“La mirada”

“Todos necesitamos que alguien nos mire. Sería posible dividirnos en cuatro categorías, según el tipo de mirada bajo la cual queremos vivir: La primera categoría anhela la mirada de una cantidad infinita de ojos anónimos, o dicho de otro modo, la mirada del público. La segunda categoría la forman los que necesitan para vivir la mirada de muchos ojos conocidos. Estos son los incansables organizadores de cócteles y cenas. Luego está la tercera categoría, los que necesitan de la mirada de la persona amada. Y hay también una cuarta categoría, la más preciada, la de quienes viven bajo la mirada imaginaria de personas ausentes. Son los soñadores”.

“La insoportable levedad del ser”, Milan Kunder

Lineup Mark Tennant

Mark Tennant es un pintor estadounidense contemporáneo. Con una gran comprensión de la forma, la luz, la sombra y el color,
Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk . Leave the Door Open 

El existencialismo es una filosofía ética que cree que los humanos prosperan más cuando son tratados como adultos maduros. Es una escuela de pensamiento que fomenta la reflexión personal, la autodeterminación y la superación personal. La virtud de la ética existencialista es que da cuenta de la individualidad en el mundo. No espera que las personas piensen o actúen de la misma manera, sino que las alienta a aceptar su singularidad. Desarrolla tu legítima rareza. En última instancia, el existencialismo ve al individuo real y concreto como la fuente de todo valor y significado en la vida. 

Si bien cada intento de llegar a una definición única captura algún aspecto de la naturaleza de la humanidad, estas simples respuestas no parecen que se ajusten realmente a nadie. El existencialismo, por el contrario, adopta un enfoque único de la cuestión de la existencia humana. ¿Cómo? Negándose a reducir la humanidad a una sola definición. 
En otras palabras, la forma en que los seres humanos piensan sobre sí mismos y el significado que atribuyen a sus vidas nunca es fija, sino que cambia constantemente.

Entonces, en un momento, puedes pensar en ti mismo como un amante para tu pareja y en el siguiente, como un padre para tu hijo. En un momento eres un empleado de tu empresa y al siguiente eres un ciudadano del mundo. Y está bien.

Esto es lo que quieren decir cuando dicen existencialistas seres humanos son esencialmente nada o, más literalmente, ninguna cosa . Debido a que las cosas tienden a permanecer igual con el tiempo, mientras que los humanos nunca se asientan, los humanos no son cosas.

Esto puede resultar molesto para filósofos, teólogos y científicos que quieren una respuesta clara a la pregunta de qué son los seres humanos. Pero, en realidad, no tener una identidad fija es algo bueno porque es la base de un tipo radical de libertad.  Hemos llegado a la conclusión de que los seres humanos son capaces de cambiar y mejorarse a sí mismos.


A pesar de sus diferencias, todas las doctrinas morales son iguales en su intento de reducir la complejidad de la vida humana a un modelo ya elaborado de reglas y valores que se pueden aplicar a cada situación. El existencialismo no funciona de esa manera. La vida es complicada. E, incluso con pautas éticas, no siempre está claro cómo debemos actuar en una situación determinada. En lugar de intentar negar la complejidad de las situaciones en las que nos encontramos, como hacen las doctrinas morales, los existencialistas nos piden que enfrentemos la complejidad de frente. 

Entonces, en lugar de prescribir reglas particulares de acción, los existencialistas dicen que lo mejor que podemos hacer es tratar cada situación como única y reflexionar cuidadosamente antes de actuar.
 Para un existencialista, no se trata de determinar qué no es una solución correcta. El punto es que tú eres responsable de tus acciones, por lo que será mejor que evalúes cuidadosamente tus opciones antes de decidir qué hacer.

MUHIMU

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“Que qué me pasa, dicen”

Deja que se vayan, Lucía – dijo la abuela desde algún lugar
-¿Quiénes?
-¡Las lágrimas! A veces parece que son tantas que sientes que te vas a ahogar con ellas, pero no es así.
-¿Crees que un día dejarán de salir?
-¡Claro! – respondió la abuela con una sonrisa dulce -. Las lágrimas no se quedan demasiado tiempo, cumplen su trabajo y luego siguen su camino.
-¿Y qué trabajo cumplen?
-¡Son agua, Lucía! Limpian, aclaran… Como la lluvia. Todo se ve distinto después de la lluvia…

La lluvia sabe porqué, de María Fernanda Heredia

No Olvido… El trato Alejandro Sanz
Dime cómo era el trato
Dime cómo era el trato
Bendito trato
Que dura un rato
El trato era que nos quisiéramos sin el permiso del cielo
El trato
El trato era que nos amaramos aunque nos mandara al infierno
El trato era que el trato era sagrado y ahora niña, se ha muerto
Que qué me pasa dice
Que qué me pasa dicen

La topografía de las lágrimas.

The Topography of Tears .“Topografía de las Lágrimas” de Rose Lynn Fisher por medio de un estudio fotográfico de más de cien lágrimas con diferentes estados y sentimientos vistas a través de un microscopio óptico. Encontró lágrimas de dolor y de felicidad, de pesar y de rabia, de suma alegría o tristeza, de frustración, de rechazo, de alivio, de realización y las del instante en que nacemos, o cuando reímos o bostezamos. Lagrimas de posibilidad y de esperanza, de remembranzas, todas ellas distintas entre sí.

Fisher desarolló su proyecto durante cinco años y que culminó con el libro “The Microscopic Structures of Dried Human Tears” que reúne sorprendentes imágenes obtenidas mediante microscopía electrónica.

Las lágrimas son una combinación bioquímica de agua, proteínas, minerales, hormonas, anticuerpos y enzimas, su topografía momentánea se muestra como un paisaje pasajero, como la imagen súbita de alguien en un sueño, como un atlas efímero. Al evidenciar similitudes visuales entre las muestras macro y microscópicas, concluyendo que los patrones de la naturaleza son consistentes a pesar de la escala de medición. Los patrones de un fragmento erosionado de tierra hace millones de años es similar al patrón cristalino ramificado de una lagrima que acaba de evaporarse.

Fisher dice:

“Las lágrimas son parte de nuestro lenguaje más primitivo ante situaciones tan inevitables como la muerte, tan básicas como el hambre y tan complejas como el rito del cambio”.

Son la evidencia de nuestra vida interior, que rebasa sus límites salpicando por encima de nuestra conciencia. Mudas y momentáneas, nos liberan hacia la posibilidad de reorientación, de reunión y de catarsis: “derramar lágrimas, cambiar de piel”. Este estudio nos muestra que nuestras lágrimas pueden tener lenguaje y contenido, que serviría como punto de unión entre el arte y la ciencia. Algo así como un llamado a buscar la poesía de la vida.

“Cada una de nuestras lágrimas lleva un microcosmos de la humanidad colectiva, como una gota de un océano”.

JULIANA TIRADO ANGEL, M.D

LÁGRIMAS BASALES

De este tipo de lágrima parten todas las demás. Son generadas para mantener la córnea lubricada (de 0,75 a 1,1 gramos cada día).

