Probablemente de todos nuestros sentimientos el único que no es verdaderamente nuestro es la esperanza. La esperanza le pertenece a la vida, es la vida misma defendiéndose”.-Julio Cortázar

El lugar donde van las cosas perdidas. versión de Jamie Cullum

No puedes mentirme, se que despiertas en la noche solo entre la oscuridad y la luz de la mañana
Buscando las cosas que solías tener, intenta mirar ese lugar donde van las cosas perdidas

¿Estarán en tus sueños o en tus recuerdos?
Si me preguntas dónde encontrar lo que tanto extrañas o todas esas cosas que tanto amas
Están esperando en ese lugar donde van las cosas perdidas

Todos los recuerdos que guardas no se irán por revivirlos, no temas
Todavía están a tu alrededor
Aunque ahora son parte del pasado, no quiere decir que no fueron reales o se hayan perdido sin dejar rastro nada se va para siempre sólo ha cambiado de lugar
Así que tal vez ahora el plato y mi mejor cuchara están jugando al escondite justo detrás de la luna esperando impacientes hasta que alguien los encuentre
Es como La primavera ahora escondida bajo la nieve del invierno oculta en ese lugar donde van las cosas perdidas

Es hora de cerrar los ojos para dejar entrar los sueños y cuando lo hagas estarás donde se encuentra todo aquello que se pierde
Tal vez sea en la luna o tal vez sea en algún lugar nuevo o tal vez todo aquello que perdiste siempre estuvo dentro de ti

Así que cuando necesitas un abrazo y una mirada amorosa, podrás sentirlo sin necesidad de verlo
Esa es la frase perfecta puedes verle sonriendo de una estrella que hace brillar
Confía siempre está ahí observando como creces hasta que sea tu turno de encontrarle en ese lugar
Donde van las cosas que se pierden

EMOCIONES

La color-field painting o «pintura de campos de color» es una corriente dentro de la Escuela de Nueva York.

Irving Sandler, crítico e historiador de arte propuso llamar pintura color-field a esta última alternativa del expresionismo abstracto, centrada en el color y sus posibilidades expresivas.

Surgió igualmente en torno al año 1947. Crearon cuadros en los que dominaban amplias áreas de color, todas ellas de igual intensidad. No hay en sus obras contrastes de luz o de colores. El dibujo y el gesto se hicieron simples. En muchas obras se trabajaba con un solo color con diferentes tonalidades. Son cuadros cercanos al neoplasticismo pero, a diferencia de él, las áreas de color son abiertas, y parecen seguir más allá de los bordes del cuadro.

Dentro de esta tendencia se enmarca la obra de Clyfford Still (1901–1980), Mark Rothko (1903–1970), Barnett Newman (1905-1970) y Enrico Accatino (1920-2007).

Mark Rothko

Con figuras biomorfas que pretendían expresar formas míticas comenzó la carrera artística de Rothko, a comienzos de los cuarenta Pero hacia 1947 su estilo sufrió un cambio, centrándose en manchas de color de forma geométrica, normalmente dos o tres rectángulos horizontales. Se organizaban sobre la superficie del cuadro de forma frontal, unos sobre otros de forma simétrica. Los colores, especialmente los de los rectángulos, eran luminosos, siendo más apagados los del fondo. Rothko creaba superficies lisas. Los contornos son borrosos. La impresión que ofrecen los cuadros de Rothko es de serenidad, muy distinta de la angustia y la violencia de los action painters.

Lo primero que hay que tener en cuenta antes de introducirse en la obra de Rothko si uno no la está viendo personalmente en un museo, es algo que no se puede apreciar en una publicación, en un texto: es el tamaño de las obras, que tienen un efecto decisivo en la experiencia del observador.

Los cuadros de Rothko son enormes, y muestran enormes campos de color que intentan transmitir las emociones más puras del artista. Como él mismo ha dicho: “lo único que me importa es expresar mis emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, muerte”.

Los campos de color de Rothko tienen la característica de ser aplicados en varias capas de pintura superpuestas (veladuras) y quedan con sus perfiles borrosos, indefinidos, flotando sobre fondos de un solo color.

Detenerse ante un cuadro de Rothko es vivir la experiencia de sumergirse en esos colores y experimentar sensaciones que van más allá del impacto visual. Al menos ésa es la intención del artista.

