Un Nuevo Día

“Todos los cambios, aun los más ansiados, llevan consigo cierta melancolía, porque aquello que dejamos es una parte de nosotros mismos: Debemos morir en una vida para entrar en otra”. Anatole France 

Muse – feeling good

Hace unos días circuló en redes sociales una publicación que decía: “Ser excesivamente independientes y autosuficientes es señal de haber sufrido grandes decepciones, a tal punto que sentimos que no podemos confiar en nadie más que nosotros. Pero la verdad es que nos necesitamos; somos interdependientes y no podemos sobrevivir sin la ayuda de los demás”.

 El psicoanalista inglés John Bowlby formuló su teoría del apego, que postula que los vínculos iniciales que se forman entre el niño y sus cuidadores primarios dan paso a modelos internos operantes que se mantienen a lo largo de su vida, teniendo una incidencia a la hora de vincularse de manera afectiva siendo adultos. La psicóloga especializada en apego y miembro del Family Relations Institute, Lorena Soto, explica que la teoría se basa en que establecemos vínculos desde que nacemos con algunas figuras significativas y con ellas vamos configurando la base neurológica de la personalidad. “Estas figuras de apego lo que hacen en enseñarnos a establecer relaciones de intimidad. En ese sentido, los temas no resueltos con nuestros cuidadores primarios van a influir en cómo nos vinculamos después”.

Matamala agrega que hay otras razones por las que un individuo puede mostrarse excesivamente independiente y rehuir de la cercanía, optando por no recurrir nunca a los demás, incluso si de base, y como especie, somos gregarios. “Esta hiperindepenencia puede estar ligada a situaciones traumáticas, de manera inconsciente incluso. Esas experiencias pueden traducirse en una mayor dificultad a la hora de armar proyectos de pareja o de trabajo, o de comprometerse con alguien o algo”, explica el especialista. Porque claro, comprometerse también implica mostrarse vulnerable. “Muchas veces pasa que esta autosuficiencia es producto de una experiencia traumática que vamos silenciando. De ser así, al establecer conexiones de mayor cercanía con otros, inmediatamente sentimos rechazo o una sensación de incomodidad. Al final, son mecanismos de defensa”, reflexiona Matamala. “Porque nuestra historia, experiencias y relaciones tempranas, dan cuenta de cómo nos relacionamos, pero también de cómo de un momento a otro nos empezamos a defender de las experiencias dolorosas. Asumiendo, muchas veces internamente, de que la única forma de hacerlo es dependiendo únicamente de nosotros mismos”.

La mitad de la belleza depende del paisaje;
y la otra mitad de la persona que la mira. . .
Los más brillantes amaneceres;
los más románticos atardeceres;
… los paraísos mas increíbles;
se pueden encontrar siempre en
el rostro de las personas queridas.

Hermann Hesse

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yo no soy yo

Artista canadiense nacido en 1988, Nick Sider, es un pintor acrílico autodidacta que vive en la ciudad de Nueva York  Sider siempre ha mantenido un estilo hiperrealista, intentando crear pinturas que se extienden más allá de lo que una fotografía podría capturar. “Mi momento favorito mientras pinto es cuando un tema en mi lienzo comienza a cobrar vida. ” 

YO NO SOY YO

Soy este
que va a mi lado sin yo verlo;
que, a veces, voy a ver,
y que, a veces, olvido.
El que calla, sereno, cuando hablo,
el que perdona, dulce, cuando odio,
el que pasea por donde no estoy,
el que quedará en pié cuando yo muera.

Juan Ramon Jimenez

Melody Gardot – Once I Was Loved Una vez fui amada
No recuerdo
Cuando era joven
No recuerdo el día en el que vi el sol por primera vez
Pero de lo que estoy segura
Que es suficiente
Recordar que una vez
Una vez fui amada
 Me sigo rindiendo
Ante problemas desconocidos
No tiene sentido pretender que no son míos
Pero de lo que estoy segura
Que es suficiente
Recordar que una vez
Una vez fui amada
 Cuando pasen los años
Lo que representan los años en una vida
¿En qué hemos de convertirnos
cuando alcancemos nuestros últimos días?
Si no podemos rendirnos
Entonces eso es suficiente
 Sólo recordar que una vez
Una vez fuimos amados
Una vez fuimos hermosos
Una vez fuimos amados

Si alguna vez dejamos de hablar, y no sabes cómo regresar, mándame una canción.” Frase de la película Begin Again 

Interesante artículo : Lo original es algo novedoso, que no copia o imita a otra cosa.
Sin embargo, en el arte, para que algo sea original y sea arte al mismo tiempo, tiene que enriquecer la mirada del otro, tiene que ampliar su experiencia.
Si algo es “demasiado nuevo”, demasiado diferente de todo lo visto alguna vez, entonces no se entiende, no tiene sentido, es un delirio.
Entonces: algo original es algo nuevo pero que tiene alguna relación con lo hecho hasta entonces.
Recordemos que, cuando hablamos de crear o tener una idea creativa, nos referimos al resultado de combinar de una manera novedosa cosas que ya son conocidas.
Por eso, en el arte, podemos decir que por lo general la originalidad está dada por la manera en que se combinan las cosas conocidas, y no por aquello que es completamente desconocido.
Eso es una paradoja, algo maravillosamente contradictorio: lo original no es algo del todo original. Las obras originales son “originales en parte”.

Podemos convenir que hay dos caminos por los cuales uno se puede volver original: el haber vivido toda la vida en una caverna (lo que nos volvería originales al punto de que nadie entendería ni siquiera nuestros gritos guturales), o el haberlo conocido todo.
Porque cuando uno comete el error, la falacia, de pensar que no quiere “conocer demasiado” para “no dejarse influenciar”, así es como termina intentando cambiar el mundo con ideas que ya existieron hace mucho y que gran parte del mundo conoce.
Y entonces a uno se le ocurre la genial idea de querer revolucionar el arte pintando una botella de Coca-Cola seis décadas después del nacimiento del arte pop, o de querer revolucionar la literatura hablando de sexo de manera transgresora y con humor, cinco siglos después de Gargantúa y Pantagruel.