Lágrimas basales
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS CAUSADAS POR CEBOLLA RECIÉN CORTADA

Lágrimas de pelar cebollas
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS QUE ACOMPAÑAN A LA RISA DESCONTROLADA

Lágrimas debidas a la risa
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS DE ALEGRÍA ANTE UNA ACCIÓN EMOTIVA

Lágrimas de reunión emotiva
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS ANTE UN DOLOR O TRISTEZA

lagrimas de dolor
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS DE ESPERANZA O ILUSIÓN ANTE UNA POSIBILIDAD

lágrimas de posiblidad y esperanza
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS ANTE UN EVENTO IMPORTANTE

lágrimas ante un encuentro importante
Imagen: Rose-Lynn Fisher

LÁGRIMAS DE RECUERDO Y MELANCOLÍA

Lagrimas de recuerdo
Imagen: Rose-Lynn Fisher

Así es como el llanto puede sanarte:

1. Soltar la tensión y las toxinas de las tensiones emocionales del cuerpo. Después de una buena bronca, ¿no nos sentimos todos un poco más ligeros?

2. Las lágrimas que fluyen por la emoción, en realidad contienen mayores cantidades de proteína y beta endorfina – analgésicos naturales. Las lágrimas también matan las bacterias, lubrican los ojos y nos ayudan a ver mejor.

3. Los que lloran más a menudo que otros reportan menos enfermedades físicas que aquellos que la mantienen en su interior.

4. Ayuda a calmar tu interior y trae paz. Podemos ver la situación más claramente y con calma después de una buena sesión de llanto.

Ser fuerte y valiente no se trata de la supresión de las emociones. Se trata de la claridad, la voluntad de enfrentar lo que la vida ofrece a nuestra manera. Y conociendo el poder de la liberación. Así que la próxima vez que sientas que las lágrimas brotan, ve a buscar la caja de pañuelos y llora con todo tu corazón. Te sentirás mejor en más de un sentido.

«Todo lo que vemos en nuestra vida es solo la punta del iceberg» —Rose-Lynn Fisher

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Querría

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Christopher Thompson nació en Grimsby en 1969 y se formó en la Royal Academy Schools. Las pinturas de Thompson se originan tanto de las ideas y pensamientos del propio artista como de las experiencias de su propia vida y del mundo que lo rodea. Trabajando a partir de estudios de retrato finamente observados, Thompson manipula estas “verdades” con recuerdos imaginarios apropiados de otros lugares, tejiendo una ficción enigmática que adquiere una nueva realidad sobre lienzo. Capturado en su delicada técnica pictórica y en una paleta a menudo sometida, las composiciones de Thompson retratan el drama humano inherente a los gestos, las miradas y las emociones. Al combinar sus fuentes imaginadas con precisa observación, su obra atraviesa la división entre lo real y lo ficticio, un paso alejado de la realidad, pero completamente auténtico. Su obra expresa una fascinación con la unión y la individualidad, con lo que se habla y no se dice. A veces sus individuos parecen solos y separados – perdidos en sus propios pensamientos solipsistas – en otros sus figuras son relacionales e interactivas, expresivas y conscientes unas de otras. En cada composición, Thompson atrae al espectador hacia el mundo que ha creado; nuestro diálogo con sus personajes es tanto una parte de la historia que se despliega como el lienzo mismo.

El Kanka QUERRÏA

Lacaton y Vassal ganan el Pritzker 2021 por “responder a las emergencias climáticas de nuestro tiempo”

  • El galardón, considerado el Nobel de arquitectura, ha recaído en los dos socios guiados por el pragmatismo y la modestia para la construcción de sus edificios

Reconstruir en lugar de destruir, ahorrar en lugar de gastar. Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal han levantado edificios guiados por el pragmatismo y la modestia, en una época de grandes estrellas y presupuestos desorbitados, y hoy su trabajo les ha convertido en los nuevos ganadores del Premio Pritzker, considerado el Nobel de arquitectura.

Anne Lacaton (1955, Saint-Pardoux, France) y Jean-Philippe Vassal (1954, Casablanca, Marruecos) están casados y son socios fundadores del estudio Lacaton & Vassal (1987), un estudio con sede en París. Su trabajo, una treintena de proyectos, se ha concentrado en Francia y algunos países africanos. Fuera de su país son grandes desconocidos para el gran público, pero su trabajo ha ganado proyección en los últimos años justo por ir contracorriente.

Entre sus proyectos se encuentran proyectos dispares: grandes renovaciones de edificios públicos como la del Palais de Tokyo en París o el centro de exposiciones FRAC de Dunquerque. Conviven en su portofolio con otras que podrían considerarse menores, como la renovación de tres modestos edificios de alquiler social en Burdeos, que les valió el Premio Mies van der Rohe en 2019.

Su trabajo, según el fallo del jurado, entraña un fuerte “espíritu democrático” y ha conseguido “renovar” y “revitalizar” los legados de la arquitectura moderna. “Su trabajo responde a las emergencias climáticas y ecológicas de nuestro tiempo -subraya el fallo-, así como urgencias sociales, particularmente en el ámbito de vivienda urbana

Para entender la filosofía de esta pareja de arquitectos hay que ir más allá de las imágenes de sus austeros edificios. El Premio Mies Van der Rohe reconoció en 2019 la genialidad de su renovación de tres modestos edificios de viviendas de alquiler público en el Grand Parc de Burdeos en 2017. El proyecto, convocado por la oficina de vivienda de la ciudad y una vez descartada su demolición, tenía por objeto mejorar el aislamiento de los edificios.

Los arquitectos construyeron una serie de terrazas en toda la fachada, recubiertas con un material transparente que, además de aislar el edificio, conseguía añadir una veinte metros cuadrados de espacio al aire libre por cada vivienda. Mataron dos pájaros de un tiro, eficiencia energética y habitabilidad, y no se pasaron ni un euro de lo presupuestado.

“La transformación es la oportunidad de hacer más y mejor con lo que ya existe. El derribo es una decisión fácil y de corto plazo. Es una pérdida de muchas cosas: una desperdicio de energía, desperdicio de material y desperdicio de historia. Además, tiene un impacto social muy negativo”, asevera Lacaton en el comunicado del fallo.

Sus filosofía es todo una declaración de intenciones en un sector marcado por los ‘megaproyectos’ y los presupuestos desorbitados. Hay que viajar hasta África para encontrar el génesis de la doctrina arquitectónica de la pareja. Ambos se conocieron en los setenta cuando estudiaban arquitectura en Burdeos (Francia), pero al finalizar sus estudios, Vassal se fue a vivir a Nigeria para trabajar en urbanismo. “Nigeria es uno de los países más pobres del mundo pero su gente es tan generosa, hacen todo con muy pocos recursos. Realmente fue como una segunda escuela de arquitectura”, recuerda Vassal.

Lacaton solía visitar a su actual marido, y, en una de esas estancias, hicieron el que sería su primer proyecto conjunto; una choza de paja, construida con ramas de arbustos, que estuvo en pie dos años. A partir de esta experiencia, se prometieron no demoler lo que podría ser renovado y apostar por hacer sostenible lo que ya existe.

Esa máxima se cumple en la renovación de las viviendas de alquiler social de Burdeos, y en proyectos similares de viviendas sociales que han realizado a durante más tres décadas de trayectora. “Hay una humildad en su enfoque, que respeta el objetivos de los diseñadores originales y las aspiraciones de los ocupantes actuales”, defiende el jurado.