En el expresionismo abstracto tenemos otra gran tendencia o estilo, que es el action painting (la pintura de acción), donde la pintura se arroja o se chorrea sobre la tela transmitiendo toda la angustia, desesperación y violencia de una época marcada por una guerra a escala mundial (entre ellos están Jackson Pollock o Willem de Kooning). La obra de Rothko, en cambio, moviliza emociones en en un plano espiritual, en un universo silencioso. Son lo que él considera “experiencias religiosas”.

Cuando descubres la filosofía con la que Mark Rothko definía sus cuadros quedas fascinado.  Este artista tenía un especial interés en los lienzos de gran formato y por la idea de la pintura como un algo que puede envolver al espectador. Ese halo de misterio, de grandeza enigmática que desea Rothko que penetre en tu interior a través de la abstracción, crees que no puedes llegar a experimentarlo…Pero cuando ves por primera vez un Rothko, te quitas todas las etiquetas y clasificaciones, historias y definiciones que sobre Rothko puedas tener a través de tus lecturas o conocimientos de Arte, para plantarte frente a uno de sus cuadros sin más…Y ¡no hace falta más!, lo sientes, sientes algo especial, espiritual…una especie de profundidad que también envolvía a Rothko, un artista atormentado que lamentablemente se suicidó en 1970 producto de sus depresiones. Pero cuando pasa el tiempo aún puedes recordar esa sensación.

Y es que el Arte con mayúsculas también se encuentra en la abstracción; una mancha, una raya, una mezcla de colores, puede ser Arte…o ¡¡no!!. Ahí estás tú para descubrirlo y sobretodo para sentirlo. El Arte abstracto como el Arte en general nos pertenece a todos, forma parte de nuestra propia esencia desde que hicimos como seres humanos racionales nuestras primeras obras de Arte durante el último periodo de la Prehistoria. Y es que el Arte no es propiedad de una minoría, de una élite, o de los intelectuales, el Arte es para todos, sólo necesita que nos acerquemos a él con ojos abiertos, sinceros y humildes; será entonces cuando se establecerá una relación entre ambos que ya nunca se perderá…

Lev Semionovich Vigotsky fue pionero en relacionar el Arte con la psicología. Para él el Arte era una herramienta de expresión social y emocional. En su obra “Psicología del Arte”, dice que lo fundamental en una obra de Arte es que genere emociones. Y en este sentido el Arte nos ayuda a enriquecernos como personas, como ciudadanos, a ser más libres, a ser más felices; de hecho muchas terapias contra la depresión u otras enfermedades mentales se basan en el “Arteterapia”, término utilizado por primera vez en 1942 por Adrian Hill.

El Arteterapia es una extensión de nuestra alma que permite expresar nuestros anhelos, frustraciones, preocupaciones o sueños sin necesidad de hablar. Es una forma de sacar al exterior todo lo que llevamos dentro y es una forma de sanar nuestro interior…

Sin duda el Arte en cualquiera de sus expresiones es una forma de sentir, de vivir y de experimentar emociones universales.
Imagen cortesía de revistaimprescindibles.com

Escrito por Sofia Alcausa Hidalgo, 

Clyfford Still

Clyfford Still fue otro de los artistas que en los años treinta, trabajó en la WPA. Su estilo fue haciéndose progresivamente más abstracto. Su estilo de madurez está dominado por cuadros de fondo negro, al que consideraba su «no-color preferido». Y, sobre él, aparecían unas líneas verticales de contorno irregular, como si fueran una especie de llamas, de colores vivos: amarillo, naranja o blanco

Nació en Grandin, Dakota del Norte, Estados Unidos, el 30 de noviembre de 1904.
Fue uno de los más destacados representantes del expresionismo abstracto americano. Sus comienzos en la pintura fueron autodidactas, en sus primeras obras pintó paisajes canadienses, país en en el que vivió a partir de los seis años de edad. Durante un corto espacio de tiempo asistió a la Art Students League de Nueva York, en el año 1925, y de 1933 a 1941 al al Washington State College, inicialmente como alumno, para más tarde convertirse en profesor.

En 1934 realizó una tesis sobre la obra de Paul Cezanne, sin embargo al poco tiempo abandonó cualquier influencia de la pintura europea, para ser uno de los primeros artistas norteamericanos en practicar la abstracción. Impartió clases en el Centro de Arte de Spokane durante la Gran Depresión y en la Universidad del Estado de Washington.

Sus obras más tempranas cargadas de detalles alegóricos clásicas, dieron paso a composiciones ejecutadas a base de grandes planos. Con este giro que se inició a finales de la década de 1930, se anticipó a los artistas de su generación, que en esa época, continuaban en el figurativismo surrealista.
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial se instaló en Nueva York.