En su etapa de formación, el artista se deja influenciar mucho, pero mucho, por todo lo que le gusta. Y en algún momento, de toda esa influencia nacen su propia mirada y su voz original.
Un cuentista uruguayo llamado Horacio Quiroga, maestro del cuento latinoamericano,  dijo que si al principio uno tiene que copiar a otros, pues entonces que copie, porque la obtención de un estilo propio “es una larga paciencia”.
Es que los maestros están para ser superados. Pero mientras uno no los supera, tiene que tomar de ellos todo lo que puede. Sin temor a parecerse en aquellas cosas que le admira al otro. Porque si uno es bueno, ya las superará.
La imagen del artista que tenemos es la de aquél que se lleva el mundo por delante. El genio implacable. Pero nos cuesta entender que ese artista seguramente empezó con humildad y paciencia. Aprendiendo y admirando a otros.
Y ése es el camino: empezar admirando a otros. Porque la realidad es que no ha existido ningún genio que haya empezado por la genialidad. Y mucho menos por la propia.

Damián Poggi

3 minutos de arte
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Irremplazables

Nadie es indispensable, pero todos somos irremplazables. Viktor Frankl 

Eric Zenner

Dicen que antes de entrar en el mar, el río tiembla de miedo; mira para atrás todo el recorrido, las cumbres y las montañas, el largo y sinuoso camino que atravesó entre selvas y pueblos, y ve frente de sí un océano tan grande, que entrar en el sólo puede significar desaparecer para siempre. Pero no existe otra manera. El río no puede volver. Nadie puede volver. Volver atrás es imposible en la existencia. No hay otra manera, el río no puede volver. El río necesita aceptar su naturaleza y entrar al océano. Solamente entrando en el océano se diluirá el miedo. Porque sólo entonces sabrá el río que no se trata de desaparecer en el océano, sino de convertirse en océano. Khalil Gibran

Meimuna – La Javanaise de Serge Gainsboug

Confieso que lo pasé mal, tú no?. Mi amor
Antes de saber de ti. Mi amor
No te ofendas Bailando la javanesa
Nos amamos Lo que dura una canción
En tu opinión, qué hemos visto del amor
Entre tú y yo, sabemos fue un engaño de tu parte. Mi amor
No te ofendas Bailando la javanesa
Nos amamos lo que dura una canción
Desgraciadamente Abril me prometió en vano el amor
Deseaba ver en ti Ese amor
La vida no vale la pena ser vivida Sin amor
Pero fuiste tu quien lo quiso. Mi amor

“El infinito de un junco” Irene Vallejo ya había publicado, sin pena ni gloria, dos novelas y algunos relatos infantiles. Editorialista de El País, le confesó a Borja Hermoso, compañero en El País Semanal, que estaba a punto de dominar, de sofocar, de suprimir sus deseos de convertirse en escritora, para concentrarse en sus investigaciones (es Doctora en Filología Clásica).Pero “El infinito de un junco” le deparó otro destino, y ahora su talento y su libro, ha sido reconocido por el público y por la crítica: Premio Nacional de Ensayo 2020, Premio el Ojo Crítico de Narrativa 2019, Premio Las Librerías Recomiendan de No Ficción 2020, Premio Búho al Mejor Libro de 2019, Premio Acción Cívica, Premio Nacional Promotora de los Estudios Latinos 2019, Premio José Antonio Labordeta 2020, Premio de la Asociación de Librerías de Madrid al Mejor Libro del Año en la categoría de No Ficción… más los que se acumulen. Treinta siglos de historia: de los relatos orales de Homero hasta la invención de la imprenta; desde los libros de humo, pasando por los elaborados con piedra, arcilla; los papiros de juncos, los de piel, la certeza de árboles; la amena crónica de Irene atraviesa territorios de la Grecia antigua, con sus múltiples colonias pasando por Alejandría y su mítica biblioteca y llega al Imperio Romano, para culminar su travesía en los primeros talleres de impresión europeos. Amena mezcla de historia y autobiografía, con anécdotas íntimas y personales, que reflejan su inmenso amor por la palabra, la lectura, los libros, las bibliotecas y librerías; homenaje a aquellos hombres y mujeres que hicieron posible la creación del universo luminoso de la literatura. Lleno de citas, referencias y curiosidades sobre autores literarios y cinematográficos: Borges, Vargas Llosa, Pérez-Reverte, Faulkner y Auster; Tarantino, Scorsese y muchos más, que hacen de “Él infinito de un junco”, más que un ensayo, un recorrido por la historia del libro, un libro de viajes, un maravilloso texto que traspasa géneros. Estilo, ritmo, prosa sensible y exquisita; escritura deliciosa y lectura amena y atractiva; apasionado homenaje al libro, “El infinito de un junco” es un libro emocionante, inesperado, deslumbrante; una lectura muy, pero muy recomendable. . Humberto vela

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En Tí Estás Todo, Mar

Aguadulce

“Todo el mundo dice que el amor duele, pero eso no es verdad. La soledad duele. El rechazo duele. Perder a alguien duele. La envidia duele. Todo el mundo confunde estas cosas con el amor, pero en realidad el amor es la única cosa en este mundo que cubre todo el dolor y hace sentir a alguien maravilloso otra vez. El amor es la única cosa en este mundo que no duele.” Liam Neeson 

Danzón nº 2 Gustavo Dudamel

Danzón No. 2 es una composición orquestal del compositor mejicano Arturo Márquez . Junto con Carlos Chavez ‘s Sinfonía India y Silvestre Revueltas ‘ Sensemaya , Danzón Nº 2 es uno de los más populares y más frecuentemente realizados orquestales mejicanos contemporáneos de música clásica. Ganó gran popularidad en todo el mundo cuando la Orquesta Juvenil Simón Bolívar de Venezuela bajo la dirección de Gustavo Dudamel lo incluyó en su programa para su Europea de 2007 y gira americana.

Escrita para orquesta completa, la pieza presenta solos para clarinete, oboe, piano, violín, corno francés, trompeta, flauta y flautín. La pieza también ha ganado un lugar importante en la literatura moderna de bandas de concierto a través del arreglo de Oliver Nickel.

Danzón No. 2 fue un encargo de la Universidad Nacional Autónoma de Mexico y fue estrenado en 1994 en por la Orquesta Filarmónica de la UNAM bajo la dirección de Francisco Savín . El interés rítmico en la pieza se mantiene mediante el uso de diferentes acentos y tempo . Este elemento básico de la literatura musical mexicana contemporánea expresa y reflexiona sobre el estilo de baile denominado danzón, que tiene sus orígenes en Cuba pero es una parte muy importante del folclore del estado mexicano de Veracruz . La música se inspiró en una visita a un salón de baile en Veracruz.