En 1993, el ayuntamiento de Burdeos le encargó renovar la plaza Leon Acoc de Burdeos, el objetivo era “embellecer” la plaza. Ambos estudiaron el lugar, hablaron con los vecinos, muchos de ellos jugaban a la petanca bajo los árboles del parque. Concluyeron, y así lo comunicaron al ayuntamiento, que no había mucho que hacer, todo estaba en su lugar, simplemente había que reemplazar la grava, tratar los arboles y modificar levemente el tráfico. No había nada que construir, solo otorgar un potencial a lo que ya existía.

Esta máxima de “mínima intervención” y “respetar el pasado”, se repite en las renovaciones del Palais de Tokio, donde apostaron por dejar al descubierto las huellas del proceso de restauración con materiales en bruto; o el gran centro de exposiciones FRAC de (Dunquerque, Francia) donde en vez de modificar el edificio original, una imponente fábrica de barcos, crearon una replica por menos presupuesto.

Pero más importante que el presupuesto y el pragmatismo de sus propuestas para Lacaton y Vassal son las personas que habitan los edificios. Ambos creen que los edificios que se restauran o los que se crean de nueva planta solo son hermosos cuando la gente “se siente bien en ellos, cuando la luz interior es hermosa, el aire es agradable, y cuando hay un transición fácil entre interior y exterior”. “Nuestro trabajo consiste en resolver limitaciones y problemas, y encontrar espacios que puedan generar usos, emociones y sentimientos”, explica Vassal.

Entre sus obras más significativas se encuentran la Casa Latapie (1993), una de sus primeras viviendas privadas, la renovación de las viviendas sociales de la Tour Bois le Prêtre, el École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, la Casa Cap Ferret, las viviendas sociales Ourcq-Jaurès en Paris y un edificio de oficinas y viviendas en Chêne-Bourg en Ginebra. Lacaton y Vassal compaginan la docencia con su trabajo como arquitectos en universidades de todo el mundo.

El estudio que fundaron ha recibido numerosas condecoraciones como el BDA Grand Prize (2020); el Global Award for Sustainable Architecture, la medalla Heinrich Tessenow (2016), la International Fellowship from the Royal Institute of British Architects, 2009, el Grand Prix National d’Architecture de Francia (2008) o el Premio Mies Van der Rohe de arquitectura contemporánea de la UE.

Anne Lacaton es la sexta mujer vez que recibe este premio convocado por la Fundación Hyatt. El Pritzker ha recaído en anteriores ediciones en arquitectos como Zaha Hadid, Norman Foster y Oscar Niemeyer, entre otros.

Fotos: Lacaton & Vassal: la arquitectura que no se ve pero que transforma | Cultura | EL PAÍS javascript:void(0)

Por el mismo coste que el aislamiento al que obliga la nueva normativa, Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal rodearon tres bloques de viviendas con una nueva fachada que no solo aisló los pisos, también los amplió 20 metros con una galería que cumple el papel del aislante. Esa misma propuesta –ampliar para aislar con una estructura auto-portante por el mismo coste, levantada en dos semanas y sin desplazar a los inquilinos– la habían levantado en París (Torre Bois le Prête, 2011) o St. Nazaire, 2014. Siempre con Druot y Hutin. En 2019 estas intervenciones recibieron el premio Mies van der Rohe de la Unión Europea.

1Transformación de 530 viviendas en Burdeos, 2017 Por el mismo coste que el aislamiento al que obliga la nueva normativa, Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal rodearon tres bloques de viviendas con una nueva fachada que no solo aisló los pisos, también los amplió 20 metros con una galería que cumple el papel del aislante. Esa misma propuesta –ampliar para aislar con una estructura auto-portante por el mismo coste, levantada en dos semanas y sin desplazar a los inquilinos– la habían levantado en París (Torre Bois le Prête, 2011) o St. Nazaire, 2014. Siempre con Druot y Hutin. En 2019 estas intervenciones recibieron el premio Mies van der Rohe de la Unión Europea.

  • Hacía poco que Lacaton & Vassal trabajaban juntos cuando en su ciudad les encargaron embellecer esta plaza. Fueron varios días a hablar con los vecinos. Comprobaron que los árboles estaban bien puestos –en el perímetro, junto a los bancos para crear sombra-. La gente jugaba a petanca. No entregaron dibujos sino un informe: el embellecimiento no era posible, la plaza ya tenía encanto. Propusieron limpiarla más a menudo. El Ayuntamiento aceptó.

2Plaza de Léon Aucoc en Burdeos, 1996. Hacía poco que Lacaton & Vassal trabajaban juntos cuando en su ciudad les encargaron embellecer esta plaza. Fueron varios días a hablar con los vecinos. Comprobaron que los árboles estaban bien puestos –en el perímetro, junto a los bancos para crear sombra-. La gente jugaba a petanca. No entregaron dibujos sino un informe: el embellecimiento no era posible, la plaza ya tenía encanto. Propusieron limpiarla más a menudo. El Ayuntamiento aceptó.

Fotos: Lacaton & Vassal: la arquitectura que no se ve pero que transforma | Cultura | EL PAÍS javascript:void(0)

  • Esta remodelación puso de moda los muros de obra decapada en centros de arte contemporáneo. Fue involuntario. Lacaton&Vassal recibieron el encargo de la reforma del edificio decó con las obras ya empezadas. Decidieron ahorrar no enyesando las paredes que habían quedado descubiertas y dejando las columnas e instalaciones vistas. El Pompidou ya lo había hecho. Pero esta vez la versión no era pop si no povera. Y práctica: ganaron 20.000 metros cuadrados útiles.  

3Palais de Tokyo en París, 2012-2014 Esta remodelación puso de moda los muros de obra decapada en centros de arte contemporáneo. Fue involuntario. Lacaton&Vassal recibieron el encargo de la reforma del edificio decó con las obras ya empezadas. Decidieron ahorrar no enyesando las paredes que habían quedado descubiertas y dejando las columnas e instalaciones vistas. El Pompidou ya lo había hecho. Pero esta vez la versión no era pop si no povera. Y práctica: ganaron 20.000 metros cuadrados útiles.

Con materiales plásticos y flexibles y espacios intermedios –como el de la casa para la familia de Anne-, los arquitectos levantaron varios grupos de viviendas como estas 23 en St. Nazaire. 4Viviendas en Trignac, 2010 Con materiales plásticos y flexibles y espacios intermedios –como el de la casa para la familia de Anne-, los arquitectos levantaron varios grupos de viviendas como estas 23 en St. Nazaire.

Este proyecto es el principio de todo. La familia de Anne Lacaton quería ampliar su casa de verano. Tenía poco dinero. Propusieron agrandarla como los invernaderos de la zona. En invierno conseguirían que el sol caldeara esa zona intermedia y se convertiría en un aislante que rebajaría la factura energética. En verano, abrirla sería suficiente para ventilar y aprovechar la sombra. El coste fue muy bajo. 5Casa Latapie en Floriac, 1993 Este proyecto es el principio de todo. La familia de Anne Lacaton quería ampliar su casa de verano. Tenía poco dinero. Propusieron agrandarla como los invernaderos de la zona. En invierno conseguirían que el sol caldeara esa zona intermedia y se convertiría en un aislante que rebajaría la factura energética. En verano, abrirla sería suficiente para ventilar y aprovechar la sombra. El coste fue muy bajo.

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  • Un pino atraviesa los forjados de esta casa, construida rodeándolo, para no perder la sombra y no tener que talar el árbol.

6Vivienda en Cap Ferret, 1998 Un pino atraviesa los forjados de esta casa, construida rodeándolo, para no perder la sombra y no tener que talar el árbol.

