CÓMO SUENA CADA COLOR

IMG_0009 Aguadulce. Domingo 6 de octubre 2019

 

De Que están hechas las mujeres

 

Artista y teórico, Kandinsky fue uno de los padres del arte abstracto y dio la vuelta a todas las ideas preconcebidas sobre la pintura. En un bello ejercicio de abstracción, el visionario pintor ruso describió el sonido de cada uno de los colores…

¿Es posible decir a qué suenan el color rojo, el azul o el violeta? Sólo una mente con la extraordinaria capacidad de abstracción como la de Wassily Kandinsky (1866-1944) pudo definirlo.

Durante su carrera, el que fue uno de los pioneros del arte abstracto, también desarrolló un importante cuerpo teórico en el que destacan De lo espiritual en el arte (1911) y Punto y línea sobre el plano (1926), entre otros escritos.

Y de entre sus muchas exploraciones en el campo de la pintura y el arte en general (mismas que podría convertirse en consejos de vida) se incluyen, por supuesto, importantes reflexiones sobre el proceso de composición, además de varias que fueron dedicadas a su teoría del color —una que, como la de Goethe, estaba íntimamente ligada a lo emocional y lo intuitivo.

Si se pudiera definir el delicioso arte del ruso con dos palabras, éstas serían, posiblemente, sonido y movimiento (quizá por las melodías que se intuyen en muchas de sus piezas).

Y es que en una buena cantidad de sus cuadros es posible (al menos para una mente abierta a la transgresión revolucionaria de disciplinas) encontrarnos con la semejanza a una composición musical, al menos a partir de la etapa en que Kandinsky fue parte de la Bauhaus y sus estilos posteriores.

En De lo espiritual en el arte, Kandinsky define las antinomias u oposiciones de los colores: “Los seis colores aparejados conforman las grandes antinomias que se organizan en un círculo, como una serpiente que se muerde la cola (símbolo del infinito y la eternidad) y abren las dos grandes posibilidades que, por las vibraciones que despiertan, se relacionan con determinados estados anímicos.”

Lleno de una sensibilidad no sólo profunda sino también visionaria, dotado de una concepción mágica del universo y una innegable aceptación de la relación entre los visible y lo invisible, el artista definió el sonido de cada color de la siguiente manera:

Rojo

El rojo es un color ardiente con un carácter inmaterial e inquieto. Recuerda a la alegría juvenil, pero en tonos oscuros simboliza la madurez viril. Se asemeja a los tonos claros de un violín.

Naranja

El color tiene una sensación grave, radiante, que emite salud y vida. Su sonido es similar al de una campana llamando al Ángelus, un barítono o una viola.

Amarillo

Este color irradia desde el centro, parece que se acerca al espectador o que se sale del cuadro. Es inquietante y evoca al delirio. Su sonido es el de una trompeta o un clarín.

Verde

El verde carece de dinamismo, ya que evoca la calma y la pasividad. Suena como los tonos tranquilos y profundos de un violín.

Azul

Este color se mueve de forma concéntrica, como un caracol en su concha. Parece que se aleja del espectador. Es un color puro e inmaterial, y su sonido se asemeja al de una flauta, un violonchelo o un órgano.

Violeta

El violeta se concibe como un color lento, apagado. Tiene una sensación enfermiza que se asocia al luto y a la vejez. Recuerda al sonido del corno inglés, la gaita o el fagot.

Blanco

El blanco representa un mundo donde desaparece el color material. Da una sensación de alegría pura. Es un silencio lleno de posibilidades, una pausa musical.

Negro

Es el color de la más pura tristeza, por lo que es apagado e inmóvil. Evoca la muerte, la nada tras apagarse el sol. Es el silencio, la pausa completa tras la que comienza otro mundo.

Leido en la revista Cultura Inquieta.

Estos bonitos y lúcidos consejos para la vida y la creación fueron extraídos de la genialidad del artista ruso.

 El artista no sólo debe entrenar sus ojos, sino también su alma.– Wassily Kandinsky

‘Composición Nº8’ (1923) – Kandinsky
Para muchos, el primer gran representante del arte abstracto es Wassily Kandinsky. El ruso, además, fue un importante teórico del arte y estudió minuciosamente el color y su relación con la psicología, lo que hizo que su legado no se limitara al ámbito artístico sino que abarcó también aspectos esenciales de lo humano.

Además de su carrera como artista, Kandinsky hizo estudios sobre folclor popular ruso, la simbología del color, la geometría y la intrínseca relación que existe entre el artista y la espiritualidad, lo cual lo llevó a hablar de la figura del creador como una suerte de profeta. Otra de las disciplinas estudiadas por el ruso fue la música (a la que llamaba “la más grande maestra”).

Influenciado por la escatología cristiana, por la obra de Claude Monet, la música de Wagner y la teosofía, Kandinsky fue un artista integral y un pensador que creó conceptos completamente nuevos en el arte. Así, sus trabajos teóricos iluminan no sólo a aquellos que dedican su vida al trabajo creativo sino también a aquellos que buscan senderos apropiados para ejercer su exploración vital. A continuación seis de las lecciones más valiosas, para la vida y el arte, que nos dejó…

Vive una vida llena de color
La ideología que refleja la obra de Kandinsky privilegia una vida llena de color, en contraste con llevar una existencia en blanco y negro. Como un artista profundamente espiritual, Kandinsky habló de las propiedades terapéuticas del color y entendía dos niveles en su efecto sobre las personas: el primero implica el placer estético del simple acto de observar un color (semejante a comer algo delicioso) y el segundo corresponde a lo que él llamó la “resonancia interior”, el impacto espiritual que el color puede tener dentro de nosotros y que toca el alma humana.

Aprende a tomar pausas

A pesar de haber sido un pintor excepcionalmente prolífico y trabajador, Kandinsky conocía la importancia de tomar descansos del trabajo. El acto de alejarse de un proyecto permite verlo con una perspectiva clara y concluirlo con mejores resultados, una lección que fácilmente podría aplicarse a cualquier ámbito de la vida.

Permite que tu estilo evolucione

La trayectoria de Kandinsky nunca dejó de transformarse a lo largo de su fructífera carrera, desde sus comienzos haciendo paisajes y cuadros evidentemente fauvistas y puntillistas hasta obras posteriores representantes del más sofisticado arte abstracto. El artista conocía los beneficios de moverse de un estilo estético a otro y concedió una gran importancia a la flexibilidad mental, algo que bien podría servirnos para la vida en general.

Confía en el poder del contraste

El pintor ruso siempre fue consciente del poder que existe en el contraste del color y la forma, concediendo cualidades a cada uno de los extremos y usándolos para crear un balance mutuo. Su poderosa obra siempre se basó en la fuerza implícita del balance de los extremos, otra lección de armonía para diversos aspectos de la existencia.

Reconoce la importancia del ser interior

Si todas las sabias lecciones de Wassily Kandinsky pudieran ser condensadas en una, ésta podría resumirse en la “necesidad interior”, que se explica como el balance entre la apariencia y el contenido. Sus pinturas son obras extremadamente coloridas que, sin embargo, no solamente responden a la pura experiencia estética sino también a la conciencia plena del mundo interior del artista, que resulta en un compromiso con las emociones más profundas y subjetivas: las formas y los colores siempre expresaron su mundo emocional. Kandinsky creó todo un lenguaje basado en el simbolismo de cada forma y cada color. Un sano balance entre el exterior y el interior, la forma y el contenido, resulta profundamente necesario en la vida diaria.

 

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