SOLEDAD

En tí estás todo, mar, y sin embargo,
¡qué sinti estás, qué solo,
qué lejos, siempre, de ti mismo!
Abierto en mil heridas, cada instante,
cual mi frente,
tus olas van, como mis pensamientos,
y vienen, van y vienen,
besándose, apartándose,
con un eterno conocerse,
mar, y desconocerse.
Eres tú, y no lo sabes,
tu corazón te late y no lo sientes…
¡Qué plenitud de soledad, mar solo!.

Juan Ramón Jimenez (de Diario de un poeta recién casado)

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Colores

Nicolas Odinet

“Las mejores personas poseen sensibilidad para la belleza, valor para enfrentar riesgos, disciplina para decir la verdad, capacidad para sacrificarse. Irónicamente, estas virtudes los hacen vulnerables; frecuentemente se les lastima, a veces se les destruye “Ernest Hemingway

Colors – Black Pumas

Hay un sentimiento que es común a todos los mortales y que se ha convertido en un objetivo vital a alcanzar, en un sueño por cumplir; el deseo de ser feliz es el bien inmaterial más codiciado por todos pero, quizás, andamos algo perdidos en eso de cómo conseguirlo.

En un mundo en el que prima lo material por encima de lo sentimental o las posesiones por encima de los valores, el cerebro no nos engaña; lo que tenemos u obtenemos con dinero no es suficiente para que nuestro pensamiento y nuestro yo interno esté totalmente satisfecho.

Alcanzar el éxito profesional, tener un trabajo bien remunerado, tener un piso en la ciudad y un apartamento en la playa, comprar un buen coche, disfrutar de una vida social activa y una vida popular en las redes, son algunas de las falacias que se nos han vendido acerca de la felicidad y que nos hacen sentir huecos y vacíos.

Oriol Lugo y Ana Farré son dos psicólogos de la Universidad Ramón Llul que, basándose en el artículo “Train Your Brain to Get Happy: The Simple Program That Primes Your Grey Cells for Joy, Optimism, and Serenity” de Aubelle, T., Wencl, S. y Reynolds, S, dan algunas claves para entrenar nuestro cerebro con la meta de ser felices.

Según Lugo y Farré deberíamos partir de la base de contemplar la felicidad como un estado mental, formado por emociones tales como la alegría, el optimismo y la serenidad; estos estados y emociones son comunes a todos y se puede trabajar para llegar a sentirlos.

Para ello habría que empezar a tomar conciencia de cómo nos sentimos en cada momento, algo que tendemos a hacer solo en momentos de estrés, ansiedad y miedo por eso de que siempre nos quedamos con lo malo pero, ¿somos realmente conscientes de todos esos micro instantes de felicidad que tenemos?

Saber qué nos hace felices es tan importante o más, que saber qué nos hace infelices En el momento que tenemos perfectamente identificado que nos produce alegría o tristeza, podemos ser capaces de regular niveles de emocionalidad.

Si queremos ser felices, tenemos que focalizarnos hacia esos estados mentales que nos permitan sentirnos bien y repercuten directamente en nuestros estados emocionales.

Este mecanismo no consiste en bloquear o evitar las emociones negativas sino en aceptarlas como algo que ocurre de manera natural.

Para los psicólogos el quid de la cuestión está en lo que denominan como “rutinas de felicidad”buscar tiempo cada día para hacer cosas tan sencillas como leer un libro, escuchar una canción, hablar con un amigo, dar un abrazo o decir a alguien que lo aprecias, son acciones básicas al alcance de todos y que pueden salvar un mal día, pueden equilibrarlo.

Tomarse un tiempo cada día para uno mismo o para uno mismo con los demás, no nos va a convertir en personas felices de la noche a la mañana pero sí, si llegamos a convertirlo en un hábito o en algo rutinario.

En el momento que tengamos instaurados todos estos nuevos hábitos será mucho más fácil mantenerlos; al crear una rutina a nivel neurológico, se forman unas conexiones neuronales mucho más resistentes y ésto hace que podamos acceder a estas pautas de una manera fácil y simple.

Puede parecernos una obviedad todo lo que Lugo y Farré apuntan, pero es que de tan obvio que es, se nos olvida con facilidad, con la misma que nos perdemos en tonterías en el camino recto y llano que hay hacia una felicidad que sí existe y que tenemos al alcance.

El cerebro puede entrenarse para alcanzar la felicidad. Cultura Inquieta

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“No juego según las reglas del juego”

Paris Mayo 2018 Atelier des Lumières 
I don’t know my name – Grace Vanderwaal 
No sé cuál es mi nombre
No juego según las reglas del juego
Así que dices que sólo estoy intentando
Sólo intentando
.

“La forma sin contenido no es una mano sino un guante vacío, lleno de aire.”
Wassily Kandinsky.

Arte abstracto

En azul (1925). Kandinsky

En arte se habla de “figuración” cuando se representan personas y objetos reales y reconocibles. Lo abstracto es lo que se aleja de la figuración. El extremo de la abstracción, o sea la abstracción total, completa, pura, es cuando encontramos formas y colores sin reconocer figuras u objetos del mundo real.

Desde el Renacimiento hasta fines del siglo XIX, el arte occidental se somete a la lógica de la perspectiva y a un intento de imitar lo más posible a la naturaleza. Con el avance de la fotografía, esta necesidad para muchos ya no tiene sentido. Entonces se empieza a simplificar la representación en función de volverla más expresiva, y así la abstracción inicia su camino.

Ya desde la segunda mitad del siglo XIX, el arte de culturas distintas a la europea se vuelve accesible y muestra a los artistas novedosas formas de describir experiencias visuales. Esto también resulta crucial para la abstracción (recordemos, por ejemplo, que en el primer cuadro del cubismo, Las señoritas de Avignon, Picasso es influenciado además de por Cézane por la abstracción en el arte de las máscaras africanas).

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea (elementos esenciales, puros) para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Es más: la obra abstracta entendida de forma estricta (la más extrema, por supuesto) no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma.

El grado de abstracción de una obra puede ser sólo ligera, parcial o completa. A veces reconocemos un objeto, que ha sido simplificado a su forma esencial, y otras veces nos enfrentamos a una abstracción “pura” como la del cuadro que elegimos.

Artistas representativos: Kandinsky, Delaunay, Marc, Mondrian, Malévich, Klee.

Composición 10 (1939).

Con Kandinsky (además de Robert Delaunay y Franz Marc) comienza la abstracción pura (se los toma a ellos como referentes, no fueron los únicos y se han ido descubriendo obras abstractas anteriores a ellos),.

A la abstracción pura la podríamos definir sencillamente como “la pintura que no muestra objetos reconocibles”.