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  • Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal respetaron la icónica nave portuaria de Dunkerque cuando les pidieron ampliar el Centro de Exposición de Arquitectura de Dunkerque. Mantuvieron la cubierta a dos aguas y la replicaron actualizando los materiales y aligerándolos para doblar el espacio.

7FRAC Dunkerque, 2013 Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal respetaron la icónica nave portuaria de Dunkerque cuando les pidieron ampliar el Centro de Exposición de Arquitectura de Dunkerque. Mantuvieron la cubierta a dos aguas y la replicaron actualizando los materiales y aligerándolos para doblar el espacio.

En el último proyecto de la pareja de arquitectos, su insistente cruzada por utilizar las galerías para aislar, ahorrar energía y ganar luminosidad, ha sido, finalmente, construida desde cero, no para reparar un edificio existente.

8Torre de apartamentos y oficinas en Ginebra, 2020 En el último proyecto de la pareja de arquitectos, su insistente cruzada por utilizar las galerías para aislar, ahorrar energía y ganar luminosidad, ha sido, finalmente, construida desde cero, no para reparar un edificio existente.

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Un Nuevo Día

“Todos los cambios, aun los más ansiados, llevan consigo cierta melancolía, porque aquello que dejamos es una parte de nosotros mismos: Debemos morir en una vida para entrar en otra”. Anatole France 

Muse – feeling good

Hace unos días circuló en redes sociales una publicación que decía: “Ser excesivamente independientes y autosuficientes es señal de haber sufrido grandes decepciones, a tal punto que sentimos que no podemos confiar en nadie más que nosotros. Pero la verdad es que nos necesitamos; somos interdependientes y no podemos sobrevivir sin la ayuda de los demás”.

 El psicoanalista inglés John Bowlby formuló su teoría del apego, que postula que los vínculos iniciales que se forman entre el niño y sus cuidadores primarios dan paso a modelos internos operantes que se mantienen a lo largo de su vida, teniendo una incidencia a la hora de vincularse de manera afectiva siendo adultos. La psicóloga especializada en apego y miembro del Family Relations Institute, Lorena Soto, explica que la teoría se basa en que establecemos vínculos desde que nacemos con algunas figuras significativas y con ellas vamos configurando la base neurológica de la personalidad. “Estas figuras de apego lo que hacen en enseñarnos a establecer relaciones de intimidad. En ese sentido, los temas no resueltos con nuestros cuidadores primarios van a influir en cómo nos vinculamos después”.

Matamala agrega que hay otras razones por las que un individuo puede mostrarse excesivamente independiente y rehuir de la cercanía, optando por no recurrir nunca a los demás, incluso si de base, y como especie, somos gregarios. “Esta hiperindepenencia puede estar ligada a situaciones traumáticas, de manera inconsciente incluso. Esas experiencias pueden traducirse en una mayor dificultad a la hora de armar proyectos de pareja o de trabajo, o de comprometerse con alguien o algo”, explica el especialista. Porque claro, comprometerse también implica mostrarse vulnerable. “Muchas veces pasa que esta autosuficiencia es producto de una experiencia traumática que vamos silenciando. De ser así, al establecer conexiones de mayor cercanía con otros, inmediatamente sentimos rechazo o una sensación de incomodidad. Al final, son mecanismos de defensa”, reflexiona Matamala. “Porque nuestra historia, experiencias y relaciones tempranas, dan cuenta de cómo nos relacionamos, pero también de cómo de un momento a otro nos empezamos a defender de las experiencias dolorosas. Asumiendo, muchas veces internamente, de que la única forma de hacerlo es dependiendo únicamente de nosotros mismos”.

La mitad de la belleza depende del paisaje;
y la otra mitad de la persona que la mira. . .
Los más brillantes amaneceres;
los más románticos atardeceres;
… los paraísos mas increíbles;
se pueden encontrar siempre en
el rostro de las personas queridas.

Hermann Hesse

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Hay Que Saber

Japon
Kadir Nelson (15 de mayo de 1974) es un 
pintor, ilustrador y autor con sede en 
Los Ángeles que es mejor conocido por sus pinturas que a menudo aparecen en las portadas de 
la revista 
Su trabajo se centra en 
la cultura y la 
historia afroamericana . 
El New York Times describe su trabajo como: “un trabajo suntuoso y profundamente conmovedor. Las pinturas de Nelson están empapadas de ambiente y, a menudo, de simbolismo manifiesto. 

IL FAUT SAVOIR – CHARLES AZNAVOUR


Il faut savoir encore sourire—–>Hay que saber sonreír todavía
quand le meilleur s’est retiré—–>cuando lo mejor se ha retirado
et qu’il ne reste que le pire—–>y no queda más que lo peor
dans une vie bête à pleurer.—->Un poco tarde para llorar.
Il faut savoir, coûte que coûte——>Hay que saber, cueste lo que cueste
garder toute sa dignité—–>guardar toda su dignidad
et malgré ce qu’il nous en coûte—–>y a pesar de lo que nos cueste
s’en aller sans se retourner.—->irse sin volver.
Face au destin qui nous désarme——>Enfrentar al destino que nos desarma
et devant le bonheur perdu—–>y ante la felicidad perdida,
il faut savoir cacher ses larmes—->hay que saber ocultar sus lágrimas,
mais moi, mon coeur, je n’ai pas su.——>pero yo, corazón, yo no supe.
Il faut savoir quitter la table—–>Hay que saber abandonar la mesa
lorsque l’amour est desservi——>cuando el amor se retira
sans s’accrocher l’air pitoyable——>sin agarrarse a un aire lastimoso,
mais partir sans faire de bruit.—->sino irse sin hacer ruido.
Il faut savoir cacher sa peine——>Hay que saber ocultar su pena
sous le masque de tous les jours—–>bajo la máscara de todos los días
et retenir les cris de haine——>y retener los gritos de odio
qui sont les derniers mots d’amour.—–>que son las últimas palabras de amor.
Il faut savoir rester de glace——->Hay que saber mantenerse como el hielo
et taire un coeur qui meurt déjà—–>y callar un corazón que ya muere,
Mais moi, je ne peux pas—->Pero yo, yo no puedo,
iIl faut savoir mais moi—–>hay que saber, pero yo,
je ne sais pas…—->yo no sé..

Cuadro.

FUENTE DE LA IMAGEN, GETTY IMAGES

Muchas de las mejores obras de arte en la historia tiene algún detalle escondido que completa su significado.

¿Qué tienen en común las mejores esculturas y cuadros de la historia, desde “La joven de la perla” hasta el “Guernica” de Picasso; desde los Guerreros de terracota hasta “El grito” de Edvard Munch?

Todos contienen algún detalle (subestimado muy a menudo) que explica lo más profundo de su significado.

Esa, al menos, es la premisa de mi nuevo libro “Una nueva forma de ver: la historia del arte en 57 obras”, un estudio que invita a los lectores a reconectarse con obras que nos son tan familiares que ya no las apreciamos.

Tomando como punto de partida las imágenes más veneradas de la historia de la humanidad(desde la columna de Trajano hasta el “Gótico americano”, desde los mármoles de Elgin hasta “La danza” de Matisse), fui buscando aquello que define al buen arte.

¿Por qué algunas obras siguen vibrando en la imaginación popular, siglo tras siglo? 