Gracias a Mark Rothko, al que conoció y con el que entabló una gran amistad en 1943, contactó con Peggy Guggenheim, que un año más tarde realizó una muestra de su obra en su galería Art of This Century. En 1946 obtuvo un trabajo en la Escuela de Bella Artes de California, en San Francisco, pero volvió a Nueva York en 1950. En los años siguientes junto a otros expresionistas abstractos, expuso en la Betty Parsons Gallery, a la vez que su pintura se hacía más abstracta. Sustituyó los títulos por números para evitar cualquier interpretación, y su interés por la verticalidad anterior se hizo aún más evidente, y sus lienzos sus lienzos de gran formato, inundados por manchas de colores con contraste. Fue en este momento en el que comenzó a volverse muy crítico con el mundo del arte, aislándose cada vez más, incluso evitando exponer, incluso vender.
En 1961, se instaló en una granja de Maryland, donde pasó el resto de su vida.

En Denver, Colorado se encuentra el Museo Clyfford Still, que alberga el 95 por ciento de la producción total de la artista, lo que hace que su colección es la mayor e intacta de la obra de cualquier artista.

Web del Museo Clyfford Still : AQUÍ:

Artículo leido en Trianarts.com

Ad Reinhardt 1913–1967

91,4 CM

Adolph Friedrich Reinhardt, 24 de diciembre 1913. Fue un artista abstracto que comenzó su carrera al lado de los expresionistas abstractos, pero se fue alejando de ellos para encontrar su propio camino. En algún punto de los años 50 descubrió que reduciendo su paleta podía expresar más, podía quizás contar lo que no está pintado. Al final su arte se volvió monocromo, siendo por todo ello considerado padre de las dos corrientes más revolucionaria de esos años para el mundo del arte: el arte conceptual y el minimalismo.

También es muy conocida su faceta como teórico. En sus escritos defiende la abstracción y reflexiona sobre el sentido del arte y la función de los artistas. Una de sus máximas, «Arte como Arte» afirma que el arte no tiene sentido fuera de sí mismo y que la obra artística debe responder a la necesidad de una negación absoluta.

Ad Reinhardt nació en Buffalo (Nueva York), y estudió historia del arte en la Universidad de Columbia. Su carrera no dejó de evolucionar, siempre desde la abstracción. Primero con el grupo de los Artistas Abstractos Americanos y después como pionero de la pintura «hard-edge» o pintura del borde duro, que busca la economía de las formas y deja bien nítidos los contornos de los colores con un borde que lo singulariza de los demás.. Fue uno de los abanderados del arte abstracto, pero curiosamente destacó también como caricaturista y llaman la atención sus viñetas cómicas, que a menudo satirizan el mundo del arte.

(CC) Miguel Calvo Santos, 27-09-2016

Un cuadro negro, absolutamente negro (el no-color). Del tamaño de un ser humano pero pintado y cepillado para eliminar cualquier rastro de pincelada. Uniforme, mate, plano a primera vista… pero en realidad formado de varios negros distintos; es casi imperceptible, pero creedme: los hay. Esta pintura abstracta es, en palabras de su autor, una pintura pura, no objetiva, atemporal, sin espacio, inmutable, sin relaciones, desinteresada: un objeto consciente de sí mismo, ideal, trascendente, consciente de nada más que del arte.

Este cuadro es, si lo pensamos, un no-cuadro. Sin forma, sin color, sin tema… Si fuera posible, ni bordes tendría. Eso roza lo filosófico, dando lugar a una paradoja: es un cuadro contemplativo, aunque no sabemos qué hay que contemplar… Una obra intencionadamente enigmática, pintada para resistir cualquier interpretación. Es, en definitiva, un cuadro abstracto. Hasta el título es abstracto.

Al ver esta pintura tan abstracta en 1963, muchos abandonaron indignados el Moma (algunos rompieron sus carnet de miembro en protesta), y lo cierto es que no se les puede culpar. ¿Qué interés, qué valor tiene un lienzo pintado completamente en negro? Si Reinhardt pretendía ser original, ese chiste ya lo había contado Malevich.

Lo que pretendía Reinhardt, era reducirlo y esquematizarlo todo al máximo, intentando de paso borrar de su trabajo cualquier contenido que no fuera arte en sí mismo. Desde luego, poco más se puede avanzar ya desde un punto de vista pictórico. Entramos ya en el terreno de lo conceptual y lo minimalista ambos hijos legítimos de Reinhardt. Artículo escrito por Fulwood Lampkin