Las imágenes que nos muestran la cosmovisión (la manera propia de ver el mundo) de Kandinsky son abstractas, pero esa abstracción no constituye una meta en sí misma.

Su lenguaje no resulta un lenguaje muerto que no comunica nada más allá de una composición estética. Por el contrario: el lenguaje de Kandinsky transmite vida, el nacimiento de lo nuevo y hermoso a partir del caos del universo.

Wassily Kandinsky es muy cuidadoso a la hora de teorizar o defender un estilo que se impondrá con fuerza para siempre, una nueva concepción de la pintura: si bien propone el hacer a un lado la figuración, a la vez advierte que es un peligro independizar forma y color del contenido.

Por eso aclara: “el color puro y la forma libre, sin contenido, darían como resultado obras tan sólo ornamentales, similares a una corbata o una alfombra”.

La Primera acuarela abstracta. Kandinsky.

Primera acuarela abstracta 

Kandinsky, como él mismo relata, se da cuenta de que la obra puede prescindir del objeto (o sea, puede ser abstracta: donde no hay ninguna forma que represente a un objeto real) debido a una confusión: viendo una exposición en Moscú se encuentra con un cuadro de Monet, uno de la serie de los almiares (pilas de heno) y queda fascinado por esta novedad, la ausencia del objeto, hasta que lee en el catálogo que se trata de un almiar, o sea que no es abstracto. Sin embargo, es una experiencia tan decisiva para él que alguna vez propondrá que se llame a aquel cuadro impresionista “el primer cuadro abstracto”.

Más tarde, cuando la abstracción está en auge, y aparentemente para zanjar la controversia sobre quién es el primer pintor abstracto, él llama a este cuadro (al que los especialistas ubican por 1913)  Primera acuarela abstracta y dice que lo pintó en 1910 (y lo firma con esa fecha).

Como nota de color, mucho más tarde se descubrirá que, de todos los “padres de la abstracción” (donde además de Kandinsky están Marc, Delaunay, Mondrian y otros), parece que el primero no fue un padre sino una madre: Hilma af Klint.

Pero bueno, no es tan crucial dilucidar esa cuestión de reivindicaciones, sino comprender la importancia de la abstracción en su momento histórico, cuando el artista definitivamente está dejando de representar el mundo que lo rodea, para “expresar” en cambio su mundo interior.

Kandinsky sostiene en sus escritos teóricos que el arte debe ser una experiencia espiritual, y la abstracción total (las formas y colores que no representan ningún objeto en particular) tienen una cualidad expresiva propia y a la vez muy poderosa para transmitir esa experiencia. Tal es así que relaciona esas formas y colores con las notas musicales.

El artista ya no necesita contar cómo se siente o cómo ve el mundo “transformando” o “desfigurando” ese mundo a partir de sus emociones, sino que con colores, manchas y formas, pinta esas emociones “directamente”.

Hilma af Klint (1862-1944).

Serie VII. Nº 7d (1920)

Hilma af Klint (1862-1944).

En el siglo XX, el artista no sólo deja de representar “la naturaleza” (el mundo exterior a él) para expresar su mundo interior, su visión personal, sino que incluso llega al punto de “prescindir del objeto” (que haya objetos reconocibles en su arte). El artista empieza a expresarse con la abstracción: colores, manchas, figuras geométricas.

Muchos se han atribuido el mérito de ser iniciadores de la abstracción. Es difícil determinarlo y también es relativo el mérito. Los padres de la abstracción son muchos, aunque consideramos que Kandinsky es quien se dio cuenta racionalmente del valioso potencial de la abstracción, y además fue el gran teorizador sobre el tema.

Sin embargo, hubo un secreto bien escondido que salió a la luz muchas décadas después.

Hilma af Klint (sí, con “n”) es una pintora sueca desconocida en el gran mundo del arte, que ya pinta abstracciones varios años antes incluso que Kandinsky (el cuadro que elegimos es de 1920, pero han quedado abstracciones de ella al menos desde 1906).

Hacia afuera, pinta y vende paisajes y estudios anatómicos para un instituto veterinario. Pero interesada en el espiritismo y las disciplinas que permiten conectar con el más allá o tener “revelaciones”, en secreto intenta representar el cosmos, el orden universal, con figuras, líneas y colores (lo que nos hace recordar a Mondrian y sus representaciones geométricas en busca de la armonía del universo).

También se cuenta que ella llega a confesar que su obra le es dictada por “seres superiores”, extraterrestres.

Hilma será “desconocida” hasta 1986. Su obra es un secreto que permanecerá oculto debido a una curiosa razón: sin haber expuesto nunca las abstracciones, deja claras instrucciones que no podrán exponerse hasta 20 años después de su muerte. Está convencida de que el mundo no se encuentra preparado para comprenderlas.

Hilma fallece en 1944, pero el secreto se mantendrá mucho más que 20 años ¿El motivo?: quienes heredan su legado no imaginan que éste tenga “alguna importancia”.
Entonces nos volvemos a acordar de aquella frase que dice que “cuando nace un genio, se lo reconoce porque todos los necios se conjuran contra él”.

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La Vida Está Esperando

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Avogado6

“Cuando asumas tu responsabilidad, restaré los agravios y el resultado será igual a cero”. Julio Cortázar

Kina Grannis – In The Waiting

Las increíbles imágenes ganadoras de los Sony World Photo Awards 2021


Photo of the Year

Organizado por la Organización Mundial de Fotografía, el concurso abierto anual selecciona “las mejores imágenes individuales” en categorías como viajes, arquitectura y fotografía callejera. El fotógrafo vietnamita Khanh Phan ganó la categoría de viaje por una instantánea en la que aparece una mujer rodeada de pescado secándose, que fue tomada en el mercado de pescado de Long Hai en Ba Ria-Vung Tau, Vietnam.

Khanh Phan

Khanh Phan

Categoría: Viajes

Fotógrafo: Khanh Phan (Vietnam)

Drying Fish, una fotografía de una mujer solitaria rodeada de cientos de bandejas de pescado seco en el mercado de pescado de Long Hai en Ba Ria – Vung Tau, Vietnam. Tomado desde arriba, el pescado en bandejas se asemeja a un gran trozo de tela con la mujer aparentemente tejiéndolo todo junto.


Los trabajos ganadores y finalistas se presentarán en forma de una exposición virtual que se podrá ver a través del sitio web de la Organización Mundial de la Fotografía a partir del mismo 15 de abril, Día Mundial del Arte.