Cada una de ellas contiene un halo de extrañeza que, una vez descubierto, abre la puerta a nuevas y emocionantes lecturas, y cambia para siempre la forma en que las percibimos.

Charles Baudelaire escribió en 1859: “La belleza siempre contiene un toque de rareza, de simple, no premeditada e inconsciente rareza”.

Lo que sigue es un breve resumen de algunos de los detalles más extraordinarios: extraños toques que vigorizan, a menudo de manera subliminal, muchas de las imágenes más famosas en la historia del arte.

1. Sandro Botticelli, “El nacimiento de Venus” (1482-5)

Cuadro.

FUENTE DE LA IMAGEN, GETTY IMAGES

Una mechón de cabello dorado que cuelga sobre el hombro derecho de la diosa en la obra maestra del Renacimiento de Sandro Botticelli, “El nacimiento de Venus”, gira como un motor en miniatura en el eje vertical de la pintura, impulsándola hacia nuestra imaginación. 

Este rizo logarítmico perfecto no es un adorno incidental o un accidente del pincel. El mismo vector giratorio, observable en la pareja de las aves rapaces y la concha de nautilos, ha hipnotizado a los pensadores desde la antigüedad. 

En el siglo XVII un matemático suizo, Jacob Bernoulli, bautizó el rizo como spira mirabilis o “espiral maravilloso”. 

En la pintura de Botticelli (una obra que celebra la elegancia atemporal) la inescrutable espiral susurra en el oído derecho de Venus y le revela los secretos de la verdad y la belleza.

2. Hieronymus Bosch, “El jardín de las delicias” (1505-10)

Cuadro.

FUENTE DE LA IMAGEN, MUSEO DEL PRADO.

El huevo que se observa a simple vista sobre la cabeza de un jinete en la famosa pintura del Bosco es bien conocido por los críticos y los admiradores de la obra. 

Pero ¿cómo ese detalle es capaz de explicar el verdadero significado de la pintura? 

Si cerramos los paneles laterales del tríptico para revelar la cubierta exterior de la obra y el fantasmagórico ovoide de un mundo frágil que Bosch ha descrito en la parte exterior de la obra (una esfera transparente que flota en el éter) descubrimos que concibió su pintura como una especie de huevo que deberá ser eternamente roto y reconstruido, cada vez que analicemos este complejo trabajo.

Al abrir y cerrar los paneles laterales de esta pintura, ponemos en movimiento un mundo incipiente o volvemos el tiempo atrás, al comienzo, antes de que perdiéramos nuestra inocencia.

3. Johannes Vermeer, “Niña con un pendiente de perla” (c. 1665)

Cuadro.

FUENTE DE LA IMAGEN, GETTY IMAGES

¿Crees que en el famoso retrato de esta chica con la vista vuelta hacia el espectador lo que ves es una perla brillante colgando de su oreja? Piensa otra vez. 

La joya alrededor de la cual gira el misterio de la pintura es fruto de tu imaginación. 

Con un movimiento de la muñeca y dos hábiles toques de pintura blanca, el artista engañó a los corticales visuales primarios de los lóbulos occipitales de nuestro cerebro. 

Si observas con atención, no verás ningún hilo que vincule al adorno con la oreja. Hasta su forma esférica es un engaño. 

La preciosa gema de Vermeer es una opulenta ilusión óptica, una que refleja nuestra propia presencia ilusoria en el mundo.

4. JMW Turner, “Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del oeste” (1844)

Cuadro.

FUENTE DE LA IMAGEN, GETTY IMAGES

No es secreto que Turner pintó una liebre imperceptible en medio del oscuro camino por el que se aproxima la locomotora en su famoso cuadro. 

El propio artista se la enseñó a un niño que visitó la Royal Academy, el mismo día en que se mostró la obra por primera vez.

¿Pero cómo este pequeño detalle es capaz de enriquecer el significado de la profunda meditación de Turner sobre la invasión de la tecnología? ¿Por qué se sintió obligado a señalarlo? 

Desde la antigüedad la liebre ha simbolizado el renacimiento y la esperanza. 

Los visitantes que vieron la pintura cuando se exhibió por primera vez, en 1844, todavía estaban conmovidos por el horror de una tragedia que había ocurrido dos años y medio antes, en la víspera de Navidad, cuando un tren se descarriló a 10 millas del puente que se muestra en la pintura. 

El accidente cobró la vida de nueve pasajeros y mutiló a otros 16. 

Al pintar la liebre tan pequeña, el artista (famoso por los grandes objetos en sus pinturas) ofrece un conmovedor tributo, a la vez que medita sobre la fragilidad de la vida.

5. Georges Seurat, “Bañistas en Asnières” (1884)

Cuadro.

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El gran cuadro que muestra un grupo de parisinos descansando a orillas del río Sena durante la hora del almuerzo es la primera obra que exhibió Seurat y se terminó inicialmente en 1884. 

El artista la retocó años después de haber comenzado a perfeccionar su técnica característica: la aplicación de pequeños puntos que generan un continuo ante los ojos del espectador cuando son observados a cierta distancia. 

La teoría del color que sustenta el estilo puntillista más maduro de Seurat se debe en parte a las ideas de un químico francés, Michel Eugène Chevreul, quien explicó cómo la yuxtaposición de tonos puede generar una persistencia en nuestra imaginación. 

En la vaga distancia de la escena, una hilera de chimeneas se levanta sobre una fábrica productora de velas: una innovación industrial de la que también fue responsable Chevreul. 

Estas chimeneas son un homenaje al pensador, sin el cual no habría sido posible la visión resplandeciente de Seurat.

6. Edvard Munch, “El grito” (1893)

Cuadro.

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Se ha asumido durante mucho tiempo que el personaje en “El grito” de Edvard Munch (una metáfora de la angustia, que permanece en el imaginario popular más de un siglo después de su creación) estuvo inspirado en la expresión de asombro de una momia peruana que el artista vio en la Exposición Universal de 1889, en París. 

Pero Munch era un artista más preocupado por el futuro que por el pasado. Le inquietaba especialmente el ritmo de la tecnología.

¿Es posible que se haya alarmado mucho más ante el asombroso espectáculo de una enorme bombilla llena de otras 20.000 bombillas más pequeñas, expuestas sobre el pabellón en la misma muestra de 1889?

Esta escultura, un tributo al pensamiento de Thomas Edison, se alzó en París como un dios luminoso que anunciaba una nueva idolatría, lo cual activó un interruptor en la mente de Munch. 

Los contornos de la cara aullante en “El grito” reflejan con extraordinaria precisión la mandíbula caída y el cráneo bulboso del aterrador tótem eléctrico de Edison.

7. Gustav Klimt, “El beso” (1907)

Cuadro.

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Muchos coincidirán en que el amor y la pasión no tienen nada que ver con las largas batas blancas de laboratorio y las diapositivas microscópicas de las pruebas científicas. 

Pero no es así según la pintura “El beso”, de Gustav Klimt.

El año en que el artista pintó su obra la ciudad de Viena estaba imbuida en el lenguaje de las plaquetas y las células sanguíneas. Especialmente la Universidad de Viena, donde Klimt había sido invitado a crear pinturas basadas en temas médicos, años antes. 

Karl Landsteiner, un importante inmunólogo de este centro (y el científico que distinguió por primera vez a los grupos sanguíneos), estaba trabajando arduamente para hacer que las transfusiones de sangre tuvieran éxito. 

