salir de Alemania y vivieron durante unos años entre París y Ámsterdam. En 1947 se trasladaron a los Estados Unidos, donde Beckmann ejerció como profesor en San Luis y Nueva York, ciudad en la que murió el 29 de diciembre de 1950, sin haber regresado nunca a su país. ‘Quappi con suéter rosa’ entró en la colección Thyssen en 1969 y forma parte de la colección permanente del museo. Es también una de las obras reunidas en la exposición ‘Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza’ hasta el 14 de marzo de 2021.

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