Puedes ver aquí a los ganadores y fotógrafos seleccionados en el concurso Open de los Sony World Photography Awards 2021. Las 10 primeras fotos son de los ganadores. Las siguientes, de los finalistas.VER 18 FOTOSSarah Romero22/03/2021

Klaus Lenzen

Klaus Lenzen

Categoría Arquitectura

Premio: Ganador

Fotógrafo: Klaus Lenzen (Alemania).

The Blue Window, que representa una rampa de escaleras en el hotel Hyatt de Düsseldorf que asciende hacia una ventana desde la que se refleja una vista de un cielo azul claro. Aparentemente flotando en el espacio, las escaleras y la ventana están enmarcadas en sombras oscuras que resaltan el diseño al tiempo que añaden un elemento de surrealismo.

Sony World Photography Awards 2021

Tamary Kudita

Tamary Kudita

Categoría: Creatividad

Fotógrafo: Tamary Kudita, Zimbawe

Victoriana africana, un retrato de una joven negra vestida con traje victoriano y sosteniendo utensilios de cocina tradicionales Shona. La imagen explora la contextualización estereotipada del cuerpo femenino negro y ofrece un lenguaje visual alternativo a través del cual se presenta una identidad africana multifacética.

Sony World Photography Awards 2021

Juan López Ruiz

Juan López Ruiz

Categoría: Paisajes

Fotógrafo: Juan López Ruiz (España).

 Tormenta eléctrica sobre lavanda, una fotografía dramática que captura el momento en que un rayo cae sobre un campo floreciente de lavanda con un árbol solitario en el centro, contra el cielo oscuro del atardecer. Tomada en la provincia de Guadalajara, España.

Sony World Photography Awards 2021

Marijo Maduna

Marijo Maduna

Categoría: Movimiento

Fotógrafo: Marijo Maduna (Croacia)

Girl Power, una fotografía en blanco y negro que registra el momento en que una mujer se zambulle por un acantilado en la isla de Lokrum cerca de Dubrovnik, Croacia, mientras sus amigos esperan y miran.

Sony World Photography Awards 2021

Cristo Pihlamäe

Cristo Pihlamäe

Categoría: Naturaleza y Vida salvaje

Fotógrafo: Cristo Pihlamäe (Estonia)

Little Kiss, una divertida imagen de una liebre mirando hacia el campo con la lengua fuera.

Sony World Photography Awards 2021

Kata Zih

Kata Zih

Categoría: Objetos

Fotógrafo: Kata Zih (Hungría)

Memento, que representa un maniquí de sastre en una habitación vacía. Para Zih, la quietud de la escena evoca un sentimiento de soledad y despierta recuerdos del encierro.

Sony World Photography Awards 2021

F.Dilek Uyar

F.Dilek Uyar

Categoría: Fotografía callejera

Fotógrafo: F.Dilek Uyar

Desinfección, una imagen cinematográfica que documenta a un empleado de la unidad de Asuntos de Salud del municipio de Ankara con equipo de protección caminando a lo largo de la plataforma del tren mientras la rocía con desinfectante.

Sony World Photography Awards 2021

Joaquín Marco

Joaquín Marco

Categoría: Paisajes

Fotógrafo: Joaquín Marco (España)

Foto: Golden Lands

Sony World Photography Awards 2021

Maximilien Diaz

Maximilien Diaz

Categoría: Creatividad

Fotógrafo: Maximilien Diaz (Francia)

Sony World Photography Awards 2021

James Rushforth

James Rushforth

Categoría: Paisajes

Fotógrafo: James Rushforth (Reino Unido)

Sony World Photography Awards 2021

Kylli Sparre

Kylli Sparre

Categoría: Creatividad

Fotógrafo: Kylli Sparre

Sony World Photography Awards 2021

Zhang Weijian

Zhang Weijian

Categoría: Fotografía callejera

Fotógrafo: Zhang Weijian (China)

Sony World Photography Awards 2021

Yukihito Ono

Yukihito Ono

Categoría: Viajes

Fotógrafo: Yukihito Ono (Japón)

SARAH ROMERO

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“En busca de la ternura perdida”

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Foto de Pablo Chernobyl 2020
Dr Hook- Sylvias Mother with

Pocos escritores como Haruki Murakami han gozado de un éxito tan continuado en las librerías de nuestro país, y que sea un autor japonés lo hace aún más notable. ¿Qué tiene el autor de Tokio Blues para conectar de forma tan extraordinaria con un público a 10.000 kilómetros de los escenarios e historias que describe? Algunos críticos literarios afirman que su éxito reside en que es narrativa japonesa para occidentales, motivo por el que Murakami tiene muchos detractores en su propio país. Otros apuntan a que sus tramas suelen ser sencillas y con pocos personajes, con el grado justo de misterio y giros narrativos. Es muy improbable que alguien se pierda en sus novelas.

Sin embargo, eso no basta para explicar el furor que causan entre nosotros sus historias, llenas de extraños acontecimientos, golpes del azar, amantes inesperados, música clásica —o jazz— y algún que otro gato. ¿No será que Murakami está plasmando desde su particular mirada nuestra vida actual? Veamos de qué manera, entonces, su lectura nos enseña a vivir:

1. La soledad es la mejor vía al conocimiento. En más de una novela de Murakami, el protagonista emprende un viaje en solitario para escapar de la confusión vital. En el caso del joven fugitivo de Kafka en la orilla, eso le permitirá acceder a aspectos desconocidos de sí mismo. Cuando nos vemos enfrentados a la soledad tras una separación o muerte, o cuando la buscamos a través de un viaje iniciático, afloran partes de nosotros que antes estaban soterradas. Sin la protección y el ruido de los demás, el encuentro con uno mismo es inevitable, con lo que damos un salto hacia adelante en nuestra propia evolución.

2. El mundo es imprevisible. La segunda lección vital que extraemos de sus novelas es que la vida siempre nos sorprende. Por lo tanto, es absurdo tratar de controlarla o angustiarnos ante posibles amenazas. En la última novela de Murakami, la extensa La muerte del comendador, un pintor de vida estable y acomodada recibe la noticia de que su mujer quiere separarse porque ha tenido un sueño que la empuja a tomar esa decisión. Cuando el pintor le pregunta de qué iba ese sueño, ella le dice que es algo demasiado personal. Si solo podemos esperar lo inesperado, es inútil hacer predicciones. Y eso puede ser un gran calmante para le mente En cuanto a los porqués que pueden surgir para torturarnos, eso nos lleva a la siguiente lección.