Si miras más de cerca los curiosos patrones que palpitan en el vestido de la mujer en la pintura, de repente los verás por lo que son: platos de Petri llenos de células, como si el artista nos hubiera ofrecido un escaneo de su alma. 

“El beso” es la biopsia luminosa de amor eterno de Klimt.

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yo no soy yo

Artista canadiense nacido en 1988, Nick Sider, es un pintor acrílico autodidacta que vive en la ciudad de Nueva York  Sider siempre ha mantenido un estilo hiperrealista, intentando crear pinturas que se extienden más allá de lo que una fotografía podría capturar. “Mi momento favorito mientras pinto es cuando un tema en mi lienzo comienza a cobrar vida. ” 

YO NO SOY YO

Soy este
que va a mi lado sin yo verlo;
que, a veces, voy a ver,
y que, a veces, olvido.
El que calla, sereno, cuando hablo,
el que perdona, dulce, cuando odio,
el que pasea por donde no estoy,
el que quedará en pié cuando yo muera.

Juan Ramon Jimenez

Melody Gardot – Once I Was Loved Una vez fui amada
No recuerdo
Cuando era joven
No recuerdo el día en el que vi el sol por primera vez
Pero de lo que estoy segura
Que es suficiente
Recordar que una vez
Una vez fui amada
 Me sigo rindiendo
Ante problemas desconocidos
No tiene sentido pretender que no son míos
Pero de lo que estoy segura
Que es suficiente
Recordar que una vez
Una vez fui amada
 Cuando pasen los años
Lo que representan los años en una vida
¿En qué hemos de convertirnos
cuando alcancemos nuestros últimos días?
Si no podemos rendirnos
Entonces eso es suficiente
 Sólo recordar que una vez
Una vez fuimos amados
Una vez fuimos hermosos
Una vez fuimos amados

Si alguna vez dejamos de hablar, y no sabes cómo regresar, mándame una canción.” Frase de la película Begin Again 

Interesante artículo : Lo original es algo novedoso, que no copia o imita a otra cosa.
Sin embargo, en el arte, para que algo sea original y sea arte al mismo tiempo, tiene que enriquecer la mirada del otro, tiene que ampliar su experiencia.
Si algo es “demasiado nuevo”, demasiado diferente de todo lo visto alguna vez, entonces no se entiende, no tiene sentido, es un delirio.
Entonces: algo original es algo nuevo pero que tiene alguna relación con lo hecho hasta entonces.
Recordemos que, cuando hablamos de crear o tener una idea creativa, nos referimos al resultado de combinar de una manera novedosa cosas que ya son conocidas.
Por eso, en el arte, podemos decir que por lo general la originalidad está dada por la manera en que se combinan las cosas conocidas, y no por aquello que es completamente desconocido.
Eso es una paradoja, algo maravillosamente contradictorio: lo original no es algo del todo original. Las obras originales son “originales en parte”.

Podemos convenir que hay dos caminos por los cuales uno se puede volver original: el haber vivido toda la vida en una caverna (lo que nos volvería originales al punto de que nadie entendería ni siquiera nuestros gritos guturales), o el haberlo conocido todo.
Porque cuando uno comete el error, la falacia, de pensar que no quiere “conocer demasiado” para “no dejarse influenciar”, así es como termina intentando cambiar el mundo con ideas que ya existieron hace mucho y que gran parte del mundo conoce.
Y entonces a uno se le ocurre la genial idea de querer revolucionar el arte pintando una botella de Coca-Cola seis décadas después del nacimiento del arte pop, o de querer revolucionar la literatura hablando de sexo de manera transgresora y con humor, cinco siglos después de Gargantúa y Pantagruel.

En su etapa de formación, el artista se deja influenciar mucho, pero mucho, por todo lo que le gusta. Y en algún momento, de toda esa influencia nacen su propia mirada y su voz original.
Un cuentista uruguayo llamado Horacio Quiroga, maestro del cuento latinoamericano,  dijo que si al principio uno tiene que copiar a otros, pues entonces que copie, porque la obtención de un estilo propio “es una larga paciencia”.
Es que los maestros están para ser superados. Pero mientras uno no los supera, tiene que tomar de ellos todo lo que puede. Sin temor a parecerse en aquellas cosas que le admira al otro. Porque si uno es bueno, ya las superará.
La imagen del artista que tenemos es la de aquél que se lleva el mundo por delante. El genio implacable. Pero nos cuesta entender que ese artista seguramente empezó con humildad y paciencia. Aprendiendo y admirando a otros.
Y ése es el camino: empezar admirando a otros. Porque la realidad es que no ha existido ningún genio que haya empezado por la genialidad. Y mucho menos por la propia.

Damián Poggi

3 minutos de arte
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Irremplazables

Nadie es indispensable, pero todos somos irremplazables. Viktor Frankl 

Eric Zenner

Dicen que antes de entrar en el mar, el río tiembla de miedo; mira para atrás todo el recorrido, las cumbres y las montañas, el largo y sinuoso camino que atravesó entre selvas y pueblos, y ve frente de sí un océano tan grande, que entrar en el sólo puede significar desaparecer para siempre. Pero no existe otra manera. El río no puede volver. Nadie puede volver. Volver atrás es imposible en la existencia. No hay otra manera, el río no puede volver. El río necesita aceptar su naturaleza y entrar al océano. Solamente entrando en el océano se diluirá el miedo. Porque sólo entonces sabrá el río que no se trata de desaparecer en el océano, sino de convertirse en océano. Khalil Gibran

Meimuna – La Javanaise de Serge Gainsboug

Confieso que lo pasé mal, tú no?. Mi amor
Antes de saber de ti. Mi amor
No te ofendas Bailando la javanesa
Nos amamos Lo que dura una canción
En tu opinión, qué hemos visto del amor
Entre tú y yo, sabemos fue un engaño de tu parte. Mi amor
No te ofendas Bailando la javanesa
Nos amamos lo que dura una canción
Desgraciadamente Abril me prometió en vano el amor
Deseaba ver en ti Ese amor
La vida no vale la pena ser vivida Sin amor
Pero fuiste tu quien lo quiso. Mi amor

“El infinito de un junco” Irene Vallejo ya había publicado, sin pena ni gloria, dos novelas y algunos relatos infantiles. Editorialista de El País, le confesó a Borja Hermoso, compañero en El País Semanal, que estaba a punto de dominar, de sofocar, de suprimir sus deseos de convertirse en escritora, para concentrarse en sus investigaciones (es Doctora en Filología Clásica).Pero “El infinito de un junco” le deparó otro destino, y ahora su talento y su libro, ha sido reconocido por el público y por la crítica: Premio Nacional de Ensayo 2020, Premio el Ojo Crítico de Narrativa 2019, Premio Las Librerías Recomiendan de No Ficción 2020, Premio Búho al Mejor Libro de 2019, Premio Acción Cívica, Premio Nacional Promotora de los Estudios Latinos 2019, Premio José Antonio Labordeta 2020, Premio de la Asociación de Librerías de Madrid al Mejor Libro del Año en la categoría de No Ficción… más los que se acumulen. Treinta siglos de historia: de los relatos orales de Homero hasta la invención de la imprenta; desde los libros de humo, pasando por los elaborados con piedra, arcilla; los papiros de juncos, los de piel, la certeza de árboles; la amena crónica de Irene atraviesa territorios de la Grecia antigua, con sus múltiples colonias pasando por Alejandría y su mítica biblioteca y llega al Imperio Romano, para culminar su travesía en los primeros talleres de impresión europeos. Amena mezcla de historia y autobiografía, con anécdotas íntimas y personales, que reflejan su inmenso amor por la palabra, la lectura, los libros, las bibliotecas y librerías; homenaje a aquellos hombres y mujeres que hicieron posible la creación del universo luminoso de la literatura. Lleno de citas, referencias y curiosidades sobre autores literarios y cinematográficos: Borges, Vargas Llosa, Pérez-Reverte, Faulkner y Auster; Tarantino, Scorsese y muchos más, que hacen de “Él infinito de un junco”, más que un ensayo, un recorrido por la historia del libro, un libro de viajes, un maravilloso texto que traspasa géneros. Estilo, ritmo, prosa sensible y exquisita; escritura deliciosa y lectura amena y atractiva; apasionado homenaje al libro, “El infinito de un junco” es un libro emocionante, inesperado, deslumbrante; una lectura muy, pero muy recomendable. . Humberto vela