3. No busques un sentido. Los argumentos de Murakami se desarrollan en un mundo de caos y aleatoriedad. Muchas veces ni siquiera es posible culpar a nadie del sufrimiento, lo cual es una buena noticia. Tal como decía Viktor Frankl, el ser humano va en busca de sentido, pero gran parte de las cosas que nos suceden no lo tienen. Como en las novelas del autor japonés, muchas veces sentiremos que nuestra vida es un sueño donde las cosas suceden sin razón aparente. Podemos afrontar este hecho con dos actitudes opuestas: podemos lamentarnos de lo injusto o absurdo que es el mundo o bien surfear las olas que nos trae la existencia. De eso va la cuarta lección.

4. Si sobrevives al caos, ya has ganado. Dado que afrontamos solos muchos lances de nuestra existencia, si sabemos además que todo es imprevisible y que las cosas no tienen por qué tener un sentido, tal vez el arte de vivir sea salir lo mejor librados posible. Venimos al mundo a experimentar cosas, a tropezar y a resolver problemas, como hacen los personajes de Murakami. El premio es seguir adelante en la partida.

5. El orgullo y el miedo nos quitan lo mejor de la vida. En su ensayo De qué hablo cuando hablo de escribir, Murakami menciona una anécdota tan mágica como triste. Al parecer, en 1922 James Joyce y Marcel Proust coincidieron en un mismo restaurante de París, donde cenaron en mesas cercanas. Los comensales que los reconocieron estaban emocionados, esperando que aquellos gigantes de la literatura empezaran a debatir. Nada sucedió. En palabras del japonés: “La velada tocó a su fin sin que ninguno de los dos se dignase dirigir la palabra al otro. Imagino que fue el orgullo lo que frustró una simple charla, y eso es algo muy frecuente”.

¿Cuántas veces nos hemos perdido una oportunidad, personal o profesional, por no haber dado el paso? Se trate de orgullo, como interpreta Murakami, o de miedo a ser rechazados, al contenernos tal vez dejemos la más bella página de nuestra historia por escribir.

En busca de la ternura perdida

— Tal y como comenta Carme García Gomila en un ensayo para Temas de Psicoanálisis, la soledad de los personajes de Murakami va más allá de las “relaciones líquidas”, el concepto del sociólogo Zygmunt Bauman para explicar el fin de los víncu­los “para toda la vida” en un mundo en el que el amor se ha vuelto provisional y precario.
— Según García Gomila, bajo la rigidez de la sociedad japonesa late una ternura etérea, casi indetectable, pues está largamente reprimida en el alma japonesa y tal vez actualmente en la occidental. Las peripecias de los personajes de Murakami, en ese sentido, son una búsqueda deses­perada de esa ternura que, con suerte, algún día tuvieron —quizás a través de su madre— y que se oculta dormida en el fondo de su alma.

Francesc Miralles es escritor y periodista experto en psicología.

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Un Largo y Sinuoso Camino de Vuelta a Casa

The Beatles – The Long And Winding Road
Puede ser una imagen de cielo, naturaleza, crepúsculo, masa de agua y texto que dice "Ignacio JS"
Almeria foto de Ignacio JS

Bertrand Russell (1872-1970) fue un filósofo, matemático y escritor británico ganador del premio Nobel de Literatura en 1950 y conocido por su influencia en la filosofía analítica, sus trabajos matemáticos y su activismo social. Autor de numerosas obras, destacan, entre otras, La conquista de la felicidad y Los caminos de la libertad.

  1. La mejor prueba de que algo puede hacerse es que antes alguien ya lo hizo.

Si el de enfrente puede, tú también puedes. No lo dudes. Entre una persona y otra no hay desventajas, sólo existe la determinación, la voluntad, el método y la paciencia. No te dejes adocenar por las opiniones derrotistas de terceros; no te dejes derrocar por las lamentaciones comodonas. Don Quijote se lo decía a su escudero Sancho Panza con precisión: «Sábete Sancho, que no hay un hombre que sea más que otro, sino que hace más que otro».

  1. Vivir como uno desee: sólo eso merece llamarse éxito.

Deja de conformarte con menos de lo que deseas. ¿Por qué hacerlo? Uno tiene dos opciones: conformarse con lo razonable y posible o desarrollar las habilidades y adquirir los conocimientos necesarios para llevar la vida que se desea. Vive tu sueño si no quieres acabar soñando tu vida. Y, para ello, tu mejor aliado es tu capacidad de aprender. Conformarte es renunciar a todo el potencial que albergas dentro de ti. No hay nada peor en la vida que conformarse. Te instala en la senda de lo rutinario: repetición diaria de actividades y tareas.

Pero, ojo, no es lo mismo rutinario que rutina. Las personas de éxito tienen rutinas, pero no son rutinarias. Las rutinas son algo bueno, son la expresión de tu disciplina y de tu capacidad de organización.

  1. Conquistar el miedo es el inicio de la riqueza.

Porque, cuando se conquista el miedo, cualquier logro está a nuestro alcance. Lo apuntaba el escritor Frank Herbert: «Allá donde haya pasado el miedo ya no habrá nada. Sólo estaré yo». Lo peor del miedo es que te derrota antes de luchar, y sin ni siquiera haberlo intentando. Y eso es triste. El miedo te hace ver cualquier dificultad mucho más grande de lo que es. El miedo nos hace sentirnos más pequeños de lo que somos. Y genera una gran frustración al no atrevernos a hacer muchas cosas que nos gustaría hacer. Pero no niegues el miedo, nunca desaparece; teme el no lanzarte a conquistarlo. Si conquistas el miedo, el mundo te abre sus brazos.

  1. El entusiasmo es un motor sencillamente indispensable para la perfección.

Sin entusiasmo, nada grande se ha logrado en la vida. Si no te brillan los ojos, es complicado que te ocurran cosas extraordinarias. Si tu mirada está apagada, si tu energía es débil, si tu espíritu está alicaído, ¿qué esperas conseguir? Cuando la ilusión no está inmersa en el proyecto que se tiene entre manos, es el momento de empezar a buscarse otro, o los resultados se resentirán. El entusiasmo es una fuerza imparable que nos arrastra a poner el foco en las soluciones sin dejarnos atenazar por los obstáculos. El entusiasmo es lo que invita a seguir cuando todo anima a abandonar.