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En Tí Estás Todo, Mar

Aguadulce

“Todo el mundo dice que el amor duele, pero eso no es verdad. La soledad duele. El rechazo duele. Perder a alguien duele. La envidia duele. Todo el mundo confunde estas cosas con el amor, pero en realidad el amor es la única cosa en este mundo que cubre todo el dolor y hace sentir a alguien maravilloso otra vez. El amor es la única cosa en este mundo que no duele.” Liam Neeson 

Danzón nº 2 Gustavo Dudamel

Danzón No. 2 es una composición orquestal del compositor mejicano Arturo Márquez . Junto con Carlos Chavez ‘s Sinfonía India y Silvestre Revueltas ‘ Sensemaya , Danzón Nº 2 es uno de los más populares y más frecuentemente realizados orquestales mejicanos contemporáneos de música clásica. Ganó gran popularidad en todo el mundo cuando la Orquesta Juvenil Simón Bolívar de Venezuela bajo la dirección de Gustavo Dudamel lo incluyó en su programa para su Europea de 2007 y gira americana.

Escrita para orquesta completa, la pieza presenta solos para clarinete, oboe, piano, violín, corno francés, trompeta, flauta y flautín. La pieza también ha ganado un lugar importante en la literatura moderna de bandas de concierto a través del arreglo de Oliver Nickel.

Danzón No. 2 fue un encargo de la Universidad Nacional Autónoma de Mexico y fue estrenado en 1994 en por la Orquesta Filarmónica de la UNAM bajo la dirección de Francisco Savín . El interés rítmico en la pieza se mantiene mediante el uso de diferentes acentos y tempo . Este elemento básico de la literatura musical mexicana contemporánea expresa y reflexiona sobre el estilo de baile denominado danzón, que tiene sus orígenes en Cuba pero es una parte muy importante del folclore del estado mexicano de Veracruz . La música se inspiró en una visita a un salón de baile en Veracruz.

SOLEDAD

En tí estás todo, mar, y sin embargo,
¡qué sinti estás, qué solo,
qué lejos, siempre, de ti mismo!
Abierto en mil heridas, cada instante,
cual mi frente,
tus olas van, como mis pensamientos,
y vienen, van y vienen,
besándose, apartándose,
con un eterno conocerse,
mar, y desconocerse.
Eres tú, y no lo sabes,
tu corazón te late y no lo sientes…
¡Qué plenitud de soledad, mar solo!.

Juan Ramón Jimenez (de Diario de un poeta recién casado)

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Colores

Nicolas Odinet

“Las mejores personas poseen sensibilidad para la belleza, valor para enfrentar riesgos, disciplina para decir la verdad, capacidad para sacrificarse. Irónicamente, estas virtudes los hacen vulnerables; frecuentemente se les lastima, a veces se les destruye “Ernest Hemingway

Colors – Black Pumas

Hay un sentimiento que es común a todos los mortales y que se ha convertido en un objetivo vital a alcanzar, en un sueño por cumplir; el deseo de ser feliz es el bien inmaterial más codiciado por todos pero, quizás, andamos algo perdidos en eso de cómo conseguirlo.

En un mundo en el que prima lo material por encima de lo sentimental o las posesiones por encima de los valores, el cerebro no nos engaña; lo que tenemos u obtenemos con dinero no es suficiente para que nuestro pensamiento y nuestro yo interno esté totalmente satisfecho.

Alcanzar el éxito profesional, tener un trabajo bien remunerado, tener un piso en la ciudad y un apartamento en la playa, comprar un buen coche, disfrutar de una vida social activa y una vida popular en las redes, son algunas de las falacias que se nos han vendido acerca de la felicidad y que nos hacen sentir huecos y vacíos.

Oriol Lugo y Ana Farré son dos psicólogos de la Universidad Ramón Llul que, basándose en el artículo “Train Your Brain to Get Happy: The Simple Program That Primes Your Grey Cells for Joy, Optimism, and Serenity” de Aubelle, T., Wencl, S. y Reynolds, S, dan algunas claves para entrenar nuestro cerebro con la meta de ser felices.

Según Lugo y Farré deberíamos partir de la base de contemplar la felicidad como un estado mental, formado por emociones tales como la alegría, el optimismo y la serenidad; estos estados y emociones son comunes a todos y se puede trabajar para llegar a sentirlos.

Para ello habría que empezar a tomar conciencia de cómo nos sentimos en cada momento, algo que tendemos a hacer solo en momentos de estrés, ansiedad y miedo por eso de que siempre nos quedamos con lo malo pero, ¿somos realmente conscientes de todos esos micro instantes de felicidad que tenemos?

Saber qué nos hace felices es tan importante o más, que saber qué nos hace infelices En el momento que tenemos perfectamente identificado que nos produce alegría o tristeza, podemos ser capaces de regular niveles de emocionalidad.

Si queremos ser felices, tenemos que focalizarnos hacia esos estados mentales que nos permitan sentirnos bien y repercuten directamente en nuestros estados emocionales.

Este mecanismo no consiste en bloquear o evitar las emociones negativas sino en aceptarlas como algo que ocurre de manera natural.

Para los psicólogos el quid de la cuestión está en lo que denominan como “rutinas de felicidad”buscar tiempo cada día para hacer cosas tan sencillas como leer un libro, escuchar una canción, hablar con un amigo, dar un abrazo o decir a alguien que lo aprecias, son acciones básicas al alcance de todos y que pueden salvar un mal día, pueden equilibrarlo.

Tomarse un tiempo cada día para uno mismo o para uno mismo con los demás, no nos va a convertir en personas felices de la noche a la mañana pero sí, si llegamos a convertirlo en un hábito o en algo rutinario.

En el momento que tengamos instaurados todos estos nuevos hábitos será mucho más fácil mantenerlos; al crear una rutina a nivel neurológico, se forman unas conexiones neuronales mucho más resistentes y ésto hace que podamos acceder a estas pautas de una manera fácil y simple.

Puede parecernos una obviedad todo lo que Lugo y Farré apuntan, pero es que de tan obvio que es, se nos olvida con facilidad, con la misma que nos perdemos en tonterías en el camino recto y llano que hay hacia una felicidad que sí existe y que tenemos al alcance.