  1. Los educadores, más que cualquier otra clase de profesionales, son los guardianes de la civilización.

El futuro está en manos de la juventud, pero la juventud está en manos de quien la forme. La educación marca, modula, perfila y esculpe nuestra forma de ser. En gran medida, uno es lo que es su niñez. Somos una proyección de nuestros primeros pasos. Los episodios iniciales de la vida son decisivos en la edificación de la personalidad. En ellos se sientan las bases de lo que será la persona adulta, de ahí la importancia de la educación. En Utopía, Tomás Moro escribía: «Si toleráis que vuestro pueblo esté mal educado y sus modales corruptos desde la infancia, y después los condenáis por los crímenes a los que su primitiva educación les ha abocado, se llega a la terrible conclusión de que primero los hacéis ladrones y los castigáis después». Formar niños es más inteligente que enderezar adultos. Modificar algo casi siempre es más complicado que construirlo desde cero.

  1. Lo más difícil de aprender en la vida es qué puente hay que cruzar y qué puente hay que quemar.

Y eso sólo lo aporta la experiencia. Las respuestas se van encontrando a medida que uno va haciendo el camino. Después de haber pegado muchos tiros se empieza a ajustar el disparo con mayor precisión. Si evitas equivocarte, nunca crecerás. Tienes que exponerte a la realidad, vivirla y sufrirla. No evites situaciones incómodas, si lo haces, quedarás estancado. No hay crecimiento sin un cierto sufrimiento. La experiencia de los demás sirve para allanar el trayecto, pero nunca para suplirlo. Existen situaciones parecidas, pero nunca repetidas. La verdad tiene que ser vivida, nunca puede ser enseñada.

  1. Carecer de algunas de las cosas que uno desea es condición indispensable de la felicidad.

Porque si uno lo tuviese todo, se acabarían los retos. Y los retos son los que tiran de nosotros hacia delante. Una persona que no tiene ilusiones y proyectos por materializar entra en depresión. Y ¿qué es la depresión? La ausencia de futuro, de eso por lo que merece la pena luchar y que nos hace levantarnos todos los días de la cama. El hombre vive en el presente, pero proyectándose siempre hacia el futuro. El futuro es ilusión, y la ilusión es lo que nos mantiene vivos. Una persona sin ilusión no vive, sobrevive, está derrotada de antemano, disecada de espíritu. Sin alicientes, la sensación de vacío es grande. Sin ilusión, la persona existe en «cuerpo», pero no en «alma».

  1. Gran parte de las dificultades por las que atraviesa el mundo se deben a que los ignorantes están completamente seguros y los inteligentes llenos de dudas.

Lo que demuestra de nuevo que tener fe en lo que uno hace, aunque sea equivocado, es a veces suficiente para avanzar. La fe mueve montañas. Y lo que hay que aprender es a creer más en uno mismo, porque otros con menos habilidades y conocimientos, pero con más seguridad en si mismos, acaban ocupando plaza en la pole position de muchas organizaciones. Ningún logro está fuera de nuestro alcance cuando se tiene fe. Es la única seguridad verdadera con la que cuenta una persona.

     9. Nunca moriría por mis creencias, porque podría estar equivocado.

Estar dispuesto a cambiar es de personas inteligentes. El inconsciente gobierna nuestra vida, y el inconsciente está formado por nuestras creencias, muchas de las cuales son falsas aunque las demos por ciertas. Tener una actitud de apertura ante todo y todos nos sitúa en mejores condiciones para seguir creciendo. Como ya dijese Keynes, «lo más difícil del mundo no es que la gente acepte nuevas ideas, sino que olvide las antiguas»; algo parecido a lo que pensaba Goethe: «Ten cuidado con lo que aprendes que no podrás olvidarlo». Estar abiertos al «desaprendizaje» es absolutamente imprescindible para que el verdadero aprendizaje tenga lugar. Muchas veces, lo que pensamos que conocemos es lo que realmente nos impide aprender.

  1. Quienes dejan de fijarse en el polvo que no se ha limpiado, en las patatas que la cocinera no ha cocinado o en el hollín que el deshollinador no ha deshollinado, notarán que la vida es mucho más agradable que cuando se sentían constantemente preocupados o irritados por estas cosas.

Relativizar es especialmente recomendable para el bienestar emocional. La perfección resulta a menudo una carga demasiado pesada para la felicidad. Relajarse y tomarse las cosas con más calma, tanto con uno mismo como con los demás, nos hace disfrutar más de la vida. El arte de vivir es el arte de no amargarse la existencia..

Aula Intelimundo

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Recordar desde Lejos

Chernobyl. Foto de Pablo Moreno 2020
Chiara Civello – Io che non vivo senza te ft. Gilberto Gil

No le reprocho a la primavera
que llegue de nuevo.
No me quejo de que cumpla
como todos los años
con sus obligaciones.

Comprendo que mi tristeza
no frenará la hierba.
Si los tallos vacilan
será sólo por el viento.

No me causa dolor
que los sotos de alisos
recuperen su murmullo.

Me doy por enterada
de que, como si vivieras,
la orilla de cierto lago
es tan bella como era.

No le guardo rencor
a la vista por la vista
de una bahía deslumbrante.

Puedo incluso imaginarme
que otros, no nosotros,
estén sentados ahora mismo
sobre el abedul derribado.

Respeto su derecho
a reír, a susurrar
y a quedarse felices en silencio.

Supongo incluso
que los une el amor
y que él la abraza a ella
con brazos llenos de vida
.

Algo nuevo, como un trino,
comienza a gorgotear entre los juncos.
Sinceramente les deseo
que lo escuchen.

No exijo ningún cambio
de las olas a la orilla,
ligeras o perezosas,
pero nunca obedientes.
Nada le pido
a las aguas junto al bosque,
a veces esmeralda,
a veces zafiro,
a veces negras
.

Una cosa no acepto.
Volver a ese lugar.
Renuncio al privilegio
de la presencia
.

Te he sobrevivido suficiente
como para recordar desde lejos.

DESPEDIDA DE UN PAISAJE Wislawa Szymborska

¿Qué sería de las películas sin sus bandas sonoras? ¿Sin las canciones apropiadas en las escenas clave? Que la música es una parte muy importante de ellas es un hecho. Algunos directores juegan con ella con tal acierto, que son tan reconocidos por la música de sus cintas como por sus películas en sí mismas.

Recogemos en este listado los nombres de algunos directores que han demostrado un gusto musical impecable, convirtiendo a la música en otra protagonista más de sus películas:

11. Wim Wenders

Wim Wenders rindió homenaje al blues en su película documental The Soul of a Man, en el centenario del descubrimiento de este género musical.
Wenders alcanzó con Buena Vista Social Club, en 1999, gran reconocimiento por la difusión de la música cubana.