El cerebro puede entrenarse para alcanzar la felicidad. Cultura Inquieta

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“No juego según las reglas del juego”

Paris Mayo 2018 Atelier des Lumières 
I don’t know my name – Grace Vanderwaal 
No sé cuál es mi nombre
No juego según las reglas del juego
Así que dices que sólo estoy intentando
Sólo intentando
.

“La forma sin contenido no es una mano sino un guante vacío, lleno de aire.”
Wassily Kandinsky.

Arte abstracto

En azul (1925). Kandinsky

En arte se habla de “figuración” cuando se representan personas y objetos reales y reconocibles. Lo abstracto es lo que se aleja de la figuración. El extremo de la abstracción, o sea la abstracción total, completa, pura, es cuando encontramos formas y colores sin reconocer figuras u objetos del mundo real.

Desde el Renacimiento hasta fines del siglo XIX, el arte occidental se somete a la lógica de la perspectiva y a un intento de imitar lo más posible a la naturaleza. Con el avance de la fotografía, esta necesidad para muchos ya no tiene sentido. Entonces se empieza a simplificar la representación en función de volverla más expresiva, y así la abstracción inicia su camino.

Ya desde la segunda mitad del siglo XIX, el arte de culturas distintas a la europea se vuelve accesible y muestra a los artistas novedosas formas de describir experiencias visuales. Esto también resulta crucial para la abstracción (recordemos, por ejemplo, que en el primer cuadro del cubismo, Las señoritas de Avignon, Picasso es influenciado además de por Cézane por la abstracción en el arte de las máscaras africanas).

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea (elementos esenciales, puros) para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Es más: la obra abstracta entendida de forma estricta (la más extrema, por supuesto) no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma.

El grado de abstracción de una obra puede ser sólo ligera, parcial o completa. A veces reconocemos un objeto, que ha sido simplificado a su forma esencial, y otras veces nos enfrentamos a una abstracción “pura” como la del cuadro que elegimos.

Artistas representativos: Kandinsky, Delaunay, Marc, Mondrian, Malévich, Klee.

Composición 10 (1939).

Con Kandinsky (además de Robert Delaunay y Franz Marc) comienza la abstracción pura (se los toma a ellos como referentes, no fueron los únicos y se han ido descubriendo obras abstractas anteriores a ellos),.

A la abstracción pura la podríamos definir sencillamente como “la pintura que no muestra objetos reconocibles”.

Las imágenes que nos muestran la cosmovisión (la manera propia de ver el mundo) de Kandinsky son abstractas, pero esa abstracción no constituye una meta en sí misma.

Su lenguaje no resulta un lenguaje muerto que no comunica nada más allá de una composición estética. Por el contrario: el lenguaje de Kandinsky transmite vida, el nacimiento de lo nuevo y hermoso a partir del caos del universo.

Wassily Kandinsky es muy cuidadoso a la hora de teorizar o defender un estilo que se impondrá con fuerza para siempre, una nueva concepción de la pintura: si bien propone el hacer a un lado la figuración, a la vez advierte que es un peligro independizar forma y color del contenido.

Por eso aclara: “el color puro y la forma libre, sin contenido, darían como resultado obras tan sólo ornamentales, similares a una corbata o una alfombra”.

La Primera acuarela abstracta. Kandinsky.

Primera acuarela abstracta 

Kandinsky, como él mismo relata, se da cuenta de que la obra puede prescindir del objeto (o sea, puede ser abstracta: donde no hay ninguna forma que represente a un objeto real) debido a una confusión: viendo una exposición en Moscú se encuentra con un cuadro de Monet, uno de la serie de los almiares (pilas de heno) y queda fascinado por esta novedad, la ausencia del objeto, hasta que lee en el catálogo que se trata de un almiar, o sea que no es abstracto. Sin embargo, es una experiencia tan decisiva para él que alguna vez propondrá que se llame a aquel cuadro impresionista “el primer cuadro abstracto”.

Más tarde, cuando la abstracción está en auge, y aparentemente para zanjar la controversia sobre quién es el primer pintor abstracto, él llama a este cuadro (al que los especialistas ubican por 1913)  Primera acuarela abstracta y dice que lo pintó en 1910 (y lo firma con esa fecha).

Como nota de color, mucho más tarde se descubrirá que, de todos los “padres de la abstracción” (donde además de Kandinsky están Marc, Delaunay, Mondrian y otros), parece que el primero no fue un padre sino una madre: Hilma af Klint.

Pero bueno, no es tan crucial dilucidar esa cuestión de reivindicaciones, sino comprender la importancia de la abstracción en su momento histórico, cuando el artista definitivamente está dejando de representar el mundo que lo rodea, para “expresar” en cambio su mundo interior.

Kandinsky sostiene en sus escritos teóricos que el arte debe ser una experiencia espiritual, y la abstracción total (las formas y colores que no representan ningún objeto en particular) tienen una cualidad expresiva propia y a la vez muy poderosa para transmitir esa experiencia. Tal es así que relaciona esas formas y colores con las notas musicales.

El artista ya no necesita contar cómo se siente o cómo ve el mundo “transformando” o “desfigurando” ese mundo a partir de sus emociones, sino que con colores, manchas y formas, pinta esas emociones “directamente”.

Hilma af Klint (1862-1944).

Serie VII. Nº 7d (1920)

Hilma af Klint (1862-1944).

En el siglo XX, el artista no sólo deja de representar “la naturaleza” (el mundo exterior a él) para expresar su mundo interior, su visión personal, sino que incluso llega al punto de “prescindir del objeto” (que haya objetos reconocibles en su arte). El artista empieza a expresarse con la abstracción: colores, manchas, figuras geométricas.

Muchos se han atribuido el mérito de ser iniciadores de la abstracción. Es difícil determinarlo y también es relativo el mérito. Los padres de la abstracción son muchos, aunque consideramos que Kandinsky es quien se dio cuenta racionalmente del valioso potencial de la abstracción, y además fue el gran teorizador sobre el tema.

Sin embargo, hubo un secreto bien escondido que salió a la luz muchas décadas después.

Hilma af Klint (sí, con “n”) es una pintora sueca desconocida en el gran mundo del arte, que ya pinta abstracciones varios años antes incluso que Kandinsky (el cuadro que elegimos es de 1920, pero han quedado abstracciones de ella al menos desde 1906).

Hacia afuera, pinta y vende paisajes y estudios anatómicos para un instituto veterinario. Pero interesada en el espiritismo y las disciplinas que permiten conectar con el más allá o tener “revelaciones”, en secreto intenta representar el cosmos, el orden universal, con figuras, líneas y colores (lo que nos hace recordar a Mondrian y sus representaciones geométricas en busca de la armonía del universo).

También se cuenta que ella llega a confesar que su obra le es dictada por “seres superiores”, extraterrestres.

Hilma será “desconocida” hasta 1986. Su obra es un secreto que permanecerá oculto debido a una curiosa razón: sin haber expuesto nunca las abstracciones, deja claras instrucciones que no podrán exponerse hasta 20 años después de su muerte. Está convencida de que el mundo no se encuentra preparado para comprenderlas.

Hilma fallece en 1944, pero el secreto se mantendrá mucho más que 20 años ¿El motivo?: quienes heredan su legado no imaginan que éste tenga “alguna importancia”.
Entonces nos volvemos a acordar de aquella frase que dice que “cuando nace un genio, se lo reconoce porque todos los necios se conjuran contra él”.

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