Para el director alemán es arbitrario separar el cine de la música. “Con Buena Vista Social Club, BAP-Film y con The Soul of a Man he realizado tres películas sobre música en los últimos cinco años y “nunca he separado ambos géneros artísticos en mi trabajo, porque considero que los dos son buenos instrumentos para contar historias”, señaló Wender.

“La música fue y es para mí siempre una parte esencial de un filme y no un mero ingrediente”, subrayó el fantástico director alemán.

10. Lars von Trier

Tan odiado como amado, hay algo indiscutible en su filmografía: el uso más creativo de la música.

Además de la decisión de Björk no volver a actuar tras su rodaje, el título “Dancer in the Dark” nos dejó “Selmasongs”, el álbum de la banda sonora que refleja a la perfección el sufrimiento del personaje de la cantante y que consiguió un Oscar por su canción “He visto todo”.

Otro gran acierto musical del von Trier fue el uso del preludio de Richard Wagner a “Tristan e Isolda” en la película “Melancholia”, editando algunas partes al ritmo de la música.

9. Wes Anderson

El estadounidense puede presumir no solo de un estilo visual muy particular, sino también de un gusto musical propio en el que frecuenta la música pop de los sesenta y setenta.

David Bowie es fuente de inspiración en “The Life Aquatic with Steve Zissou” con algunos éxitos como “Life on Mars” y “Queen Bitch”, aunque también hay lugar para sus interpretaciones en vivo o su versión en portugués.

La debilidad del director por el rock clásico se evidencia a través del gran número de canciones icónicas de este género en todas sus películas, con especial predilección por los Rolling Stones, como gran fan suyo que es.

8. Wong Kar-wai

El de Hong Kong tiene su propio método o más bien su falta de él, porque dirige de forma orgánica, sin guión alguno y basándose en el estado de ánimo y la improvisación. De esta forma introduce también la música en sus montajes, utilizándola como parte esencial de la trama y dejando que marque el ritmo.

Inolvidable es “Yumeji’s Theme”, tema central de la película “In the Mood For Love” en la como una protagonista más la pieza se va alargando a medida que la historia entre los personajes va evolucionando.

7. Andrei Tarkovsky

Considerado como uno de los mejores directores de todos los tiempos, por su estructura y temática, el cine de Tarkovsky es cualquier cosa menos convencional.

Lo mismo sucede con su música, su uso es minimalista, natural y siempre lo más fiel a la realidad posible. La expresión de metáforas, el enriquecimiento y su conexión entre película y público son su única misión.

El compositor Eduard Artemyev ha sido su colaborador en las bandas sonoras de sus películas “Solaris”, “The Mirror” y “Stalker”.

6. Jim Jarmusch

Es músico, por lo que era inevitable que pusiera el acento en lo musical y en el audio en general, empezando porque es contrario a que sus películas sean dobladas.

Lo hace para asegurarse que nadie más pueda cambiar ni traducir las canciones de sus cintas.

En “Stranger Than Paradise” la banda sonora fue escrita por John Lurie, quien también protagoniza la película y el mítico “I Put a Spell on You” de Screamin que se llega a citar en uno de los diálogos de la película.

Pero, sin duda, su gran influencia musical viene de la mano de Elvis Presley, también conocido como “el Rey”, omnipresente en “Mystery Train”.

5. Edgar Wright

La mayor muestra de sus influencias musicales está presente en “Baby Driver” (2017) dónde la música actúa como otro personaje más, pues siempre hay al menos uno de los actores y actrices que la escucha.

“Bellbottoms” de Jon Spencer Blues Explosion, BABY” de Carla Thomas y “Harlem Shuffle” de Bob y Earl, Deborah” de T. Rex y “Debra” de Beck forman la personalidad de esta otra protagonista.

4. Quentin Tarantino

No es un secreto que Tarantino es lo que se dice un fanático de la música. Gracias a ello nos ha regalado algunos de los momentos más memorables del cine y canciones que han quedado para siempre en nuestra memoria.

Frente a un gusto musical exquisito, su método de selección de música no puede ser más sencillo. Simplemente se limita a reproducir cosas de su discografía durante el proceso de escritura de una película hasta que algo en su cabeza hace clic al encontrar los temas apropiados.

“Across 110th Street” de Bobby Womack, tema de los créditos iniciales —canciones a las que presta especial atención— de “Jackie Brown”; por supuesto la inolvidable versión estadounidense de surf rock de “Misirlou” de Dick Dale, protagonista absoluta en “Pulp Fiction”; “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)” de Nancy Sinatra o “El odioso ocho” del gran Ennio Morricone son algunas de las canciones eternas de sus películas. 

3. Hermanos Coen

Tienen el don de asociar escenas con la canción perfecta y unas influencias melódicas de lo más variadas.

Es el caso de “Just Drop In” en “The Big Lebowski” —probablemente una de las películas de culto más importantes de la historia— o del tema “I am a Man of Constant Sorrow” en “O Brother, Where Art Thou?”. Esta última no solamente se convirtió en éxito de ventas, sino que fue galardonada con el Grammy al Álbum del año.

2. Stanley Kubrick

El que fuera uno de los mejores cineastas de la historia del cine es conocido por su perfeccionismo. Sus métodos dirigiendo han sido a menudo cuestionados por el estrés al que sometía a sus actores para asegurarse la toma perfecta.

Lo mismo le sucedía con la música, su melomanía era tal que cuentan que se pasaba semanas enteras buscando la pieza musical adecuada para sus escenas.

A destacar la banda sonora de una de sus obras maestras: “2001: A Space Odyssey”, compuesta finalmente por piezas como “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss y “Lux Aeterna” de György Ligeti, a pesar de haber encargado la composición de su música inicialmente.

1. Martin Scorserse 

Nombre capital del cine, referente para infinidad de cineastas, Scorsese ha influenciado a muchos en lo referente al uso de la música en el cine. Más allá de crear el ambiente, su selección musical influyen activamente en la acción de cada una de sus películas. Scorsese plantea las escenas en función de la música, no al revés.

Incluso años antes de empezar a rodar una película, él ya tiene en su cabeza cuál es la canción exactamente que va a usar.

Así fue con “Jumping Jack Flash” de los Rolling Stones en “Mean Streets”. Los Stones están también en el centro de algunas otras de Scorsese como “Casino”, “The Departed” o “Goodfellas”.

Por cierto que en esta última “And Then He Kissed Me” de The Crystals tuvo el desafío de acompañar una de las tomas más largas de la historia del cine. Mítico es también el “Be My Baby” de The Ronettes en la secuencia de apertura de “Mean Streets”.

h/t: Taste of cinema 

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